109 年 國立臺南大學音樂學系碩士班《西洋音樂史》

Trecento Music 指的是 14 世紀（Trecento 為義大利文「三百」，意指 1300 年代）在義大利發展的音樂。這個時期是中世紀晚期向文藝復興過渡的階段，音樂上呈現出多元的面貌。

主要特徵包括：

1. 世俗音樂的興盛：與早期以教會音樂為主的趨勢不同，14 世紀義大利的世俗音樂蓬勃發展，尤其以「曲調」（Canzone）和「馬德里加爾」（Madrigal）等聲樂形式為代表。
2. Isorhythm 的影響：雖然 Isorhythm（等節奏）是法國音樂（Ars Nova）的重要特徵，但在義大利音樂中也有所體現，尤其是在一些較為複雜的複音作品中。

Greater Perfect System（大完備體系）是古希臘音樂理論中的一個重要概念，由音樂理論家 Ptolemy（約西元 100-170 年）在其著作《哈莫尼卡》（Harmonika）中提出並發展。這個體系旨在系統化地解釋古希臘音樂的音階、音程和調式。

其核心概念為：

1. 音程的劃分：古希臘音樂理論將音程分為「協和」（consonant）與「不協和」（dissonant）。協和音程被認為是構成音樂的基礎，其中最為協和的是「全音」（diapason，八度）、「五度」（diapente，五度）和「四度」（diatessaron，四度）。
2. 音階的結構：Greater Perfect System 主要基於一個四音音階（tetrachord），由兩個協和音程（通常是下方為四度，上方為全音）和一個較小的音程（半音或全音減半的音程）構成。
3. 兩個四音音階的組合：這個體系將兩個四音音階（tetrachord）上下疊加，中間由一個全音（whole tone）連接，形成一個更大、更穩定的音程結構。最上面和最下面的音之間距離為一個八度。

Mannheim School（曼海姆樂派）是指 18 世紀中葉，活躍於德國曼海姆（Mannheim）宮廷的一群作曲家和音樂家。他們對古典時期音樂的發展，特別是交響曲的風格和形式，有著極為重要的貢獻。

主要的貢獻與特徵包括：

1. 交響曲的發展：曼海姆樂派被認為是確立現代交響曲形式的重要推手。他們擴充了交響曲的樂章結構（通常為四個樂章），並在樂曲的發展、對比和戲劇性上進行了創新。
2. 精準的樂隊演奏：曼海姆樂團以其高水準的演奏技巧聞名，尤其在力度（dynamics）和音色（articulation）的運用上。他們發展了許多精密的演奏技巧，例如：
   • Crescendo (漸強)：他們是第一批系統性地在樂譜上標示並運用大規模漸強的樂團之一，這種「曼海姆滾奏」（Mannheim crescendo）或「曼海姆火箭」（Mannheim rocket，指快速上行的旋律線伴隨漸強）成為當時的標誌性手法。
   • Diminuendo (漸弱)：同樣精準地運用漸弱。
   • Appoggiatura (倚音)：精準的裝飾音。

Heterophony（異音奏法，或稱平行複音）是一種音樂織體（texture），其中兩個或多個聲部同時演奏同一旋律，但各自進行不同程度的變奏或裝飾。這種織體在西方音樂中相對少見，但在許多非西方音樂傳統（如東亞、非洲、中東等）中卻是常見的。

主要特徵：

1. 單一旋律線：所有聲部都圍繞著一個核心旋律進行。
2. 同時進行的變奏：不同聲部並非獨立發展旋律，而是對同一旋律進行同時的、即興式的變奏或裝飾。例如，一個聲部可能演奏旋律的基礎線，而另一個聲部則在該旋律上添加裝飾音、滑音或節奏上的變化。
3. 非嚴格的對位：與對位（counterpoint）不同，異音奏法並非基於預先寫好的、獨立的聲部線條，而是基於對同一旋律的共同理解和即時變奏。

Character Piece（性格小品，或稱特性曲）是 19 世紀浪漫時期興起的一種器樂體裁，通常為短小、單樂章的作品，旨在捕捉某種特定情緒、意境、場景、人物或抽象概念。

