113 年 國立成功大學戲劇碩士學士學程《戲劇理論》

本題主要在探討「跨文化戲劇」的三種主要類型：Intercultural Theatre、Transcultural Theatre、以及 Cross-cultural Theatre，並要求說明其異同與舉例。這三者雖然都涉及不同文化之間的互動，但在程度、目的、以及實踐方式上存在差異。

核心觀念：
跨文化戲劇（Intercultural Theatre）的理論與實踐，主要由兩位學者奠定基礎：

1. Richard Schechner：他被視為跨文化戲劇研究的先驅，其著作《Performance Studies: An Introduction》對此有深入的探討。
2. Marvin Carlson：他的《Theories of the Theatre》也觸及了跨文化戲劇的議題。

三者之異同與闡述：

1. Intercultural Theatre (跨文化戲劇)

   • 定義與核心： 指的是不同文化背景的表演者、創作者或劇團，在共同創作過程中，將各自的文化元素（表演形式、戲劇傳統、美學觀念等）帶入，並在互動與協商中產生新的戲劇形式。重點在於「互動」與「協商」，強調的是「相遇」（encounter）的過程，而非單一方對另一方的吸收或模仿。它可能涉及不同文化傳統的並置、融合，甚至是衝突。
   • 目的： 旨在打破文化隔閡，促進不同文化之間的理解與對話，創造出具有普遍性或跨越文化界線的藝術作品。
   • 異同：
     • 異於 Transcultural： Intercultural 更強調「平等」的互動與對話，創作者之間是協商的關係。Transcultural 則可能帶有某種程度的「轉化」或「吸收」，一方文化可能對另一方有較大的影響力。
     • 異於 Cross-cultural： Cross-cultural 較為廣泛，可能僅指不同文化元素在同一作品中的「並置」（juxtaposition），或是一方對另一方的「研究」與「挪用」（appropriation），不一定有深入的互動與協商。Intercultural 則更深入地探討文化之間的「交流」與「共創」。
   • 舉例劇作：
     • Peter Brook 的《Mahabharata》（摩訶婆羅多，1985）： 這是一部極具代表性的 Intercultural Theatre 作品。Peter Brook 團隊，包含來自歐洲、非洲、亞洲等地的演員，共同將印度的史詩《摩訶婆羅多》重新詮釋。劇中融合了西方戲劇的結構與敘事方式，以及來自印度傳統戲劇（如 Kathakali）的表演技巧、音樂、服裝等元素。這不是簡單的挪用，而是不同文化背景的藝術家在共同創作過程中，透過長時間的研習、討論與協商，共同建構出來的新作品。

2. Transcultural Theatre (跨文化戲劇 - 轉化型)

   • 定義與核心： 指的是一種文化試圖「轉化」（transform）另一種文化的戲劇傳統或元素，並將其融入自身體系。這裡的「轉化」可能意味著對異質文化的學習、吸收、甚至是一種「再創作」，但可能帶有原文化較強的主導性。它可能是一種對異質文化的「挪用」與「再詮釋」，但其目的可能是為了服務於原創者的文化脈絡或美學追求。
   • 目的： 可能是為了擴展自身戲劇的表現力，或是為了將異質文化經驗轉化為可被自身文化理解的形式。
   • 異同：
     • 異於 Intercultural： Transcultural 的「轉化」過程可能不如 Intercultural 那樣強調平等對話與共同協商。可能存在較明顯的「主導」與「被主導」的關係，儘管它仍然是一種跨越文化界線的創作。

本題要求探討亞里斯多德（Aristotle）在《詩學》（Poetics）中提出的關於情節（mythos）的劃分，即 Simple（ἁπλοῦς, haplous）與 Complex（πεπλεγμένοις, peplēgmenois）兩種情節類型，並說明中文翻譯的多樣性，最後選擇其中一種翻譯進行闡述。

核心觀念：
亞里斯多德在《詩學》中，將情節視為戲劇的「靈魂」（soul），是其首要的、最重要的組成部分。他根據情節的結構和發展方式，將其分為 Simple 和 Complex 兩種。

