114 年 國立成功大學戲劇碩士學士學程《戲劇理論》

本題旨在探討中西戲劇在表演美學上的差異與共通之處，並要求考生舉例說明。

核心觀念： 表演美學（Performance Aesthetics）是戲劇理論中的重要概念，涵蓋了演員的表演方式、與觀眾的關係、以及表演所追求的藝術效果。東西方戲劇在發展過程中，由於文化背景、哲學思想、宗教信仰等因素的影響，形成了各自獨特的表演美學體系。

解題思路：

1. 定義表演美學： 首先，可以簡要定義什麼是表演美學，它關乎表演的技巧、風格、情感表達、以及表演者與文本、空間、觀眾的互動關係。
2. 西方戲劇表演美學：
   • 強調寫實與再現 (Realism & Mimesis)： 傳統西方戲劇，特別是自古希臘以來，常追求對現實生活的模仿與再現。表演上強調情感的真實性、角色的心理深度、以及自然流暢的語言。
   • 個體主義與心理寫實： 聚焦於角色的內在世界、動機與衝突。演員需要深入理解角色的心理狀態，並透過細膩的表情、肢體和聲音來呈現。
   • 結構與邏輯： 表演常服務於劇本的結構與敘事邏輯，追求清晰的因果關係和戲劇衝突。
   • 舉例：
     • 古希臘悲劇： 如歐里庇得斯的《美狄亞》，演員透過激昂的獨白和對話，展現角色內心的巨大痛苦與掙扎，強調情感的爆發與宣洩。
     • 莎士比亞戲劇： 如《哈姆雷特》，哈姆雷特內心的猶豫、掙扎，透過其著名的「生存還是毀滅」獨白，展現了極致的心理寫實。
     • 現代寫實主義戲劇： 如易卜生的《玩偶之家》，娜拉的表演強調其從順從到覺醒的心理轉變，細膩而真實。
3. 中國戲劇表演美學：
   • 強調程式與象徵 (Form & Symbolism)： 中國傳統戲劇，特別是京劇等，更強調表演的程式化、符號化和高度的藝術加工。演員的每一個動作、眼神、唱腔都蘊含特定意義。
   • 綜合藝術與「身、腔、做、打」： 表演是集唱、念、做、打於一身的綜合藝術。演員需要經過嚴格的訓練，掌握各種程式化的技巧，將語言、音樂、舞蹈、武術融為一體。
   • 臉譜與象徵意義： 臉譜不僅是化妝，更是角色的性格、身份、命運的象徵。

本題要求考生闡述跨文化劇場理論，並探討其在台灣的實踐成效，需輔以實例說明。

核心觀念：

• 跨文化劇場 (Intercultural Theatre)： 指的是不同文化背景的劇場藝術形式、觀念、技巧或文本之間的交流、融合與對話。它挑戰了傳統上以西方為中心的劇場觀，強調文化的多元性與相互影響。
• 跨文化劇場理論： 主要探討不同文化在劇場實踐中的接觸、碰撞、轉化與創新。學者如李爾賓（Richard Schechner）的「行為學」（Performance Studies）、「表演性」（Performance）概念，以及羅伯特·威爾遜（Robert Wilson）等劇場工作者的實踐，都與此相關。理論關注的面向包括：文化符號的互譯、表演方法的借鑒、文本的再詮釋、以及觀眾的接受度等。
• 台灣的實踐： 台灣作為一個多元文化融合的社會，其劇場發展本身就具有跨文化的特質。從早期受中國傳統戲曲影響，到西方戲劇的引進，再到近年來與亞洲鄰近文化（如日本、韓國、東南亞）的交流，以及原住民劇場的興起，都體現了跨文化劇場的面向。

解題思路：

1. 定義跨文化劇場理論：
   • 說明其起源與發展，通常與後殖民思潮、全球化現象、以及對西方中心主義的批判有關。
   • 介紹其核心關懷：如何處理文化差異、避免文化挪用（cultural appropriation）與文化霸權（cultural hegemony），並尋求真正平等的文化對話與融合。
   • 提及重要理論家或概念，例如：
     • 李爾賓（Richard Schechner）： 他的「跨文化表演」（Intercultural Performance）概念，強調表演者應理解並尊重他者文化，避免將其符號或實踐「異國情調化」（exoticize）。他提倡「歷史性在地性」（historicality）與「在地性」（locality）的結合。
     • 卡特琳娜·馬塞爾（Kateryna Matsel）： 討論了在跨文化劇場中「真實性」（authenticity）的問題。
     • 文化翻譯 (Cultural Translation)： 探討在劇場中，如何將一種文化的元素轉化為另一種文化觀眾可以理解和接受的形式。
2. 台灣劇場的跨文化特質：
   • 歷史脈絡：
     • 原住民劇場： 台灣原住民各族群在自身文化基礎上，運用現代劇場技術和敘事方式，重新詮釋其神話、歷史與社會議題。例如，泰雅族、阿美族、卑南族等都有其代表性劇團與作品。
     • 閩南/客家戲曲的現代轉化： 傳統戲曲如何與現代劇場元素結合，例如「歌仔戲」的創新，或客家戲的現代詮釋。