主要特徵：

1. 標題：這類作品通常有一個標題，直接或間接暗示了其所要表達的「性格」或「特質」，例如：
   • 鋼琴小品：Nocturne（夜曲）、Mazurka（瑪祖卡）、Étude（練習曲，但具有藝術性）、Prelude（前奏曲）、Impromptu（即興曲）、Ballade（敘事曲）、Caprice（隨想曲）、Fantasie（幻想曲）、Scherzo（詼諧曲）。
   • 其他器樂：Song without words（無言歌，通常指孟德爾頌的鋼琴小品）。
2. 短小精悍：相較於奏鳴曲或交響曲，性格小品篇幅較短，結構也較為自由，常採用三段體（ABA）或迴旋曲式（Rondo）等較簡單的形式。
3. 情感表達：重點在於通過音樂來刻畫一種特定的情感或氛圍，而非追求宏大的結構或複雜的對位。旋律、和聲與節奏的運用都服務於營造獨特的「性格」。

Air de cour（宮廷小詠，或稱宮廷之歌）是 16 世紀末至 17 世紀在法國流行的一種聲樂體裁。它通常是為獨唱（或少數幾個聲部）與魯特琴（lute）或其他撥弦樂器伴奏而寫，有時也包含詩意的獨白或對話。

主要特徵：

1. 體裁：是一種世俗歌曲，屬於「藝術歌曲」（art song）的早期形式。
2. 形式：通常為單樂章，結構較為自由，但常包含重複段落（如 AA'BA''）。
3. 伴奏：最典型的伴奏樂器是魯特琴，樂器部分常與聲樂旋律緊密結合，有時也包含簡單的和聲。
4. 旋律：旋律線條優美、流暢，富有歌唱性，強調清晰的歌詞發音和情感表達。
5. 歌詞：歌詞多為詩歌，內容多為愛情、田園風光或哲思，風格較為精緻、優雅。

Fine amour（法文：愛，或稱 fin' amor，意為「精緻的愛」、「純正的愛」）是中世紀（約 12 世紀至 13 世紀）南方法國（普羅旺斯地區）與北方法國（奧依爾語區）的宮廷騎士文學（courtly literature）中，所描繪的一種理想化的愛情觀念。它與當時的騎士文化緊密相連。

主要特徵：

1. 騎士與貴婦的關係：Fine amour 通常描繪的是一位騎士對一位已婚的、地位較高的貴婦產生的愛戀。這種愛是含蓄、克制且充滿敬意的。
2. 理想化與精神化：它強調愛情的精神層面，而非肉體層面。愛被視為一種能提升騎士品格、激勵其勇氣和榮譽的動力。

Exoticism（異國情調）在音樂上是指在作品中運用或模仿來自不同國家、地區或文化的音樂元素、音階、節奏、音色或主題，以營造出「異國」的氛圍或描繪異國風情。這種手法在 19 世紀的浪漫主義音樂中尤為盛行，但也存在於其他時期。

Exoticism 的表現方式多樣：

1. 模仿特定地區的音樂風格：例如，模仿西班牙的節奏與旋律（如比才《卡門》中的西班牙風情），或模仿東方（如阿拉伯、土耳其）的音樂特徵。
2. 運用異國音階或調式：如使用五聲音階（pentatonic scale，常與東亞音樂聯繫）、全音音階（whole-tone scale，常與法國印象派音樂聯繫，如德布西）、或者模仿某些民族的調式。
3. 使用特殊的樂器或音色：引入在歐洲傳統樂器中不常見的樂器（如曼陀鈴、吉他、豎琴、鋼片琴、打擊樂器），或要求樂器演奏出特殊的音色，以營造異域感。
4. 描繪異國場景或故事：作品的標題或情節直接指向異國，音樂的運用旨在烘托場景氛圍，如描繪東方市集、埃及沙漠、日本庭園等。

