113 年 國立臺灣藝術大學跨域表演藝術研究所碩士班《中西表演藝術美學》

本題主要在測試考生對於「表演藝術」基本概念的理解，以及其與其他藝術形式的區別能力。

核心觀念： 表演藝術的定義、其與其他藝術（如繪畫、雕塑、文學、音樂等）的根本差異。

解題思路：

1. 定義表演藝術： 表演藝術是一種透過表演者在特定時間與空間，運用身體、聲音、動作、道具、布景、服裝、燈光、音響等元素，即時與現場觀眾互動，以傳達思想、情感、敘事或美學觀念的藝術形式。其核心在於「在場性」(presence)與「即時性」(immediacy)。
2. 與其他藝術的差別：
   • 時間性與空間性： 表演藝術是時間性藝術（如音樂、戲劇、舞蹈），也是空間性藝術（如戲劇、舞蹈、裝置表演），但其表演本身發生在特定時間與空間，觀眾在同一時間與空間共同體驗。
   • 表演者與觀眾的互動： 表演藝術強調表演者與觀眾的即時互動（無論是直接或間接的）。觀眾的反應（掌聲、笑聲、沉默）會影響表演，表演者也能感受到觀眾的存在。

本題旨在探討表演藝術在當代社會的範疇擴展，以及其與傳統表演藝術相較的演變。

核心觀念： 當代表演藝術的多元化領域、跨界融合現象，以及與過往表演藝術的比較。

解題思路：

1. 當代表演藝術的領域：
   • 傳統領域的深化與創新： 戲劇（包含實驗劇場、環境劇場、偶戲、兒童劇等）、舞蹈（現代舞、芭蕾、街舞、民族舞等）、音樂（古典、流行、電子、實驗音樂等）、歌劇、音樂劇、傳統戲曲、馬戲等，這些領域持續發展並融入新元素。
   • 跨域整合的興起：
     • 科技與表演： 運用數位科技、投影、VR/AR、AI、互動裝置、感測器等，創造虛實整合的舞台效果，或讓觀眾參與互動。
     • 藝術形式的混融： 將劇場與視覺藝術（裝置、影像）、文學、電影、遊戲、街頭藝術、行為藝術、肢體劇場、默劇、偶戲、舞蹈、音樂等元素進行跨界結合。
     • 空間的拓展： 脫離傳統鏡框式舞台，走向環境劇場（site-specific performance）、公共空間表演、線上表演（digital performance）、沉浸式劇場（immersive theatre）。
     • 社會議題的關懷： 表演藝術作為一種社會介入的媒介，更多地關注社會議題、性別平權、環境保護、文化認同、身心障礙者權益等。
     • 參與式與體驗式藝術： 強調觀眾的參與和共同創造，而非被動觀看，例如參與式劇場、遊戲化表演。

本題要求考生從自身專長出發，深入闡述一種表演藝術的定義、歷史脈絡及美學特質。這不僅考驗考生對特定藝術形式的掌握程度，也檢視其分析與論述能力。

核心觀念： 選擇一種表演藝術（如京劇、現代舞、實驗劇場、音樂劇等），闡述其獨特性、歷史淵源、美學原則與價值。

解題思路（以「現代舞」為例）：

1. 定義現代舞：
   現代舞是一種反叛傳統古典芭蕾而興起的舞蹈形式。它不拘泥於固定的技巧、結構與美學規範，強調舞者內在情感、個人經驗的自由表達，以及對身體潛能的探索。其動作語彙豐富多樣，可以從日常動作、自然律動，甚至抽象概念中提煉，並能呈現更為複雜、個人化乃至社會性的主題。

