113 年 國立臺灣藝術大學音樂學系碩士班《西洋音樂史》

「Concerto grosso」是巴洛克時期（約 1600-1750 年）的一種器樂協奏曲形式，其特點是將一個小型獨奏器樂小組（concertino）與一個較大的合奏團（ripieno 或 tutti）並置。Concertino 通常由兩到三種樂器組成，最常見的是兩支小提琴和一支大提琴。Ripieno 則由管弦樂團組成，通常包括弦樂和數字低音。

這種形式的音樂具有強烈的對比性，獨奏小組的精緻樂句與合奏團的宏偉音響形成鮮明對比。協奏曲的結構通常為多樂章，常見的是三樂章，快-慢-快。其中，快板樂章通常包含獨奏小組與合奏團的交替呼應，慢板樂章則多為獨奏小組的抒情展現，終樂章則常以活潑的節奏和對位技巧作結。

Concerto grosso 的代表性作曲家包括：

• Arcangelo Corelli：被認為是 concerto grosso 的重要奠基者，其 Op. 6 的 12 首協奏曲是此體型的經典之作。

「Threnody to the victims of Hiroshima」（獻給廣島罹難者的哀歌）是由波蘭作曲家 Krzysztof Penderecki 於 1960 年創作的一首極具影響力的現代管弦樂作品。這首作品並非傳統意義上的「哀歌」，而是以其前衛的音響實驗和強烈的表現力，描繪了戰爭的恐怖與人類的苦難。

這首作品的主要特色包括：

• 音響音樂 (Sonoric Music)：Penderecki 在此作品中大量運用了非傳統的演奏技巧和音響效果，例如：
  • 音塊 (Tone clusters)：管弦樂團演奏密集的音程組合，產生巨大的、不協和的音響。
  • 噪音 (Noise)：使用弓背敲擊弦樂器、敲擊樂器的各種非音高元素，模擬爆炸、尖叫等恐怖音響。
  • 延音 (Sustain)：長時長的持續音，營造出壓抑、懸疑的氛圍。
  • 微分音 (Microtones)：雖然非以傳統方式呈現，但其音響效果模糊了傳統音高系統的界線。

「Sonata da chiesa」（教會奏鳴曲）是巴洛克時期（約 1600-1750 年）的一種器樂奏鳴曲形式，相較於「Sonata da camera」（室內奏鳴曲），它主要設計用於教堂禮拜儀式或作為宗教場合的音樂。

Sonata da chiesa 的主要特點包括：

• 結構：通常由四個樂章組成，其順序為：慢-快-慢-快。
  • 第一個樂章通常是莊重、緩慢且帶有對位法的風格，常以賦格形式寫成。
  • 第二個樂章是較為快速的樂章，常有對位或模仿的元素。
  • 第三個樂章是另一個慢板樂章，通常較為抒情。
  • 第四個樂章是快速的終樂章，常以舞曲風格（如 Gigue）或奏鳴曲式寫成。
• 樂器編制：最常見的是由一或兩支主奏樂器（通常是小提琴）與數字低音（由大提琴、低音提琴、鍵盤樂器如大鍵琴或管風琴演奏）組成。
• 風格：相較於 Sonata da camera，Sonata da chiesa 的風格更為嚴肅、莊重，音樂的處理也更傾向於對位技巧和嚴謹的結構。

Krzysztof Penderecki (1939-2020) 是 20 世紀下半葉至 21 世紀初最重要、最具影響力的波蘭作曲家之一，也是一位傑出的指揮家。他的音樂生涯跨越了多個風格時期，對現代音樂的發展做出了巨大貢獻。

Penderecki 的音樂風格演變大致可分為幾個階段：

1. 前衛實驗時期 (1950s-1960s)：

   • 在此階段，Penderecki 成為「音響音樂」(Sonoric Music) 的領軍人物。他放棄傳統的旋律、和聲和節奏，轉而探索各種前衛的音響效果，包括：
     • 音塊 (Tone clusters)：利用密集的、不協和的音程組合。
     • 噪音 (Noise)：將非音高的聲音元素納入音樂，如敲擊、刮擦、摩擦等。
     • 特殊的演奏技法：要求演奏員使用非常規的技巧，如弓背敲擊弦樂器、在指板上演奏等。
     • 微分音 (Microtones)。
   • 代表作品包括：
     • 《Threnody to the victims of Hiroshima》 (1960)：為 52 件弦樂器創作，以其震撼的音響效果聞名。
     • 《Polymorphia》 (1961)：進一步探索弦樂器音響的可能性。
     • 《Fluorescences》 (1962)：為管弦樂團創作，包含各種音響實驗。
     • 《Dimensions of Sound》 (1959)。

