113 年 國立成功大學戲劇碩士學士學程《戲劇史》

本題旨在探討台灣豫劇團的發展歷程，需要考生對豫劇在台灣的歷史脈絡、重要團體、發展階段及特色有深入的理解。

解題思路：

1. 豫劇的起源與來台： 簡述豫劇的發源地（河南）及其藝術特色，以及隨著國民政府遷台而來的豫劇班團。
2. 早期發展階段 (1949-1970s)：
   • 介紹早期來台的豫劇團體，例如「中國豫劇團」的成立與活動。
   • 說明當時豫劇在台灣的生存狀況，可能面臨的挑戰（如觀眾群、文化適應）。
   • 提及重要人物或劇目，以及對傳統豫劇的傳承。
3. 改革與轉型階段 (1970s-1990s)：
   • 探討「台灣豫劇團」（原名「中國豫劇團」）的改組與轉型，尤其是在1970年代，面臨傳統戲曲的危機時，如何尋求新的發展方向。
   • 介紹在藝術總監（如王海玲等）的領導下，在劇目開創、表演形式、音樂改良、舞台技術等方面的革新。
   • 提及此階段的重要劇目，例如《觀世音》、《趙氏孤兒》等，這些劇目如何結合傳統與現代，吸引新觀眾。
   • 說明豫劇如何逐漸融入台灣在地文化元素。
4. 當代發展與創新 (1990s至今)：
   • 討論台灣豫劇團在當代劇場的定位，持續的藝術探索，例如與其他藝術形式的跨界合作、新編劇目的創作。
   • 關注其在國際交流、推廣上的努力。
   • 分析當代豫劇面臨的挑戰，如人才培育、市場接受度等，以及其因應策略。
   • 提及其他可能存在的、較小型或地方性的豫劇團體（如果有的話）。
5. 總結： 概括台灣豫劇團從落地生根、艱難維持到轉型創新，最終成為台灣重要傳統戲劇表演團體的歷程，強調其藝術價值與文化意義。

【答案】
台灣豫劇，發源於中國河南，以其高亢激越的唱腔、豐富的表演程式和鮮明的地域特色聞名。豫劇在台灣的發展，大致可分為幾個重要階段：

本題要求考生闡述中西方戲劇表演藝術的各自特色，並進行比較分析。這需要考生對兩大戲劇傳統在表演形式、美學原則、演員訓練、舞台呈現等方面有清晰的認識。

解題思路：

1. 西方戲劇表演特色：

   • 強調寫實主義與自然主義 (Realism & Naturalism)： 角色塑造注重心理真實、生活邏輯，表演追求貼近生活，情感表達細膩、內化。
   • 個體性與衝突性： 劇本多聚焦於個體角色的內心掙扎、人際衝突，表演強調角色的獨特性與其所處環境的張力。
   • 語言與對話： 對話是推動情節、揭示人物心理的重要手段，演員的語言能力、語氣、節奏至關重要。
   • 演員訓練： 強調方法派 (Method Acting) 或其他系統性的訓練，注重體驗、情感喚起、肢體與聲音的控制。
   • 舞台呈現： 傾向於營造具體的環境，透過空間、燈光、道具等塑造寫實或象徵性的舞台空間。
   • 類型： 悲劇、喜劇、鬧劇、荒誕劇等，不同類型有不同的表演風格。

2. 中國戲劇表演特色：

   • 程式化與象徵性 (Stylization & Symbolism)： 表演高度程式化，透過特定的身段、唱腔、念白、臉譜、服飾來象徵人物的身份、性格、情感與情境，而非追求自然主義的模仿。
   • 「唱、念、做、打」四功： 這是中國戲劇表演的核心，強調歌唱、唸白、肢體動作、武打技巧的綜合運用。
   • 虛擬性： 舞台空間高度虛擬化，演員透過「虛步」、「虛坐」、「虛打」等技巧，以極少的道具和佈景，創造出豐富的想像空間（如開門、騎馬、行船等）。
   • 「以形傳神」與「以聲傳情」： 透過外在的形體、聲音、表情來傳達內在的情感與精神，強調「神似」而非「形似」。
   • 演員訓練： 強調基本功的紮實訓練，如「把子功」、「身段功」、「唱功」、「念功」，以及長期的師徒傳承。
   • 綜合藝術： 戲曲是高度綜合的藝術，集文學、音樂、舞蹈、武術、雜技於一體。
   • 類型： 京劇、崑曲、越劇、豫劇等，各劇種雖有差異，但表演基礎有共通之處。