2. 發展背景：

   • 起源（20世紀初）： 現代舞的萌芽可以追溯到20世紀初，與當時西方社會的現代主義思潮緊密相關。許多先驅者（如Isadora Duncan, Ruth St. Denis, Ted Shawn）對古典芭蕾僵化的形式感到不滿，尋求更自然、更具表現力的舞蹈語言。
   • 早期發展（美國與德國）： Isadora Duncan強調回歸古希臘的自然律動與情感表達；Ruth St. Denis和Ted Shawn則探索異國文化（如印度、埃及）的舞蹈元素，並創立了Denishawn學派，培養了Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman等後續重要編舞家。德國的表現主義舞蹈（Ausdruckstanz）也獨立發展，以Mary Wigman為代表，強調強烈的情感與內在衝突。
   • 現代舞的確立（Graham, Humphrey, Limón等）： 20世紀中期，Martha Graham發展出獨特的「收縮與釋放」(contraction and release)技巧，以及極具戲劇性的個人風格；Doris Humphrey強調「墜落與恢復」(fall and recovery)，探索重力與平衡；José Limón則以其流暢、充滿人文關懷的編舞著稱。這些舞者奠定了現代舞的基礎技巧與美學觀念。

此題旨在檢驗考生對當代跨域表演藝術的觀察力、分析能力，以及結合不同藝術領域觀點進行論述的能力。考生需選擇一個具體的、近期的作品，並從至少兩個不同藝術領域的視角切入，探討其創作手法與美學特色。

核心觀念： 當代跨域表演藝術的案例分析，結合多元藝術理論進行詮釋。

解題思路（以虛構作品「《賽博幽靈》」為例，假設其為近三年內創作）：

作品名稱： 《賽博幽靈》（Cyber Ghost）
創作年份： 2022年（假設）
作品類型： 跨域劇場／數位沉浸式表演

1. 作品概述：
   《賽博幽靈》是一部結合了戲劇、數位藝術、電子音樂與遊戲化體驗的跨域表演。故事講述一位生活在高度數位化社會的個體，在虛擬與現實的界線日益模糊中，尋找自我認同與真實連結的歷程。

2. 跨域觀點分析：

   • 觀點一：數位藝術與劇場（Digital Art & Theatre）

     • 創演方式：
       • 互動式投影與全息影像： 舞台空間被大型互動投影幕環繞，演員的動作能即時影響視覺內容。部分場景運用全息影像技術，創造出虛幻的人物或場景，模糊了真實演員與虛擬角色的界線。
       • 即時影像處理： 透過感測器捕捉演員的動作、表情，並由數位藝術家即時進行影像的生成、變形與疊加，形成與演員表演高度同步且極具視覺衝擊力的效果。
       • 虛擬實境(VR)／擴增實境(AR)元素： 部分場次或特定區域，觀眾可能透過VR眼鏡或手機AR應用，進入更深層次的虛擬空間，體驗角色內心的感受，或與虛擬物件互動。
     • 美學風格：
       • 視覺的超現實感與迷幻感： 數位影像的流動性、變幻性，以及對現實空間的解構，營造出夢境般的、賽博龐克式的視覺風格。
       • 虛實交織的感知體驗： 觀眾在觀看過程中，不斷在現實的舞台空間與虛擬的數位空間之間切換，挑戰了傳統劇場的觀看模式，強調一種「混合現實」(Mixed Reality)的美學。

   • 觀點二：遊戲設計與表演（Game Design & Performance）

     • 創演方式：
       • 遊戲化敘事結構： 劇本結構類似於一個「選擇困難」的遊戲，觀眾的選擇（例如透過手機投票、現場裝置互動）可能影響劇情走向、角色命運，甚至舞台視覺的呈現。
       • 互動式裝置與參與機制： 舞台邊緣或觀眾席設有互動裝置，觀眾可以觸發音效、燈光變化，或影響虛擬角色的行為，成為表演過程的一部分。
       • 「玩家」般的角色體驗： 演員的表演方式可能借鑒遊戲角色的行為邏輯，例如在某些情境下展現出類似「技能施放」或「狀態變化」的肢體與聲音表現。
     • 美學風格：