2. 回歸調性與敘事性時期 (1970s-1980s)：

   • 從 70 年代開始，Penderecki 的風格開始轉向更為傳統的調性結構和更具敘事性的音樂。他開始重新使用旋律、和聲和較為清晰的音樂形式，但仍保有強烈的表現力和戲劇性。

「A Survivor from Warsaw」（華沙倖存者）是奧地利作曲家 Arnold Schoenberg 於 1947 年創作的一部為男中音、男聲合唱和管弦樂團而作的康塔塔。這部作品是對納粹大屠殺暴行的強烈控訴，也是作曲家對猶太民族苦難的深刻反思。

作品的背景與內容：

• 創作背景：Schoenberg 在 1933 年因納粹迫害而被迫離開德國，移居美國。他親身經歷了納粹政權的崛起及其對猶太人的迫害。這部作品是他對納粹集中營恐怖經歷的回應，也融入了他對猶太人歷史的關懷。
• 歌詞：作品的歌詞主要由 Schoenberg 自己創作，以英語寫成，但其中穿插了希伯來語的祈禱詞「Shema Yisrael」（以色列，聽！）。歌詞描繪了一位集中營倖存者的經歷，從他被捕、目睹暴行、在集中營的非人待遇，到最後獲救並回憶起這段恐怖的歷史。
• 音樂特色：
  • 十二音列技巧 (Twelve-tone technique)：Schoenberg 運用了他發展的十二音列作曲法來創作這部作品。所有的音樂材料都來自一個預先設定的音列，這使得音樂聽起來具有高度的結構性和非傳統的音響。

「Pacific 231」是瑞士作曲家 Arthur Honegger 於 1923 年創作的一部為管弦樂團而作的交響音詩 (Symphonic Poem)。這部作品是「機械音樂」(Mouvement symphonique) 系列中的第一首，以其對現代工業社會和交通工具的描繪而聞名。

作品的靈感與內容：

• 靈感來源：Honegger 受到法國作曲家 Erik Satie 的影響，對現代機械和工業美學產生了濃厚的興趣。他希望將機械的運動、力量和節奏感融入音樂。
• 描寫對象：「Pacific 231」指的是一種法國的蒸汽火車頭型號。Honegger 在這部作品中試圖模仿火車啟動、加速、行駛、減速乃至停止的整個過程。
• 音樂特色：
  • 節奏與動力：「Pacific 231」最顯著的特點是其強烈的節奏感和不斷積累的音樂動力。作品從緩慢、沉重的節奏開始，逐漸加速，音響也越來越宏大，模擬火車啟動時的轟鳴和震動。
  • 音響描寫：Honegger 運用了豐富的管弦樂配器來描寫火車的各種聲音：

Trouvère（特魯瓦爾，複數 Trouvères）是中世紀（約 11 世紀至 14 世紀）法國北部，特別是奧克西塔尼亞（Occitania）地區的遊吟詩人（Troubadour）的北方對應者。他們是貴族出身的詩人兼音樂家，創作並演唱關於騎士精神、愛情（特別是「宮廷之愛」Courtly Love）、戰爭、政治以及日常生活的歌曲。

Trouvères 的主要特點：

• 地理與語言：他們主要活躍於法國北部，使用古法蘭克語（Old French）寫作，而南方的 Troubadours 則使用奧克西坦語（Occitan，又稱 Langue d'Oc）。
• 社會地位：Trouvères 通常來自貴族階層，他們創作音樂和詩歌是出於個人興趣、藝術追求或社會習俗，而非為了生計。這與許多更底層的音樂家不同。
• 創作內容：
  • 宮廷之愛 (Courtly Love)：這是 Trouvères 歌曲中最常見的主題之一。它描寫的是一種理想化、騎士化的愛情，通常是騎士對一位已婚貴婦的愛慕，這種愛慕是含蓄、忠誠且往往無法實現的，強調精神上的連結而非肉體上的占有。
  • 騎士精神：歌曲中常常讚頌騎士的美德，如勇氣、忠誠、榮譽、慷慨等。
  • 戰爭與十字軍：許多歌曲也涉及當時的戰爭，特別是十字軍東征的經歷和情感。
  • 政治諷刺與社會評論：部分 Trouvères 也會創作諷刺時事、政治或社會現象的歌曲。
  • 其他主題：包括對自然的描寫、宗教情感、道德教誨等。
• 音樂風格：