本題旨在比較中世紀音樂史上的兩個重要時期：「古藝術」（Ars Antiqua）與「新藝術」（Ars Nova），並從時代風格、曲種、作曲技法及代表作曲家等面向進行分析。

一、時代背景與風格演變

• 古藝術 (Ars Antiqua)：

  • 時期：約 12 世紀末至 13 世紀末。
  • 中心：以法國巴黎聖母院樂派（Notre Dame School）為核心。
  • 風格：音樂風格相對較為莊重、嚴謹。複音音樂（polyphony）開始發展，但節奏上仍受到較多限制，常使用奧爾加農（Organum）的技法，如二聲部或三聲部的奧爾加農。調性上以純四度、純五度、純八度協和音程為主。
  • 精神：體現了中世紀哥德藝術的精神，追求結構的清晰與神聖的崇高感。

• 新藝術 (Ars Nova)：

  • 時期：約 14 世紀。
  • 中心：主要在法國，但也影響到義大利。
  • 風格：音樂風格更加自由、複雜、精緻，並且更具世俗化傾向。節奏的運用是其最為革命性的突破。
  • 精神：象徵著中世紀晚期向文藝復興過渡的思潮，音樂上更強調個性、技巧與情感的細膩表達。

二、曲種的發展

• 古藝術 (Ars Antiqua)：

  • 主要曲種：
    • 奧爾加農 (Organum)：是此時期最重要的複音音樂形式，從簡單的平行奧爾加農發展到更複雜的對位奧爾加農，如經文歌（Motet）。
    • 經文歌 (Motet)：在古藝術時期，經文歌是重要的複音聲樂形式，通常基於一段葛利果聖歌（Gregorian Chant）的旋律，並在其上添加一個或多個獨立的聲部，這些聲部可以有不同的歌詞（拉丁文或法文），形成多聲部的對位。
    • 世俗音樂：尚處於發展初期，主要有遊吟詩人（Troubadour）和遊唱詩人（Trouvère）的單音歌曲。

• 新藝術 (Ars Nova)：

  • 主要曲種：
    • 經文歌 (Motet)：在新藝術時期，經文歌的發展達到了頂峰。其最顯著的特徵是Isorhythm（等節奏），即節奏模式（talea）和旋律模式（color）的獨立重複，使得經文歌結構更為複雜和精巧。
    • 世俗曲種的興盛：新藝術時期世俗音樂取得了長足發展，出現了許多新的或發展成熟的曲種，如：
      • 法語圓舞曲 (Rondeau)
      • 法語敘事曲 (Ballade)
      • 法語迴旋曲 (Virelai)
        這些曲種結構嚴謹，常有歌詞和音樂的緊密結合，並且開始出現三聲部或四聲部的世俗複音音樂。
    • 義大利新藝術 (Trecento music)：雖然與法國新藝術同屬 14 世紀，但義大利有其獨特的曲種，如 Madrigal（馬德里加爾）、Canzone（曲調）、Ballata（巴拉塔）等，這些曲種在旋律和節奏上更為自由和華麗。

三、作曲技法

• 古藝術 (Ars Antiqua)：
  • 節奏：節奏的組織主要依賴於節奏模式 (Rhythmic Modes)，這是一套固定、重複的六種節奏模式，通常與詩歌的音節結構相關。節奏相對僵化，缺乏靈活性。

約瑟夫·海頓（Joseph Haydn, 1732-1809）被譽為「交響曲之父」和「弦樂四重奏之父」，他在弦樂四重奏的發展歷程中扮演了關鍵角色，不僅確立了其經典形式，更將其提升到前所未有的藝術高度。

一、編制 (Instrumentation)

• 經典編制：海頓的弦樂四重奏固定採用了兩個小提琴 (Violin I, Violin II)、一個中提琴 (Viola) 和一個大提琴 (Cello) 的編制。
• 聲部平衡：不同於早期可能以第一小提琴為主導的協奏曲式風格，海頓的弦樂四重奏強調四個聲部的對等與對話。每個聲部都有其獨立的旋律線或重要的和聲功能，聲部間的互動與交換是其音樂織體的特色。這為後來的弦樂四重奏音樂樹立了典範。

