108 年 國立臺灣藝術大學雕塑學系碩士班《雕塑史》

本題旨在探討 20 世紀初歐洲兩大藝術運動——未來主義與構成主義——對現代雕塑的影響，以及兩位代表性藝術家塔特林與賈伯的創作理念。

核心觀念：

1. 未來主義 (Futurism)：強調速度、科技、暴力、機器與現代生活，反對傳統與博物館，追求動態與時間性的表現。
2. 構成主義 (Constructivism)：源於俄國，強調藝術的社會功能，將藝術融入生產與日常生活，運用工業材料與幾何形式，追求理性、結構與實用性。
3. 塔特林 (Vladimir Tatlin)：構成主義的先驅，以其「反浮雕」(Counter-Reliefs) 和「總體藝術」(Monument to the Third International) 等作品聞名，主張藝術應服務於社會革命與生產。
4. 賈伯 (Naum Gabo)：構成主義的另一重要代表，其作品強調空間、光線與透明材料的運用，追求抽象的、非物質化的形式，探索藝術與科學的關聯。

解題步驟：

一、未來主義對現代雕塑的影響 (1910-1920)

• 背景與核心思想：未來主義起源於義大利，由馬里內蒂 (Filippo Tommaso Marinetti) 於 1909 年發表宣言。他們讚頌機器、速度、戰爭與現代都市的活力，反對過去的藝術傳統，希望創造一種充滿動態、能量與感官衝擊的藝術。
• 對雕塑的影響：
  • 動態與速度的捕捉：未來主義雕塑家試圖打破傳統靜態的雕塑形式，捕捉運動中的物體，表現時間的流逝與能量的傳遞。例如，波丘尼 (Umberto Boccioni) 的《空間中連續性的獨特形式》(Unique Forms of Continuity in Space, 1913) 就是經典之作，它不僅表現了運動的形體，更試圖將形體與其周圍的空氣、空間融為一體，打破了封閉的形態。
  • 新材料的運用：他們樂於嘗試玻璃、鐵、皮革、紙板等工業材料，這些材料更符合現代工業社會的特質，也為雕塑的結構與表現帶來了新的可能性。
  • 打破傳統雕塑的界限：未來主義挑戰了雕塑必須是獨立、封閉物件的觀念，將雕塑與空間、環境、表演結合，為後來的裝置藝術、行為藝術等提供了靈感。
  • 象徵性與表現性：透過扭曲、變形、斷裂的形體，以及對比強烈的材料組合，未來主義雕塑傳達了現代生活的緊張、衝突與機械化的特質。

二、構成主義對現代雕塑的影響 (1910-1920)

• 背景與核心思想：構成主義（或稱建構主義）主要在俄國發展，尤其是在十月革命前後。它強調藝術的社會功能，認為藝術不應僅僅是個人情感的表達，而應積極參與社會的改造與建設，將藝術家從「工匠」提升為「工程師」。其核心是理性、邏輯、結構與實用性。
• 對雕塑的影響：
  • 抽象與幾何形式：構成主義雕塑捨棄了具象的描繪，傾向於使用純粹的幾何形體（直線、平面、圓形等）來構成作品。這些形式追求普遍性與理性，強調結構本身的美感。
  • 工業材料與技術：廣泛使用金屬、玻璃、塑膠、木材等工業材料，並運用焊接、鉚接等工業技術來製作作品。這不僅降低了藝術的「手作」感，也使其與現代工業生產更為貼近。
  • 空間構成：構成主義雕塑不再是傳統的「塊體」，而是將形體、空間、光線、運動（有時是動態的）納入考量，創造出開放、輕盈、與環境互動的空間裝置。作品常常是懸掛、組合或嵌入空間的。

本題要求闡述德國藝術家約瑟夫·波伊斯 (Joseph Beuys) 的核心藝術理念——「社會雕塑」(Social Sculpture)，並以其代表性計畫「七千棵橡樹」(7000 Oaks) 為例進行說明。