「Lincoln Portrait」（林肯肖像）是美國作曲家 Aaron Copland 於 1942 年創作的一部為旁白、管弦樂團而作的交響音詩。這部作品旨在紀念美國第 16 任總統亞伯拉罕·林肯，並歌頌他所代表的美國精神。

作品的背景與特色：

• 創作背景：Copland 在第二次世界大戰期間接到美國 CBS 電台的委託，創作一部作品以紀念林肯。這部作品也與當時美國面臨的戰爭挑戰聯繫起來，試圖喚起人們對林肯所代表的勇氣、正直和民主價值觀的記憶。
• 結構與內容：
  • 旁白：作品的核心是旁白，由一位男性或女性旁白者朗誦關於林肯生平、言論和思想的摘錄。Copland 精心挑選了林肯總統的經典語錄，這些語錄涵蓋了他對奴隸制的看法、對國家統一的信念以及對普通民眾的關懷。
  • 音樂：Copland 為旁白創作了充滿美國民族色彩的管弦樂配樂。音樂並非嚴格按照旁白進行，而是以獨立的音樂段落與旁白穿插進行，形成一種對話或互補的關係。
    • 美國民歌元素：Copland 在音樂中巧妙地融入了美國民歌的旋律，例如「Camptown Races」、「Long, Long Ago」等。

「Duke Bluebeard's Castle」（藍鬍子公爵的城堡）是匈牙利作曲家 Béla Bartók 於 1911 年創作的一部單幕歌劇。這部歌劇以其獨特的音樂語言、心理戲劇的深度和象徵意義而聞名，是 Bartók 最重要的聲樂作品之一。

作品的背景與內容：

• 劇本：劇本改編自 Maurice Maeterlinck 的同名象徵主義戲劇。故事講述了年輕的朱迪特 (Judith) 嫁給了神秘的藍鬍子公爵 (Duke Bluebeard)，並來到他陰森的城堡。
• 情節與象徵：
  • 心理劇：歌劇的核心是朱迪特與藍鬍子公爵之間充滿張力的心理對話。朱迪特渴望愛情和溫暖，試圖打開公爵的內心世界，而公爵則試圖隱藏他的過去和黑暗秘密。
  • 七扇門：城堡中有七扇緊鎖的門。隨著劇情的發展，朱迪特不斷懇求公爵打開這些門，而每扇門的後面都揭示了公爵過去的某個層面：血跡斑斑的刑訊室、充滿寶藏的寶庫、美麗的王國、陰森的庭院、廣闊的天空、以及最後一扇門——通往公爵前幾任妻子的陰影。
  • 象徵意義：這七扇門和門後的景象被廣泛解讀為公爵內心的不同面向，以及他過去的罪惡和痛苦。朱迪特打開這些門，既是尋求了解公爵，也是將自己的命運與公爵的黑暗過去聯繫起來。
• 音樂特色：

Alexander Nikolayevich Scriabin (1872-1915) 是一位俄羅斯作曲家和鋼琴家，他是後浪漫主義時期一位極具原創性和神秘色彩的音樂家。他的音樂以其複雜的和聲、獨特的音色追求和對哲學、神秘主義的探索而聞名。

Scriabin 的音樂風格演變大致可分為幾個階段：

1. 早期（受蕭邦影響）：

   • Scriabin 的早期作品，特別是鋼琴獨奏曲，深受弗雷德里克·蕭邦的影響。他繼承了蕭邦式的旋律優美、織體精緻和對鋼琴音色的敏感。
   • 這個時期的作品充滿了浪漫主義的情感，例如他的 Op. 8 的練習曲，尤其是 C 샵 단조 (C# minor) 的那首（常被稱為 Op. 8 No. 12），展現了他早期高超的鋼琴技巧和戲劇性的表達。
   • 其他早期作品還包括一些夜曲、前奏曲和奏鳴曲。

2. 中期（風格轉變與探索）：

   • 從 1900 年代初開始，Scriabin 的音樂開始展現出強烈的個人風格，並朝向更為複雜、創新的方向發展。
   • 和聲創新：他開始實驗更為複雜、不協和的和聲，並發展出他獨特的「神秘和弦」(Mystic Chord)。這個和弦（通常是 C-F#-Bb-E-A-D 或其轉位）成為他許多中期和晚期作品的基礎，為其音樂帶來一種獨特的、非傳統的色彩。
   • 色彩主義：Scriabin 對音樂的「色彩」極為敏感，他試圖將音樂與視覺（特別是顏色）聯繫起來。他甚至設想了一個「色輪」(Clavier à lumières)，希望在演奏音樂時能同時投射出對應的顏色。

