108 年 國立成功大學藝術研究所《藝術理論》

本題主要探討格式塔心理學（Gestalt psychology）的理論如何能應用於理解音樂的形式主義美學。格式塔心理學強調「整體大於部分之和」（the whole is greater than the sum of its parts），認為人類的知覺系統傾向於將分散的元素組織成有意義的整體。形式主義美學則主張藝術的價值在於其形式本身，而非其內容或情感的表達。

解題思路：

1. 解釋格式塔心理學的核心概念：說明其基本原則，如「接近律」（Proximity）、「相似律」（Similarity）、「封閉律」（Closure）、「連續律」（Continuity）、「共同命運律」（Common Fate）等，以及「 figura-ground」（圖形-背景）的知覺組織方式。
2. 解釋音樂形式主義美學的核心觀點：說明其主張藝術形式（如線條、色彩、音響、結構等）是藝術品最重要的構成要素，其意義和價值獨立於外部世界或情感。重點在於作品的內部組織、比例、對比、平衡等形式元素。
3. 建立兩者之間的連結：
   • 知覺組織與音樂結構：格式塔的知覺組織原則如何解釋聽者如何感知音樂中的旋律、和聲、節奏、織體等形式元素。例如，接近律可以解釋為什麼相鄰的音符容易被聽成一個旋律；相似律可以解釋為什麼重複的樂句或動機容易被辨識。
   • 整體性感知：格式塔強調的整體性感知，如何與形式主義對音樂整體結構的強調相呼應。聽者不是孤立地聽每一個音符，而是將其組織成一個連貫的音樂「整體」。
   • 形式的清晰與辨識：格式塔的封閉律、連續律等原則，如何幫助我們理解音樂中形式的清晰度、樂句的完整性以及音樂發展的流暢性。
   • 抽象性與形式主義的契合：格式塔的理論主要關注知覺如何組織形式，這與形式主義美學不關注內容、只關注形式本身的特質高度契合。音樂作為一種抽象的藝術形式，其結構和組織方式恰好能被格式塔的知覺原則所闡釋。

本題要求考生闡述藝術（美）的形式原理，並舉例說明。這是一個涵蓋面廣泛的問題，需要考生對藝術理論中的形式主義觀點有深入的理解，並能將抽象的原理應用於具體的藝術作品分析。

解題思路：

1. 定義「形式原理」：說明藝術形式原理是指構成藝術作品、使其具有美感和藝術性的基本元素和組織法則。這些原理與作品的內容、主題、情感表達相對獨立，側重於作品的結構、比例、線條、色彩、空間、節奏、對比、統一等視覺或聽覺上的組織方式。
2. 列舉主要的藝術形式原理：可以從不同藝術媒材的角度，列舉一些關鍵的形式原理：
   • 視覺藝術（繪畫、雕塑、建築）：
     • 線條 (Line)：輪廓線、筆觸線、結構線、動態線。
     • 色彩 (Color)：色相、明度、彩度、色彩調和與對比、色彩情感。
     • 形體/體積 (Form/Volume)：塊面、立體感、空間感。
     • 空間 (Space)：平面空間、立體空間、透視、景深、留白。
     • 構圖 (Composition)：平衡、對稱、不對稱、黃金分割、對角線構圖、三角形構圖、留白。
     • 紋理/質感 (Texture)：視覺紋理、觸覺紋理。
     • 比例 (Proportion)：人體比例、建築比例、黃金比例。
     • 動態與靜態 (Movement & Stasis)。
   • 音樂：
     • 旋律 (Melody)：音高、節奏、樂句。
     • 和聲 (Harmony)：音程、和弦、和弦進行。
     • 節奏 (Rhythm)：拍子、速度、節奏模式。
     • 織體 (Texture)：單音音樂、複音音樂、主調音樂。
     • 曲式 (Form)：奏鳴曲式、迴旋曲式、賦格。
     • 音色 (Timbre)：樂器或人聲的特質。
     • 力度 (Dynamics)：強弱變化。
   • 文學（詩歌、小說）：
     • 結構 (Structure)：章節、段落、敘事結構。
     • 節奏與韻律 (Rhythm & Meter)：詩歌的格律、散文的語氣。
     • 意象 (Imagery)：視覺、聽覺、嗅覺等感官意象的運用。
     • 象徵 (Symbolism)。
     • 語言的選擇與運用 (Diction)。
   • 戲劇/表演藝術：
     • 結構 (Structure)：情節、場次、幕。
     • 動作與肢體 (Movement & Gesture)。
     • 空間運用 (Spatial Arrangement)。
     • 時間性 (Temporality)。