核心觀念：

1. 約瑟夫·波伊斯 (Joseph Beuys)：20 世紀極具影響力的德國藝術家、教育家，其創作橫跨雕塑、行為藝術、表演、繪畫、裝置等多種媒材。
2. 社會雕塑 (Social Sculpture)：波伊斯提出的核心概念，認為藝術的範疇遠超出傳統的雕塑或繪畫，而是可以觸及社會的結構、人際關係、政治、教育等一切面向。藝術家有責任去「雕塑」社會，促進社會的轉化與再生。
3. 擴大的藝術定義：波伊斯認為「人人都是藝術家」，每個人都有潛能去創造與轉化。他的藝術關注人類的創造力、自由意志與社會的癒合。
4. 「七千棵橡樹」計畫 (7000 Oaks)：波伊斯於 1982 年第五屆卡塞爾文件展 (documenta 5) 上提出的計畫，旨在透過種植七千棵橡樹來改善城市環境、促進生態平衡，並象徵社會的再生與生命力。

解題步驟：

一、波伊斯的「社會雕塑」美學概念

• 藝術的擴張與轉化：波伊斯對傳統藝術的定義提出挑戰。他認為藝術不應僅限於博物館或畫廊中的物件，而是可以滲透到生活的各個層面。他將「雕塑」的概念擴大，認為人類的思考、語言、行動、人際互動、社會制度、甚至生態環境，都可以是藝術創作的對象和媒材。
• 「人人都是藝術家」：這是波伊斯最廣為人知的論點之一。他相信每個人都擁有潛在的創造力，可以透過自由的思考和行動來影響世界。藝術家的角色不是高高在上地創作物件，而是激發和引導他人的創造力，共同參與社會的「雕塑」。
• 藝術作為癒合與轉化的力量：波伊斯深受其童年經歷（二戰時期）的影響，他認為社會面臨著各種創傷與失衡（政治、經濟、生態、精神）。藝術的使命就是成為一種「癒合」的力量，透過激發個體的創造性潛能，來修復社會的裂痕，促進社會的再生與轉化。
• 關鍵元素與媒材：
  • 行為與表演：許多波伊斯的行為藝術，如《我愛美國，美國愛我》(I Like America and America Likes Me, 1974) 或《如何向死去的野兔解釋藝術》(How to Explain Pictures to a Dead Hare, 1965)，都是透過極具象徵意義的行為來傳達觀念。
  • 現成物與符號：他常使用毛氈、動物脂肪、十字架、教學用具、甚至糞便等看似不「藝術」的材料，賦予它們新的象徵意義，用來探討生命、死亡、轉化、創傷等主題。
  • 教育與對話：波伊斯認為教育與藝術密不可分。他創立了「自由國際大學」(Free International University, FIU)，鼓勵開放的、非權威的學習與對話，將教室變成一個社會實驗的場所。

本題旨在探討當代藝術祭，特別是日本的「越後妻有大地藝術祭」與「瀨戶內國際藝術祭」，如何體現和發展了公共藝術與環境景觀雕塑的理念，並要求論述其歷史發展脈絡及內涵的異同點。

核心觀念：

1. 公共藝術 (Public Art)：泛指存在於公共空間、可供公眾欣賞和體驗的藝術。其形式多樣，包括雕塑、壁畫、裝置、建築、景觀設計等，強調與公眾的互動與連結。
2. 環境景觀雕塑 (Environmental/Landscape Sculpture)：一種將雕塑作品與自然環境（如山林、海岸、沙漠）融合或對話的作品，強調藝術與地景、生態、空間的關係。
3. 越後妻有大地藝術祭 (Echigo-Tsumari Art Triennale)：自 2000 年起在日本新潟縣越後妻有地區舉辦，以「人類的歷史」為主題，將藝術作品置於廣闊的農村景觀中，旨在振興地方、連結人與自然。
4. 瀨戶內國際藝術祭 (Setouchi Triennale)：自 2010 年起在日本瀨戶內海的島嶼群舉辦，以「海的復權」為主題，透過藝術作品活化島嶼文化與經濟，強調藝術與在地居民、歷史、文化的共生。