本題旨在考察考生對浪漫時期與印象樂派法國作曲家代表人物及其音樂風格的掌握。

一、浪漫時期法國作曲家：Hector Berlioz (1797-1869)

• 音樂創作特色：

  1. 標題音樂的先驅與大師：Berlioz 是浪漫時期標題音樂 (Program Music) 的關鍵人物。他創作了多部具有明確故事情節或描寫對象的作品，如《幻想交響曲》(Symphonie fantastique, 1830)。
  2. 戲劇性與想像力：他的音樂充滿戲劇性的張力、強烈的個人情感表達和豐富的想像力。他擅長運用大規模的管弦樂編制來營造宏偉、奇幻的音響效果。
  3. 創新的管弦樂法：Berlioz 對管弦樂法有著卓越的貢獻。他擴展了樂器的使用範圍，例如大量運用豎琴、擊樂、人聲（在交響樂中），並對樂器音色進行了精妙的組合與對比。他的《論管弦樂法》(Grand traité d'instrumentation et d'orchestration, 1844) 是該領域的經典著作。
  4. 主導動機 (Idée fixe)：在《幻想交響曲》中，他運用了「主導動機」的概念，即一個特定的旋律片段貫穿全曲，象徵一個特定的情感或人物（在本例中是「他心愛的女人」）。這種手法對後來的作曲家（如華格納）產生了影響。
  5. 結合文學與戲劇：他的創作常受到文學作品（如歌德的《浮士德》、莎士比亞的戲劇）的啟發，並將戲劇性的結構融入器樂作品中。

• 貢獻：

  1. 推動標題音樂的發展：Berlioz 的標題音樂作品，特別是《幻想交響曲》，為後來的標題交響詩和標題交響曲樹立了典範。
  2. 革新管弦樂法：他的管弦樂法創新極大地拓展了管弦樂團的表現力，為後來的浪漫主義及後浪漫主義作曲家提供了豐富的工具。
  3. 開創音樂戲劇的可能性：他將戲劇的敘事性、情感深度與音樂的表現力完美結合，為音樂戲劇的發展開闢了新的道路。
  4. 影響後世作曲家：華格納、李斯特、柴可夫斯基等後來的作曲家都深受 Berlioz 的影響。

二、印象樂派法國作曲家：Claude Debussy (1862-1918)

• 音樂創作特色：
  1. 「印象主義」音樂的創始人：Debussy 被廣泛認為是印象樂派音樂的奠基者。他的音樂試圖捕捉瞬間的感覺、氛圍和視覺印象，而非傳統的情感敘事或結構發展。
  2. 音色與氛圍的重視：Debussy 極為重視音色 (Timbre) 的變化和運用。

本題旨在比較分析兩位義大利最重要的歌劇作曲家——威爾第 (Giuseppe Verdi) 和浦契尼 (Giacomo Puccini) 的歌劇特色，並要求舉例說明。

一、Giuseppe Verdi (1813-1901)

Verdi 是義大利歌劇從早期浪漫時期走向成熟的關鍵人物，被譽為「義大利歌劇之父」。他的歌劇創作生涯跨越近 60 年，作品風格不斷演進，但始終圍繞著強烈的情感、戲劇性的衝突和對人性的深刻洞察。

• 歌劇特色：

  1. 戲劇性與情感的強烈表達：Verdi 的歌劇以其扣人心弦的戲劇衝突和人物情感的極致張力而聞名。他擅長刻畫複雜的人性，尤其是愛情、死亡、忠誠、背叛、自由等主題。
  2. 「詠嘆調」與「宣敘調」的結合：他繼承並發展了傳統的詠嘆調 (Aria) 和宣敘調 (Recitative)，但更注重兩者之間的流暢銜接。他的詠嘆調旋律優美、情感豐富，能深刻揭示人物內心；宣敘調則推動劇情發展，更具戲劇性。
  3. 合唱的運用：Verdi 的歌劇中，合唱 (Chorus) 扮演著極為重要的角色，不僅是背景烘托，更常常是劇情發展的推動者，代表民眾的聲音、社會的輿論或集體的命運。
  4. 愛國主義與民族精神：在義大利統一運動 (Risorgimento) 期間，Verdi 的歌劇，特別是早期的作品，常常蘊含著強烈的愛國主義情感，成為鼓舞人心的象徵。
  5. 人物刻畫的深度：他的角色具有高度的心理真實性，即使是反派人物，也常常展現出複雜的人性層面。
  6. 音樂結構的發展：從早期的「詠嘆調-宣敘調」模式，到中後期作品中，Verdi 逐漸打破樂曲的固定結構，使音樂更緊密地服務於戲劇，例如「場景」(Scena) 的概念，將多種音樂形式（宣敘調、詠嘆調、二重唱、合唱）融為一體。