• Simple Plot (ἁπλοῦς): 這種情節的發展是「線性的」、「連續的」，沒有「轉折」（peripeteia）或「發現」（anagnorisis）。事件的發生是按照邏輯或時間的順序自然發展，缺乏戲劇性的戲劇衝突或意外。
• Complex Plot (πεπλεγμένοις): 這種情節則包含「轉折」（peripeteia，意指情節的突然逆轉，由好轉壞或由壞轉好）和/或「發現」（anagnorisis，意指角色從無知到有知的過程，通常與轉折緊密相關）。Complex Plot 由於其戲劇性的結構，更能引起觀眾的情感共鳴（如恐懼與憐憫）和淨化（catharsis）。

中文翻譯的多樣性及其意涵：

1. 「簡單情節」與「複雜情節」：

   • 這是最常見、也最直接的翻譯。
   • 簡單情節：指情節結構較為單純，事件發展直接，缺乏戲劇性的轉折與發現。
   • 複雜情節：指情節結構較為曲折，包含轉折與發現，事件發展具有戲劇張力，更能引發觀眾的情感。
   • 闡述： 這種翻譯最能直接對應亞里斯多德原文的字面意思。亞里斯多德認為 Complex Plot 優於 Simple Plot，正是因為其結構上的「複雜性」——即包含 peripeteia 和 anagnorisis，使得戲劇更能產生預期之外的效果，從而激發觀眾的強烈情感。

2. 「開放式情節」與「閉鎖式情節」：

   • 這種翻譯強調的是情節的「開放性」或「封閉性」。
   • 開放式情節：可能指情節的發展具有較大的彈性，或是結局不確定，留給觀眾想像空間。
   • 閉鎖式情節：可能指情節發展嚴謹，前後呼應，結局明確，所有線索都有交代。
   • 闡述： 這種翻譯與亞里斯多德的原意有一定距離，因為亞里斯多德的 Simple 和 Complex 主要關乎「結構上的轉折與發現」，而非「結局的開放或封閉」。然而，我們可以嘗試將其連結：Complex Plot 因為有轉折與發現，結構更緊密，所有線索最終匯聚，有種「收束」感，或許可以被視為某種程度上的「閉鎖式」。反之，Simple Plot 缺乏這些戲劇性的關鍵點，發展較為平直，也許在某些詮釋下，能與「開放式」的情節產生聯想，但這並非亞里斯多德的原意。

3. 「單一型情節」與「自身交織型情節」：

   • 這種翻譯更側重於情節的「構成方式」。
   • 單一型情節：指情節圍繞單一事件或單一主角的經歷展開，結構較為單純。
   • 自身交織型情節：指情節包含多條線索，這些線索之間相互關聯、相互影響，形成一個複雜的網絡。
   • 闡述： 這種翻譯與亞里斯多德的 Complex Plot 較為接近。Complex Plot 的「轉折」與「發現」往往是多條線索或多個事件相互作用的結果，例如一個角色的發現可能導致另一條線索的突然轉變。而 Simple Plot 則可能更傾向於圍繞單一事件或單一軸線發展，缺乏這種「自身交織」的戲劇張力。

本題旨在探討中國戲曲表演藝術的四個關鍵美學特徵：虛擬（虛構）、象徵（象徵性）、寫意（寫意性）和程式性。這四者共同構成了戲曲獨特的藝術風格與表現手法。

核心觀念：
中國戲曲作為一種高度風格化的表演藝術，其美學特徵與西方寫實戲劇有顯著差異。它不追求對現實的完全模仿，而是通過一種高度提煉、概括和象徵化的方式來呈現戲劇內容。

四個關鍵美學特徵的闡述與舉例：

1. 虛擬（虛構，或稱虛實相生）：

   • 定義： 指的是戲曲表演不追求對現實生活場景、道具、甚至時間空間的完全模擬，而是通過演員的表演、道具的簡化以及舞台空間的調度，來「虛擬」出一個假定的情境。它強調「虛中有實，實中有虛」，即運用有限的真實（如演員的肢體、簡化的道具）來「虛構」出無限的意境。
   • 闡述： 演員的「上下馬」動作，只用一根馬鞭，就可以表現出騎馬的過程，這就是虛擬。舞台上無需佈置真實的房屋，演員通過特定的身段和走位，就可以暗示其所在的位置（如「走台」表現長途跋涉）。這種虛擬性，極大地解放了表演的時空限制，也更加考驗演員的表演功力。
   • 舉例：
     • 「馬鞭」的運用： 演員手持馬鞭，通過不同的步伐、擺動幅度，可以表現出快馬、慢馬、停馬、下馬等各種狀態。
     • 「趟馬」： 演員只用簡單的步伐和身段，就能表現出騎馬的動作。
     • 「開門」： 演員在舞台上做出開門、關門的動作，即使舞台上並沒有門。