本題要求考生闡述傳統戲曲的四個基本表演原理——「虛擬」、「象徵」、「寫意」、「程式」——並結合具體劇團的演出劇目進行論述。這需要考生對中國戲曲理論有扎實的掌握，並能將理論與實踐相結合。

解題思路：

1. 解釋四個基本原理：
   • 虛擬 (Virtualization/Imagination)：指戲曲表演中，演員在舞台上通過想像和暗示，將不存在的物件、場景或情境「虛化」為真實的表演。例如，沒有真實的馬，演員通過馬鞭、騎馬的動作來表現。這強調的是觀眾的「意會」和「想像力」。
   • 象徵 (Symbolism)：指利用特定的動作、道具、服飾、色彩或唱腔來代表某種意義、人物身份、情感狀態或情節發展。例如，演員的特定臉譜（如紅色代表忠勇，白色代表奸詐），或特定的舞蹈動作代表戰鬥。
   • 寫意 (Xieyi/Impressionistic Representation)：與西方繪畫的「工筆」相對，戲曲表演追求的是抓住事物的神韻和精神，而非對細節的精確描摹。演員通過簡練的動作、唱腔和表演，傳達出事物的本質或情感的精髓。例如，一個簡單的甩袖動作可能代表了人物的孤獨、悲傷或高傲。
   • 程式 (Chengshi/Pattern/Convention)：指戲曲表演中一套約定俗成、經過長期實踐形成並被觀眾普遍接受的表演規律、技巧和模式。包括身段、唱腔、念白、臉譜、服飾、走位等。程式是戲曲藝術性的重要體現，也是其傳承的載體。
2. 選擇具體的劇團與劇目：考生可以選擇一個知名的劇團（如京劇的梅蘭芳劇團、雲門舞集（雖然是舞蹈，但有戲曲元素）、當代實驗戲曲團等）以及其代表性的劇目。為了便於論述，選擇傳統劇目（如《霸王別姬》、《貴妃醉酒》、《鎖麟囊》）或對傳統有創新演繹的劇目會更貼合。
3. 結合劇目分析原理的運用：
   • 劇目：《霸王別姬》（京劇）
     • 虛擬：例如，項羽與虞姬在帳中對飲，舞台上並無酒具，但通過演員的動作和眼神，觀眾能感受到對飲的場景。虞姬舞劍，劍本身可能很簡單，但其舞姿的矯健與情感的投入，讓觀眾感受到「力拔山兮氣蓋世」的悲壯，以及虞姬的忠貞。
     • 象徵：虞姬的長袖舞，其飄逸的舞姿象徵了她的柔弱與無奈，也象徵了她對愛情的堅守。項羽的戰袍、大刀，都象徵了他的武將身份和霸氣。
     • 寫意：虞姬劍舞的「意」在於表現其悲憤、忠誠，而非炫技。