• 代表作品舉例：

  1. 《弄臣》 (Rigoletto, 1851)：描寫公爵的荒淫、弄臣的悲慘命運和父女情深。其中的詠嘆調「惡婦的臉孔」(La donna è mobile) 和四重唱「詛咒」(Si, vendetta) 極具戲劇性。
  2. 《茶花女》 (La Traviata, 1853)：描寫交際花薇奧莉塔與年輕貴族阿爾弗雷多的愛情悲劇。音樂情感細膩，深刻描繪了愛情、犧牲與社會壓力。
  3. 《阿依達》 (Aida, 1871)：一部宏大的埃及背景歌劇，展現了愛情與國家忠誠的衝突。音樂充滿異國情調，並有壯觀的合唱與場面。
  4. 《奧賽羅》 (Otello, 1887) 和 《法斯塔夫》 (Falstaff, 1893)：這是 Verdi 後期兩部極為重要的作品，標誌著他歌劇風格的成熟與昇華。尤其《法斯塔夫》展現了作曲家對喜劇的駕馭能力，結構更自由，音樂與戲劇的結合更為緊密。

二、Giacomo Puccini (1858-1924)

Puccini 被譽為「威爾第之後的義大利歌劇巨匠」，是「維羅主義」(Verismo) 歌劇的重要代表。他的歌劇以其動人的旋律、精湛的戲劇結構和對現代題材的關注而著稱。

• 歌劇特色：
  1. 動人且戲劇性的旋律：Puccini 的旋律極具感染力，容易記憶且情感飽滿，能夠直接觸動聽眾的心弦。他善於創作優美、抒情的詠嘆調，同時也能寫出充滿戲劇張力的段落。
  2. 「維羅主義」風格：他的許多作品取材於當時的社會現實，描寫普通人的生活，尤其是貧窮、愛情、死亡等主題，風格寫實，情感強烈。
  3. 戲劇結構的精巧安排：Puccini 對歌劇的戲劇結構有著極高的掌控力。他善於營造戲劇高潮，將音樂與劇情緊密結合，使每一個場景都充滿張力。

本題要求以一首 20 世紀作品說明表現主義音樂的風格與特色。表現主義音樂是 20 世紀初歐洲藝術領域一場重要的運動，旨在揭示內在的情感、潛意識和心理狀態，而非描寫外部現實。

表現主義音樂的風格與特色：

1. 強烈的情感表達與主觀性：音樂試圖直接表達作者強烈、扭曲、甚至病態的內在情感，如恐懼、焦慮、痛苦、狂喜等。強調個人主觀體驗。
2. 非傳統的調性與和聲：為了打破傳統音樂的束縛，表現主義作曲家常採用：
   • 無調性 (Atonality)：擺脫對任何特定調性的依賴，音與音之間的關係不再基於傳統的調性功能。
   • 高度不協和的和聲：使用極度尖銳、刺耳的音程組合，以營造緊張、不安的氛圍。
   • 複雜的對位與織體：音樂織體常是密集、複雜、甚至破碎的，以反映內在心理的混亂。
3. 扭曲的旋律與節奏：旋律線條可能變得斷裂、不規則、跳躍性強，缺乏傳統的平穩流動。節奏也可能是不規則、多變、充滿突然的停頓和加速。
4. 戲劇性的音響與極端對比：音樂常運用極端的音響對比，如極強與極弱、高音區與低音區的突然轉換，以營造戲劇性的張力。
5. 強調「原始」與「驅力」：音樂常帶有一種原始的、本能的衝動感，試圖觸及人類潛意識深處的衝動與慾望。

以 Arnold Schoenberg 的《月光下的彼得羅》(Pierrot Lunaire, Op. 21, 1912) 為例說明：

《月光下的彼得羅》是表現主義音樂的里程碑式作品，為女聲（Sprechstimme）、鋼琴、長笛（兼奏短笛）、單簧管（兼奏低音單簧管）、小提琴（兼奏中提琴）和鋼琴所作。

• 題材與文本：作品基於 Albert Giraud 的同名詩集，描寫了虛幻、陰鬱、充滿象徵意義的「彼得羅」月光下的旅程，充滿了對死亡、罪惡、宗教、情慾等主題的探討，題材本身就帶有強烈的象徵和心理色彩。
• Sprechstimme (唸唱法)：這是《月光下的彼得羅》中最具革命性的音樂手法之一。