二、結構 (Structure)

• 四樂章結構：海頓在其成熟的弦樂四重奏作品中，基本確立了四樂章的結構：
  1. 第一樂章：通常為快板（Allegro），採用奏鳴曲式（Sonata form）。這是樂曲的重點，展現主題的發展與對比。
  2. 第二樂章：通常為慢板（Adagio）或行板（Andante），風格抒情、優美，多採用三段體（ABA）、奏鳴曲式或變奏曲式（Variation form）。
  3. 第三樂章：通常為小步舞曲（Minuet）及其三聲中部（Trio），風格莊重或活潑。在海頓晚期作品中，有時會被更具戲劇性的詼諧曲（Scherzo）所取代。
  4. 第四樂章：通常為快板（Allegro）或急板（Presto），風格輕快、活潑，多採用奏鳴曲式、迴旋曲式（Rondo form）或迴旋奏鳴曲式（Sonata-rondo form），為整部作品畫上圓滿的句號。
• 樂章間的連貫性：雖然是獨立的樂章，但海頓也開始探索樂章之間的連結，例如在某些作品中，樂章之間有著情感或音樂元素的呼應。

三、曲式 (Musical Forms)

海頓在其弦樂四重奏中廣泛運用並創新了多種曲式：

• 奏鳴曲式 (Sonata Form)：尤其在第一樂章和第四樂章，他將奏鳴曲式發展得爐火純青。他對主題的發展、對比，以及呈現部（Exposition）、發展部（Development）、再現部（Recapitulation）的處理，展現了高度的技巧和創意。
• 變奏曲式 (Variation Form)：在第二樂章中，他常運用變奏曲式，通過對同一主題進行不同節奏、旋律、和聲、織體的變化，展現主題的豐富可能性。
• 三段體 (Ternary Form)：在慢樂章或小步舞曲樂章中常見。
• 迴旋曲式 (Rondo Form)：尤其在終樂章，用輕快的 A-B-A-C-A... 的結構來營造歡樂的氣氛。
• 奏鳴曲-迴旋曲式 (Sonata-Rondo Form)：結合了奏鳴曲式和迴旋曲式的特點，在終樂章中既有主題的重複，也有發展部的元素。

四、風格演變與代表作品

本題要求分析提供的樂譜片段，判斷其音樂的時期、風格及樂種。通過對譜例的觀察，我們可以分析以下幾個關鍵點：

一、樂譜細節分析

1. 記譜法 (Notation)：

   • 譜例採用現代的五線譜記譜法，標有聲部名稱（Soprano, Alto, Tenor 1, Tenor 2, Bass 1, Bass 2）。
   • 聲部數量為六個（SATBB），這在某些時期是常見的。
   • 音符的形態（全音符、二分音符、四分音符、附點音符、休止符）和節奏標示（如「son, Ky, rie, e, lei」的歌詞配合音符）都顯示出較為精確的節奏劃分。
   • 力度標示（ff, sub.f, sub.ppp）和表情術語（如「sub.」可能代表 sostenuto 或類似的持續演奏指示，雖然在 page 3 的譜例中出現了更明確的力度，但 page 2 的譜例則較少明確的表情術語，只看到節奏和旋律線條）。

2. 音樂織體 (Texture)：

   • Page 2 的譜例顯示出明顯的複音 (Polyphony) 或主音複音 (Homophonic Polyphony) 的特徵。雖然有六個聲部，但它們似乎圍繞著一個核心的旋律線（例如，Soprano 和 Alto 的「Kyrie eleison」部分），其他聲部進行和聲支持或模仿。
   • Page 3 的譜例則呈現出一種更為複雜的織體，有多個聲部（24 Violini, 10 Viole, 10 Violoncelli, 8 Contrabassi），並有明確的力度對比（ff 到 ppp）。這裡的聲部進行有時是平行的（如 VIII 的 1-6 小節），有時是模仿的。