本題要求考生簡述「basso ostinato」的特徵。這是一個音樂術語，考生需要對西方音樂史中的一種重要織體或結構形式有所了解。

解題思路：

1. 定義 Basso Ostinato：首先解釋「basso ostinato」的字面意思，它源自意大利語，意為「固執的低音」。
2. 闡述核心特徵：
   • 重複的低音聲部：最關鍵的特徵是，音樂中存在一個在低音聲部不斷重複出現的、固定不變的旋律或和聲織體。這個重複的低音部分稱為「ostinato」。
   • 持續性：這個低音部分可以重複多次，從幾次到貫穿整首樂曲。
   • 上方聲部的變化：雖然低音聲部固定不變，但其上方的旋律聲部、和聲聲部或織體則可以不斷變化、發展。這使得音樂聽起來既有穩定感，又有豐富的變化。
   • 常見的音樂時期與形式：Basso ostinato 在巴洛克時期尤其盛行，常見於詠嘆調（aria）、帕薩卡利亞（Passacaglia）、恰空（Chaconne）等體裁中。
   • 情感與效果：重複的低音可以營造出一種持續、穩定、有時甚至帶有催眠感的效果，但也可能因為不斷的變化而產生緊張、激動或戲劇性的張力。
3. 舉例說明：
   • 巴洛克時期：
     • 帕薩卡利亞 (Passacaglia)：通常是三拍子，以固定的四小節或八小節低音旋律作為基礎，上方聲部進行變奏。例如，巴赫的《帕薩卡利亞與賦格》（BWV 582）是著名的例子，其開頭的帕薩卡利亞部分就是典型的basso ostinato。
     • 恰空 (Chaconne)：與帕薩卡利亞相似，但通常更自由，低音聲部不一定在最低音，有時可能是固定的和弦進行。例如，巴赫的《D小調無伴奏小提琴組曲》中的恰空，雖然低音聲部變化較多，但其骨幹和聲進行是固定的。
   • 後巴洛克時期及現代音樂：

本題要求考生簡述六個藝術理論和相關概念的名詞解釋。這需要考生對這些概念有清晰、精確的理解，並能用簡潔的語言表達出來。

解題思路：
對於每一個名詞，依循以下步驟：

1. 核心定義：用一句話或簡短的描述，抓住該名詞最核心的意義。
2. 關鍵特徵/概念：列出與該名詞相關的重要概念、學派、理論或歷史背景。
3. 藝術上的應用/關聯：說明該名詞在藝術領域的具體體現或重要性。
4. 簡潔性：確保解釋簡潔明瞭，避免冗餘。

1. 移情說 (empathy)

• 核心定義：一種心理學概念，指將自身的情感、意識投射到外部事物（包括藝術品、自然景觀、他人等）上，從而產生一種「感同身受」的體驗。
• 藝術上的關聯：在藝術批評和美學中，移情說常用來解釋觀眾如何與藝術作品建立情感聯繫，理解藝術家藉由作品所傳達的情感。例如，欣賞一幅描繪孤獨人物的畫作時，觀眾可能會將自己的孤獨感投射到畫中人物身上。

2. 後現代主義 (Postmodernism)

• 核心定義：一種在20世紀後期興起的文化、藝術、哲學思潮，是對現代主義（Modernism）的回應與批判。
• 關鍵特徵：懷疑宏大敘事（grand narratives）、強調多元性、差異性、解構（deconstruction）、拼貼（pastiche）、挪用（appropriation）、反諷（irony）、模糊精英與大眾藝術的界線。
• 藝術上的關聯：在藝術上，後現代主義藝術挑戰傳統的權威、形式和意義，常運用拼貼、挪用現成物、混合不同風格、強調觀者詮釋的開放性。例如，安迪·沃荷的作品。

3. 新媒體藝術 (New Media Art)

• 核心定義：指利用新興科技（如數位技術、電腦、網路、虛擬實境、生物科技等）創作的藝術形式。
• 關鍵特徵：強調互動性、參與性、即時性、可編程性、數據化、網絡化。
• 藝術上的關聯：包括數位繪畫、數位雕塑、電腦動畫、電子裝置藝術、網路藝術（net art）、互動裝置、遊戲藝術等。它拓展了藝術的媒材和表現方式。

4. 數位典藏 (digital archive)