解題步驟：

一、公共藝術與環境景觀雕塑的歷史發展脈絡

• 早期公共藝術 (古代至近代)：
  • 紀念性與象徵性：早期公共藝術多為紀念碑、雕像、噴泉等，設置於城市廣場、公園，旨在頌揚歷史人物、事件，或體現城市精神、權力。例如古羅馬的凱旋門、廣場雕塑，或文藝復興時期城市中的宗教與英雄雕像。
  • 裝飾性與美化：在城市規劃與建築中，雕塑、壁畫等也常被用來進行裝飾，提升空間的美感。
• 現代公共藝術的轉變 (20 世紀初至中期)：
  • 抽象與實驗：隨著現代藝術的發展，公共藝術也開始出現抽象、非具象的形式。
  • 政府計畫與社會功能：二戰後，許多國家設立公共藝術計畫（如美國的「百分比計畫」），規定新建公共建築需撥出一定比例經費用於藝術創作。公共藝術被賦予了更多社會功能，如提供社區認同、啟發思考、改善生活環境。
  • 與建築、都市計畫的結合：藝術家開始更深入地參與到建築與都市設計的早期階段。
• 環境景觀雕塑的興起 (20 世紀 60-70 年代)：
  • 大地藝術 (Land Art)：作為對工業化、城市化和畫廊體系的批判，大地藝術家走向自然，直接運用土地、岩石、水、植物等自然媒材，在廣闊的自然環境中創作大型作品。例如羅伯特·史密森 (Robert Smithson) 的《螺旋狀堤道》(Spiral Jetty, 1970)。
  • 環境雕塑 (Environmental Sculpture)：強調藝術作品與其所處自然環境的有機聯繫，作品本身可能就是一個「環境」，或與環境形成對話、互補。
  • 對「物件」的挑戰：大地藝術與環境雕塑挑戰了傳統獨立、靜態的雕塑觀念，強調作品的尺度、時間性、與環境的互動性，以及其在特定地理位置的獨特性。
• 當代公共藝術的多元發展 (20 世紀末至今)：
  • 社會參與式藝術 (Socially Engaged Art)：藝術家不再是單方面創作者，而是與社區居民、特定群體合作，共同創造藝術項目，強調過程、關係、對話與社會影響。
  • 在地性與文化認同：越來越多的公共藝術關注作品的在地性、歷史文脈與文化認同，試圖與當地社區產生深刻連結。
  • 跨領域與整合：公共藝術的界限日益模糊，與建築、景觀設計、都市規劃、社區發展、生態保育、科技藝術等領域深度融合。

二、越後妻有大地藝術祭與瀨戶內國際藝術祭的內涵

這兩大藝術祭是當代公共藝術與環境景觀雕塑發展的重要案例，它們都將藝術置於廣闊的自然與人文環境中，但側重點與策略有所不同。

• 越後妻有大地藝術祭 (Echigo-Tsumari Art Triennale)
  • 背景與主題：舉辦於日本新潟縣的越後妻有地區，一個人口老化、農業衰退的偏遠農村。主題為「人類的歷史」，意在透過藝術尋回人與自然的和諧關係，以及在地居民的生活記憶與情感。
  • 藝術策略：
    • 「場所精神」(Genius Loci)：強調藝術作品與特定場域（農田、森林、廢棄校舍、古老房屋）的深刻連結，藝術家深入在地，與居民互動，創作能融入當地環境與生活的作品。
    • 「三年展」的持續性：藝術祭每三年舉辦一次，但作品卻長期保留，成為當地景觀的一部分，形成「戶外美術館」。這種持續性有助於藝術與地方的長期共生。
    • 振興地方經濟與文化：藝術祭不僅吸引遊客，也試圖透過藝術活化地方，吸引年輕人回流，並保存傳統文化。