2. 象徵（象徵性）：

   • 定義： 指的是戲曲表演中，將具體的物象、動作或顏色，賦予超越其本身意義的象徵含義。這是一種高度凝練的藝術手法，用一個符號代表一類事物或一種狀態。
   • 闡述： 戲曲中的各種顏色、服飾、道具、臉譜等，都帶有特定的象徵意義。例如，白色代表奸臣，紅色代表忠臣或勇猛，黑色代表剛烈或粗獷。演員的特定動作組合，也可能代表某種情境或人物狀態。
   • 舉例：
     • 臉譜（Face Painting）： 臉譜是戲曲中最典型的象徵。例如，關羽的紅臉代表忠義，曹操的白臉代表奸詐，包拯的黑臉代表公正。
     • 服飾： 蟒袍（龍袍）象徵帝王或高官；靠旗（肩上插的四面旗子）象徵武將的身份和戰鬥狀態。
     • 道具： 馬鞭象徵騎馬；船槳象徵行船；帽子象徵身份（如烏紗帽代表官員）。

3. 寫意（寫意性）：

   • 定義： 指的是戲曲表演不追求對事物外形的精確描摹，而是注重捕捉事物的神韻、氣質和內在精神，通過高度概括和提煉，來傳達「意」的境界。它強調「意在筆先，形隨意轉」，注重情感的表達和意境的營造。

本題要求解釋六個劇場名詞，涵蓋了不同時期、不同理論流派的劇場概念，需要對每個名詞的定義、特徵、代表人物或流派進行簡潔準確的闡述。

核心觀念：
劇場史的發展伴隨著各種理論與實踐的革新，這些名詞代表了劇場藝術在形式、內容、功能、美學追求上的不同探索。

名詞解釋：

1. 文學劇場（Literary Theatre）：

   • 定義： 指以劇本（文學作品）為核心，強調劇本的文學價值、思想深度和語言藝術的劇場模式。在這種模式下，演員的表演、導演的詮釋，都以忠實呈現劇本的意圖為首要目標。
   • 特徵： 劇本至上，強調對話與敘事，演員的詮釋服從於劇本。
   • 代表： 傳統的學院派戲劇、許多經典戲劇的演出（如莎士比亞戲劇的傳統詮釋）。

2. 演員劇場（Actor's Theatre）：

   • 定義： 指將「演員」的表演能力、個人魅力、以及其對角色的創造力置於劇場創作的中心。這種劇場模式強調演員的身體、聲音、想像力等潛能的發揮，有時甚至超越劇本的限制。
   • 特徵： 演員的表演是核心，劇本可能較為簡化或作為演員發揮的基礎，強調演員的即興、身體訓練和個人風格。
   • 代表： 許多實驗劇場、肢體劇場（Physical Theatre），以及強調演員即興創作的表演形式。例如，一些強調演員個人創作的獨角戲。

3. 導演劇場（Director's Theatre）：

   • 定義： 指「導演」在劇場創作中居於主導地位，通過其獨特的藝術構思、舞台呈現方式、以及對演員表演的調度，來塑造整個演出的風格與意義。導演成為作品的「作者」。
   • 特徵： 導演的個人風格強烈，對劇本進行再詮釋，強調舞台視覺、空間運用、整體調度。
   • 代表： 斯坦尼斯拉夫斯基體系（儘管他強調真實，但其系統對導演的控制力有影響）、梅耶荷德（Meyerhold）、布萊希特（Brecht，其史詩劇場也強調導演的控制）、彼得·布魯克（Peter Brook）等。現代許多大型製作的戲劇都屬於導演劇場。

4. 環境劇場（Environmental Theatre）：

   • 定義： 指打破傳統舞台與觀眾席的界限，將表演空間融入觀眾所在環境，或將觀眾帶入表演空間，使表演與環境融為一體，創造一種沉浸式的觀演體驗。