• 核心定義：將實體文物、藝術品、文獻、聲音、影像等資料，透過數位化技術轉換成數位格式，並加以組織、儲存、管理、傳播的系統。
• 關鍵特徵：數位化、可檢索性、易於傳播、保存性。
• 藝術上的關聯：數位典藏使藝術品和文化遺產得以更廣泛地被研究、欣賞和保存，方便學術研究、教育推廣和公眾接觸。

本題要求考生比較中西表演藝術的劇種分類，並結合代表劇目闡述其內涵美學。這是一個跨文化比較的問題，需要考生對中西戲劇有廣泛的了解。

解題思路：

1. 介紹中國戲曲的劇種分類：

   • 主要分類方式：可以按照地區（如京劇、崑曲、越劇、豫劇、黃梅戲等）、歷史發展（如元雜劇、明清傳奇、地方戲曲）、表演風格（如文戲、武戲）等方式進行分類。
   • 舉例代表劇目與美學：
     • 京劇：中國戲曲的代表，融合了唱、念、做、打。
       • 代表劇目：《霸王別姬》、《貴妃醉酒》、《鎖麟囊》、《孫悟空三打白骨精》。
       • 內涵美學：強調「程式化」與「寫意」，追求「意境」的營造。通過高度提煉的動作、唱腔、臉譜來表現人物情感和戲劇衝突，例如《霸王別姬》中虞姬的舞劍，不僅是舞蹈，更是情感的抒發和命運的象徵。重視「虛實結合」，通過簡潔的道具和表演，引發觀眾的想像。
     • 崑曲：被譽為「百戲之祖」，以其細膩婉轉的唱腔和優雅的表演著稱。
       • 代表劇目：《牡丹亭》、《長生殿》、《桃花扇》。
       • 內涵美學：追求「抒情性」與「詩意化」，唱腔委婉動聽，表演細膩傳神。例如《牡丹亭》中的杜麗娘，其情感的細膩流露和對愛情的追求，通過崑曲特有的婉約表演形式得到完美體現，營造出一種淒美、夢幻的藝術氛圍。
     • 地方戲曲：如越劇（女性化、抒情）、豫劇（梆子腔、粗獷）、黃梅戲（民歌風格、清新）等，各有特色。

2. 介紹西方戲劇的劇種分類：

   • 主要分類方式：可以按照體裁（如悲劇、喜劇、正劇）、歷史時期（如古希臘戲劇、莎士比亞戲劇、現代戲劇）、表演風格（如寫實主義、表現主義、荒誕派戲劇）等方式分類。
   • 舉例代表劇目與美學：
     • 古希臘悲劇：如索福克勒斯的《俄狄浦斯王》。
       • 代表劇目：《俄狄浦斯王》、《美狄亞》、《安提戈涅》。
       • 內涵美學：強調「命運的必然性」、「英雄的掙扎」、「人神關係」的探討。通過嚴肅的語言、宏大的結構、對人物內心衝突的刻畫，引發觀眾的「憐憫」（pity）與「恐懼」（fear），最終達到「淨化」（catharsis）的效果。
     • 莎士比亞戲劇：如《哈姆雷特》、《羅密歐與朱麗葉》。
       • 代表劇目：《哈姆雷特》、《奧賽羅》、《馬克白》、《羅密歐與朱麗葉》。
       • 內涵美學：融合悲劇與喜劇元素，人物塑造複雜而深刻，語言充滿詩意和哲思。探討人性的善惡、權力、愛情、命運等主題，具有強烈的現實關懷和普遍性。例如，《哈姆雷特》對「生存還是毀滅」的思考，展現了人性的深度與困境。
     • 現代戲劇（如寫實主義、荒誕派）：
       • 代表劇目：易卜生的《玩偶之家》（寫實主義）、貝克特的《等待戈多》（荒誕派）。
       • 內涵美學：寫實主義關注社會現實、人性弱點，追求客觀再現；