3. 比較分析：

   • 寫實 vs. 程式化： 西方追求貼近生活、心理真實；中國強調高度提煉、象徵性的表演。
   • 個體 vs. 類型： 西方多聚焦於獨特個體的內心世界；中國則透過程式化的「行當」（生、旦、淨、丑）和臉譜來呈現典型人物。
   • 模仿 vs. 創造： 西方演員模仿生活，尋求體驗；中國演員創造符號，透過技巧展現。
   • 語言主導 vs. 綜合表演： 西方對話是重要驅動力；中國則「唱、念、做、打」並重，歌唱與肢體表現同等重要。
   • 空間處理： 西方傾向寫實或具象佈景；中國舞台高度虛擬，依賴演員的「虛擬」表演。
   • 美學原則： 西方強調「真」與「實」；中國強調「神」與「韻」。

4. 總結： 指出兩者雖有根本差異，但都追求藝術的真實與感染力，只是途徑不同。當代劇場也出現互相借鑒、融合的趨勢。

本題探討日治時期至今，台灣的民間歌謠、流行歌、現代音樂與戲劇發展之間的關聯與相互影響。這是一個關於台灣文化史、音樂史與戲劇史的綜合性問題，需要考生對不同時期的文化現象及其互動有清晰的認識，並能舉出具體例證。

解題思路：

1. 釐清概念：

   • 民間歌謠： 指民間流傳的、具有地方色彩的傳統歌曲。
   • 流行歌： 指在特定時期內受大眾歡迎、商業化程度較高的歌曲，包括台語流行歌、國語流行歌等。
   • 現代音樂： 指較晚近發展的、實驗性或非傳統商業模式的音樂，可能包含實驗音樂、跨界音樂等。
   • 戲劇： 包括傳統戲曲、現代劇、歌舞劇、音樂劇等。

2. 分時期探討關聯性：

   • 日治時期 (1895-1945)：
     • 影響： 日本歌謠、演歌對台灣歌謠的影響；西方音樂（如軍歌、校歌）的引進。
     • 戲劇： 歌仔戲、布袋戲等傳統戲曲仍在發展，但可能受到新式音樂影響。出現新劇（話劇）的萌芽，但音樂元素相對較少。
     • 關聯： 台灣歌謠的形成，部分吸收了外來音樂元素，並可能在民間戲曲中有所體現。
   • 戰後初期 (1945-1960s)：
     • 影響： 國語歌曲的推廣（受國民政府影響），台語流行歌的興起（如文夏、洪一峰等），歌仔戲、布袋戲等傳統戲曲的黃金時期。
     • 戲劇： 歌仔戲、布袋戲等大量運用傳統音樂，並不斷吸收新曲調。現代劇（話劇）開始發展，一些劇目可能融入音樂元素。
     • 關聯： 流行歌謠的旋律和風格，可能被傳統戲曲吸收，成為新的「調子」。歌仔戲、布袋戲的音樂融合了大量民間曲調與新曲調，本身就是「音樂劇」的雛形。
   • 1970s-1980s (民歌運動與流行音樂起飛)：
     • 影響： 民歌運動（如《橄欖樹》、《龍的傳人》）強調創作與社會關懷，為台灣原創音樂注入活力。台語、國語流行音樂進入商業化高峰，出現大量膾炙人口的歌曲。
     • 戲劇： 台灣現代劇蓬勃發展，許多劇團開始實驗性地將音樂、歌謠融入戲劇，出現了早期的音樂劇或歌舞劇作品。
     • 關聯： 民歌運動的創作理念影響了部分戲劇創作者。流行歌曲的旋律和主題，成為戲劇取材或配樂的靈感來源。
   • 1990s至今 (多元發展與跨界)：
     • 影響： 流行音樂類型多元化（R&B、嘻哈、電子音樂等）。現代音樂（實驗音樂、電子音樂）開始有獨立發展空間。
     • 戲劇： 音樂劇在台灣蓬勃發展，出現了許多成功的商業製作，如《愛神》、《地下鐵》、《天天想你》等。傳統戲曲也在探索現代化轉型。
     • 關聯： 流行音樂與現代音樂的各種元素，被廣泛應用於戲劇的配樂、主題曲創作，甚至成為戲劇的敘事核心。戲劇也反過來影響流行音樂的題材與風格。跨界合作成為常態。