本題要求考生將漢代的「百戲」與現今的「跨領域表演」進行比較，探討其在社會娛樂功能與文化傳承上的發展意義。

核心觀念：

• 漢代百戲： 指漢代時期流行的一種綜合性表演藝術，內容豐富，包含雜技、魔術、舞蹈、音樂、戲劇雛形等。它不僅是娛樂，也具有政治宣傳、祭祀、民俗活動等功能。
• 跨領域表演 (Interdisciplinary Performance)： 指融合了不同藝術門類（如戲劇、舞蹈、音樂、視覺藝術、新媒體、科技等）的表演形式。它追求藝術的創新、觀念的拓展，並常與社會議題、科技發展等結合。
• 社會娛樂功能： 表演藝術如何滿足大眾的娛樂需求，提供休閒、觀賞、情感的寄託。
• 文化傳承： 表演藝術如何承載、傳播、發展和創新民族或社群的文化價值、歷史記憶、倫理觀念。

解題思路：

1. 闡述漢代百戲的特點與意義：

   • 內容廣泛： 提及「角抵」（摔跤）、吞刀、吐火、弄丸、走索、幻術（魔術）、歌舞、戲劇雛形（如滑稽戲）等。
   • 表演場所： 多在宮廷、祭祀場所、市井、節慶活動中進行。
   • 社會娛樂功能：
     • 滿足統治階級的享樂需求（宮廷百戲）。
     • 豐富民眾的節日生活，提供集體娛樂（市井百戲）。
     • 具有一定的觀賞性和刺激性。
   • 文化傳承功能：
     • 承載了當時的民俗風情、宗教信仰（如祭祀活動中的表演）。
     • 部分表演形式可能與古代儀式、軍事訓練有關，具有歷史延續性。
     • 為後世戲劇的發展奠定了基礎，如「戲劇雛形」的出現。
     • 體現了當時社會的多元文化融合。
   • 發展意義： 百戲是中國早期綜合性表演藝術的代表，展現了娛樂與文化傳承結合的模式，是後世戲劇、雜技等藝術形式的源頭之一。

2. 闡述現今跨領域表演的特點與意義：

   • 融合性： 強調不同藝術門類（戲劇、舞蹈、音樂、視覺藝術、新媒體、科技、甚至科學）的界限被打破，相互滲透、創新。
   • 概念性與實驗性： 追求藝術觀念的突破，常帶有實驗性質，試圖探索新的藝術語言和表達方式。
   • 科技介入： 大量運用現代科技，如投影、互動裝置、虛擬實境（VR）、擴增實境（AR）等，拓展表演的時空和感官體驗。
   • 社會關懷： 許多跨領域表演作品關注當代社會議題，如環保、性別、政治、科技倫理等，具有批判性或反思性。
   • 表演場所的多樣化： 不僅限於傳統劇場，也可能在美術館、公共空間、戶外、網路等進行。
   • 社會娛樂功能：

本題要求考生闡述「波瓦民眾劇場」（Teatro Campesino，或稱農民劇場）與「臺灣小劇場運動」的發展歷程與藝術形式。

核心觀念：

• 波瓦民眾劇場 (El Teatro Campesino)： 由路易斯·瓦爾德斯（Luis Valdez）於1965年在美國加州創立，最初旨在支持加州農業工人的罷工運動。其核心理念是「政治劇場」，強調藝術與社會行動的結合，為被壓迫者發聲。
• 臺灣小劇場運動： 指1980年代以來，台灣劇場界對大型商業劇場模式的反思與挑戰，一群劇場工作者試圖在有限的資源下，進行更具實驗性、在地性、個人化或批判性的劇場創作。