3. 旋律與和聲 (Melody and Harmony)：

   • Page 2 的旋律線條相對簡單，有重複的音型（如「Kyrie eleison」的音高組合）。和聲進行雖然不明確，但聽起來是協和的，符合晚期古典或早期浪漫時期的風格。
   • Page 3 的譜例，尤其是在 24 Violini 的部分，有清晰的旋律線條，伴隨著其他聲部的伴奏或對位。力度的大幅度變化（ff 到 ppp）和快速的音型（如 24 Violini 在 page 3 的 1-6 小節）暗示了戲劇性的表達。

4. 樂器編制 (Instrumentation)：

   • Page 2 的譜例標示了聲樂聲部（Soprano, Alto, Tenor, Bass），暗示這是一部聲樂作品（如彌撒曲、清唱劇、受難曲等）。
   • Page 3 的譜例則標示了弦樂器編制（Violini, Viole, Violoncelli, Contrabassi），並且數量龐大（24 Violini, 10 Viole, etc.）。這種大規模的弦樂編制，特別是如此細分的弦樂器聲部，強烈指向後期浪漫主義或現代音樂。

5. 歌詞 (Lyrics)：

   • Page 2 的歌詞是「Kyrie eleison」（主啊，憐憫我們），這是天主教彌撒開頭的固定禱文。這強烈表明這是一部宗教音樂，特別是彌撒曲 (Mass)。

6. 力度與動態 (Dynamics)：

   • Page 3 的譜例中出現了極大的力度範圍，從 ff (fortissimo) 到 ppp (pianississimo)。這種極致的力度對比，以及快速變化的力度指示，是後期浪漫主義或現代音樂的特徵。

二、判斷音樂時期、風格與樂種

本題要求分析提供的樂譜片段，判斷其音樂的時期、風格及樂種。此譜例（見 page 3）展示了極其龐大的弦樂編制，並有細膩的力度指示。

一、樂譜細節分析

1. 樂器編制 (Instrumentation)：

   • 譜例列出了極其龐大的弦樂器編制：24 Violini (24把小提琴，可能分為多個聲部，如 1-6, 7-12, 13-18, 19-24)，10 Viole (10把中提琴，分為 1-5, 6-10)，10 Violoncelli (10部大提琴，分為 1-5, 6-10)，8 Contrabassi (8部低音大提琴，分為 1-4, 5-8)。
   • 這種極其細分且數量龐大的弦樂編制，遠超古典時期標準的樂隊規模。

2. 力度與動態 (Dynamics)：

   • 譜例中出現了極大的力度範圍：從 ff (fortissimo，極強) 到 sub. ppp (subito pianississimo，立即極弱)。
   • subito (立即) 的標示，意味著力度會突然發生劇烈變化，這是一種戲劇性的手法。
   • ppp (pianississimo) 是極弱的極致，顯示作曲家對音響細節有極高的要求。

3. 記譜法與結構 (Notation and Structure)：

   • 譜例中的時間標示（15", 11", 4", 6", 13"）表明這些段落的預計演奏時間，這在現代音樂或特定時期的作品中可能出現，用於規劃整體結構。
   • 聲部名稱（如 24 Violini, 10 Viole）和分組（如 1-6, 7-12）顯示了作曲家對樂器音色的精細控制和運用。
   • 旋律線條（如 24 Violini 的 1-6 小節）和節奏型態（如 8 Contrabassi 的 5-8 小節）都顯示出作曲家的意圖。

4. 音樂織體 (Texture)：

   • 譜例中的織體是極其豐富和複雜的，有多個聲部同時進行。
   • 在 ff 的段落，可能展現出宏大的、厚重的音響。
   • 在 sub. ppp 的段落，則可能呈現極為精細、微弱的音響。
   • 聲部之間的關係可能是對位的，也可能是和聲的，或是模仿的。

二、判斷音樂時期、風格與樂種

綜合以上分析，此譜例的特徵指向非常明確的音樂時期和風格：

1. 時期 (Period)：
   • 極度龐大的樂隊編制：這是後期浪漫主義晚期或 20 世紀初的標誌。古典時期樂隊規模遠小於此，巴洛克時期更不可能。