本題要求考生從兩組藝術家中，每組選擇一位，並就其雕塑作品、理念及藝術表現特徵進行闡述。這需要考生對台灣現當代雕塑史以及西方現代雕塑史有深入的了解。

核心觀念：

1. 黃土水 (Huang Tu-shui)：台灣日治時期重要的雕塑家，受日本美術學校教育，作品融合西方寫實技巧與東方題材，風格細膩優美。
2. 陳夏雨 (Chen Hsia-yu)：台灣戰後時期重要雕塑家，早期受現代主義影響，作品風格從具象走向抽象，追求形式的純粹性與材質的表現力。
3. 布朗庫西 (Constantin Brancusi)：現代雕塑的先驅，以其極簡、抽象、對材質純粹性的追求而聞名，作品充滿精神性與永恆感。
4. 傑克梅蒂 (Alberto Giacometti)：20 世紀重要雕塑家，以其瘦長、孤獨、彷彿處於存在邊緣的人物雕塑聞名，深刻表現了戰後存在的焦慮與個體的存在感。

解題步驟：

考生需要從 (A) 和 (B) 兩組中各選一位，並進行詳細的分析。以下提供一種可能的選擇與分析範例。

範例選擇：

• 從 (A) 選：黃土水
• 從 (B) 選：布朗庫西

一、黃土水 (Huang Tu-shui, 1895-1930)

• 背景與教育：
  • 黃土水是台灣日治時期第一位進入日本東京美術學校（現東京藝術大學）雕塑科就讀並畢業的台灣學生。
  • 他接受了當時日本學院派的紮實寫實訓練，並接觸到西方現代藝術思潮。
• 雕塑作品與風格特徵：
  • 寫實主義：黃土水早期作品以精湛的寫實技巧著稱，對人體結構、肌肉紋理、衣物褶皺的刻畫極為細膩逼真。
  • 東方題材與人文關懷：他常以台灣本地人物、風俗、神話為題材，作品充滿溫情與人文關懷。例如，他的畢業作品《甘露》(1921) 描繪了抱著嬰兒的女性，展現了母性的溫柔；《少女像》(1927) 則捕捉了少女純真美好的形象。
  • 精緻優美的風格：其作品整體風格傾向於優雅、細膩、柔和，帶有古典的韻味。他善於運用溫潤的石材（如大理石），透過細膩的打磨，呈現出肌膚般的質感。
  • 「台灣在地性」的早期實踐：在殖民背景下，黃土水嘗試將台灣的題材融入西方學院派的表現手法中，為台灣雕塑開闢了新的道路，展現了早期台灣藝術家在尋找自身文化認同的努力。
  • 代表作品：《甘露》、《少女像》、《水牛群像》（未完成，但極具代表性）。
• 創作理念：
  • 追求藝術的真實性與美感。
  • 將西方寫實技法與台灣在地題材相結合，試圖創造具有台灣特色的藝術。
  • 對藝術的投入極為熱情，儘管英年早逝，但其作品對後來的台灣雕塑家產生了重要影響。

二、布朗庫西 (Constantin Brancusi, 1876-1957)

• 背景與影響：
  • 羅馬尼亞裔法國雕塑家，是現代雕塑的關鍵人物，對後來的抽象雕塑影響深遠。
  • 他反對寫實，追求藝術的本質，受到非洲雕塑、羅馬尼亞民間藝術的啟發。
• 雕塑作品與風格特徵：
  • 極簡主義與抽象化：布朗庫西的作品高度抽象，將物體的形體簡化到最基本的元素，去除不必要的細節，追求形式的純粹性與普世性。例如，《沉睡的繆斯》(Sleeping Muse, 1909-1910) 將人臉簡化成一個蛋形，只保留了睡著的輪廓，傳達出一種寧靜而永恆的狀態。
  • 材質的純粹性：他極度重視材料本身的質感與特質，如大理石、青銅、木材。