解題思路：

1. 闡述波瓦民眾劇場（El Teatro Campesino）：

   • 創立背景： 1960年代美國民權運動、反越戰運動、拉丁裔權益運動的浪潮下，為響應塞薩爾·查維斯（César Chávez）領導的農業工人罷工而生。
   • 創始人與理念： 路易斯·瓦爾德斯（Luis Valdez）是核心人物，強調「藝術即行動」（art as action），劇場應服務於社會變革，為邊緣群體（特別是墨西哥裔美國人）爭取權益。
   • 發展歷程：
     • 早期（1960s）： 以「阿斯圖利亞斯」（Actos）為主要形式，即短小、諷刺、政治性強的即興劇，常在農田、工廠、街頭演出，以教育和動員工人。
     • 中期（1970s）： 逐漸發展出更長、更具史詩感的作品，融入墨西哥傳統戲劇元素（如「科拉奇那」（Corridos）、「傳奇劇」（Misterios）、「聖嬰劇」（Pastorelas）），探索拉丁裔美國人的歷史與文化認同。
     • 後期（1980s至今）： 擴展到電影、電視製作，並在學術界和主流劇場界獲得認可，但仍保持其社會關懷的根基。
   • 藝術形式與特點：
     • 政治性與社會行動： 表演本身就是一種社會行動，旨在啟蒙、激勵、團結觀眾。
     • 「阿斯圖利亞斯」（Actos）： 短劇，通常由農場工人參與共同創作，語言直接、幽默、諷刺，揭露壓迫，讚頌鬥爭。
     • 墨西哥文化元素： 運用墨西哥的音樂、舞蹈、服飾、神話、宗教符號，強調拉丁裔的文化根源與認同。
     • 集體創作： 強調團體合作，演員與觀眾的互動。
     • 非寫實風格： 運用面具、象徵性道具、誇張的表演等。
   • 影響： 深刻影響了美國的族裔劇場、政治劇場和社會行動藝術。

2. 闡述臺灣小劇場運動：

   • 創立背景： 1980年代，台灣社會從威權走向民主，文化藝術領域也開始鬆綁。相對大型、國家級的劇團，一批年輕劇場工作者希望進行更自由、更個人化、更貼近現實的創作。
   • 核心理念：
     • 反思與實驗： 對傳統劇場形式、演出模式、劇本結構進行反思和實驗。
     • 在地性： 關注台灣本土的經驗、歷史、文化、社會議題。
     • 個人化與藝術自主： 強調創作者的個人視角和藝術的獨立性，不迎合市場或政治。
     • 小型化與靈活化： 以小型劇場、實驗劇場、非典型空間為主要演出場所，方便創作和與觀眾的互動。
   • 發展歷程：
     • 萌芽期（1980年代初）： 以「蘭陵劇坊」、「零壹劇團」、「臨界邊緣劇團」等為代表，進行初步的實驗和探索。
     • 活躍期（1980年代中後期至1990年代）： 「屏風表演班」、「可米劇場」、「人間副刊劇場」、「優劇場」等湧現，創作能量旺盛，風格多元，並開始有較多跨界合作。

本題要求考生解釋「場面調度」（mise en scène）與「表演調度」（mise en perf）的概念，比較兩者差異，並以實際觀賞經驗分析。

核心觀念：

• 場面調度 (Mise en scène)： 法語詞彙，原意為「將場上之物放入」，在電影和戲劇中，泛指舞台上或銀幕上所有視覺元素的安排與配置，包括：場景佈置、道具、燈光、服裝、演員的站位、移動路線、構圖等。它影響觀眾的視覺感知、空間理解、氛圍營造和意義解讀。
• 表演調度 (Mise en perf)： 這是相對較新的概念，相較於「場面調度」的靜態視覺安排，它更側重於「表演」本身在時間和空間中的組織與安排。它包含演員的身體運動、聲音運用、情感表達、與其他演員的互動、與空間的關係、以及表演節奏等。它關注的是「表演」如何被組織、被呈現、被「調度」出來，以達成某種藝術效果。
• 「表演」 (Performance)： 在此語境下，"perf" 是 "performance" 的縮寫，強調的是「演出」的動態過程。

解題思路：

1. 解釋「場面調度」(Mise en scène)：

   • 字面意義： 「將物置於舞台上」，指舞台上所有可見、可觸摸的視覺元素的總和及其安排。
   • 包含要素：
     • 空間與佈景 (Setting & Scenery)： 舞台的設計，牆壁、門窗、家具、裝飾品等。
     • 燈光 (Lighting)： 光線的強度、顏色、投射方向、明暗變化，營造氣氛、聚焦、暗示。
     • 服裝 (Costume)： 演員的服飾，反映時代、階級、性格、情感。
     • 道具 (Props)： 演員使用的物品，或舞台上的裝飾物。
     • 演員的站位與構圖 (Blocking & Composition)： 演員在舞台上的位置、隊形、與場景的關係，形成視覺畫面。
     • 色彩運用： 整個舞台畫面的色彩搭配。
   • 功能： 營造氛圍、定義空間、暗示情境、塑造角色、引導觀眾注意力、傳達隱喻。

2. 解釋「表演調度」(Mise en perf)：

   • 字面意義： 「將表演安排妥當」，指在時間和空間中，對演員的「表演行為」進行組織、設計和呈現。
   • 包含要素：
     • 演員的身體運動 (Movement)： 演員的走位、手勢、表情、姿態，以及它們的時機和節奏。
     • 聲音運用 (Vocal Delivery)： 演員的語音、語調、音量、節奏、情感色彩。
     • 情感表達 (Emotional Expression)： 演員如何內化並外化角色的情感。
     • 與其他演員的互動 (Interaction)： 對話、眼神交流、肢體接觸、空間關係的動態變化。
     • 表演節奏 (Rhythm of Performance)： 表演的快慢、張弛、停頓。
     • 表演的「調度」： 導演或演員如何設計和安排這些表演元素，使其產生預期的效果。
   • 功能： 塑造角色性格、推動情節發展、傳達情感、建立人物關係、創造戲劇張力、引導觀眾的共情或思考。

3. 比較兩者差異：

   • 關注點：
     • Mise en scène：側重於「視覺空間」的靜態安排，即「看得到」的元素。
     • Mise en perf：側重於「表演行為」的動態組織，即「演得如何」的過程。
   • 時間性：
     • Mise en scène：相對靜態，是構成舞台畫面的基礎。
     • Mise en perf：高度動態，是表演在時間軸上的展開。
   • 主體：
     • Mise en scène：更多是導演、舞監、燈光師、服裝師等技術與設計人員的共同工作。
     • Mise en perf：主要由演員（在導演指導下）來執行，但也包含導演對演員表演的整體規劃。
   • 關聯性：
     • 兩者是相互依存、相互影響的。優秀的 mise en scène 可以襯托 mise en perf，而精彩的 mise en perf 則能賦予 mise en scène 生命。

本題要求考生定義「沈浸式劇場」，闡述其特質，並舉例說明。

核心觀念：

• 沈浸式劇場 (Immersive Theatre)： 一種打破傳統劇場界線，讓觀眾不再只是被動的觀賞者，而是能夠進入表演空間，與演員、劇情產生互動，甚至影響劇情的發展。它強調觀眾的參與感和體驗感，模糊了表演者與觀眾、戲劇與現實的界線。
• 特質： 多重感官體驗、空間的流動性與非線性、觀眾的參與與選擇、模糊的界線（表演者/觀眾、戲劇/現實）、強調體驗與情感連結。

解題思路：

1. 定義沈浸式劇場：

   • 指出其核心是「打破傳統觀賞模式」，讓觀眾成為「參與者」或「體驗者」。
   • 強調「沈浸」感，即讓觀眾彷彿置身於劇情之中，感受角色的情感、經歷事件。
   • 區別於傳統的「觀看」模式，更側重於「參與」和「體驗」。

2. 闡述沈浸式劇場的特質：

   • 打破第四面牆 (Breaking the Fourth Wall)： 演員可能直接與觀眾對話、互動，觀眾不再是隱形的。
   • 空間的非傳統運用： 表演空間不再局限於單一的舞台，而是可能延伸到整個建築、戶外場景，甚至觀眾的個人空間。觀眾需要跟隨演員移動，或在不同場景間穿梭。
   • 多重感官體驗： 不僅限於視覺和聽覺，還可能結合嗅覺（氣味）、觸覺（觸碰道具、與演員互動）、味覺（品嚐食物）等，全方位調動觀眾的感官。
   • 觀眾的選擇與參與： 觀眾可以自由選擇跟隨哪個角色、探索哪個區域、或參與到特定的互動中，從而產生獨特的觀看經驗。劇情可能因此產生分支或不同結局。
   • 模糊的界線：
     • 觀眾與演員： 觀眾可能被賦予角色，或與演員扮演的角色產生真實的互動。
     • 戲劇與現實： 場景設計可能極度逼真，或將現實場域轉化為戲劇空間，讓觀眾難以區分虛實。
   • 強調體驗與情感連結： 目標是讓觀眾獲得深刻的情感體驗和個人化的記憶，而不僅僅是理解劇本的內容。

3. 舉例說明代表性作品：

   • Sleep No More (Punchdrunk, 紐約/倫敦)：
     • 定義： 這是沈浸式劇場的經典範例。改編自莎士比亞的《馬克白》，但故事線索分散，觀眾戴著面具，在五層樓的廢棄旅館空間中自由探索。
     • 特質展現：
       • 空間： 龐大的、佈滿細節的廢棄旅館，每個房間都有故事。
       • 觀眾參與： 觀眾可以自由行走、窺探、觸碰道具，甚至被演員拉入小段的互動。
       • 多重感官： 昏暗的燈光、陰森的氣氛、偶爾出現的音樂、甚至空氣中的塵埃和氣味，都營造了強烈的沈浸感。
       • 模糊界線： 觀眾的「窺探」行為本身就成為表演的一部分，與演員的表演交織。