3. 舉例說明 (至少兩個)：

   • 例證一：歌仔戲與流行歌謠的融合。
     • 時期： 戰後至1970s。
     • 說明： 早期歌仔戲多演唱傳統調子。但為了吸引觀眾，逐漸吸收當時流行的歌謠旋律，如日式演歌、國語流行歌、甚至西洋歌曲的調子，重新填詞演唱。例如，許多歌仔戲的「哭調」可能改編自當時的流行小調。這種「借調」現象，使得歌仔戲的音樂更豐富，也更容易被大眾接受。
   • 例證二：現代劇與民歌運動/流行音樂的結合。
     • 時期： 1970s末-1980s，以及90年代至今。
     • 說明： 1970年代末的民歌運動，不僅是音樂創作的革新，也影響了戲劇界。例如，一些現代劇團開始在劇中加入原創歌曲或改編民歌。

本題旨在探討「環境劇場」(Environmental Theatre) 在全球化與在地化文化交流的脈絡下，其藝術觀點的發展特色。這需要考生理解環境劇場的定義與實踐，並能結合全球化和在地化的概念，分析其在當代藝術發展中的意義。

解題思路：

1. 定義與核心概念：

   • 環境劇場 (Environmental Theatre)： 理查·謝克納 (Richard Schechner) 是其重要推手。核心概念是打破傳統鏡框舞台的限制，將演出空間視為一個「環境」，讓觀眾與演員在同一個空間中互動，模糊了表演者與觀眾的界線，強調空間的整體性、非線性敘事、儀式性、以及對特定場域的連結。
   • 特色： 空間靈活性、非線性結構、多媒體運用、觀眾參與、儀式性、與特定場域（site-specific）的連結。

2. 全球化與環境劇場：

   • 全球化的影響：
     • 藝術視野的擴展： 全球化促進了跨文化交流，環境劇場可以吸收來自不同文化、不同地域的儀式、表演形式、劇場觀念。
     • 技術與媒介的共享： 全球化的技術（如多媒體、數位科技）可以被環境劇場運用，豐富其表現手法。
     • 議題的普世性： 環境劇場常處理具有全球性議題（如環保、衝突、身份認同）的作品，容易引起跨國界的共鳴。
     • 表演者的流動性： 藝術家跨國界的移動，帶來不同表演傳統的融合。
   • 環境劇場在全球化中的特色：
     • 跨文化融合： 吸收並融合世界各地的表演傳統（如亞洲的儀式、非洲的節慶），創造出具有全球共通性但又帶有在地色彩的作品。
     • 場域的選擇與轉化： 藝術家可能在不同國家、不同文化背景的場域進行創作，將當地環境的歷史、文化、社會特徵融入劇場。
     • 科技的運用： 運用全球化的科技媒介，如影像、聲音、燈光，來建構具有沉浸感的環境。
     • 議題的全球關懷： 處理如氣候變遷、人權、文化衝突等全球性議題，透過環境劇場的沉浸式體驗，引發觀眾對這些議題的深刻反思。

3. 在地化與環境劇場：

   • 在地化的強調：
     • 場域特定性 (Site-Specific)： 環境劇場特別強調與特定場域的連結，深入挖掘場域的歷史、文化、地理、社會意義，並將之轉化為劇場創作的元素。這使得演出成為該場域獨一無二的文化事件。
     • 在地文化元素的融入： 運用在地的神話、傳說、歷史事件、生活習俗、音樂、舞蹈、藝術形式等，使作品具有強烈的在地認同感。
     • 在地觀眾的參與： 鼓勵在地觀眾參與到創作或觀演過程中，加強劇場與社區的連結。
   • 環境劇場在地化中的特色：
     • 深耕在地歷史與記憶： 劇場創作成為重讀、詮釋、甚至療癒在地歷史與集體記憶的方式。
     • 空間的在地詮釋： 將歷史建築、自然景觀、社區空間等轉化為獨特的表演場域，賦予空間新的生命與意義。
     • 在地社群的連結： 透過與在地居民、團體合作，使環境劇場成為在地社群的文化實踐。
     • 在地美學的展現： 融合在地藝術傳統與當代美學，創造出獨特的在地劇場風格。

4. 全球化與在地化的辯證關係：

   • 環境劇場在全球化與在地化之間，並非單向的接受或輸出，而是處於一種動態的辯證關係中。
   • 全球的視野，在地的實踐： 藝術家可能運用全球化的劇場觀念和技術，但必須根植於特定的在地場域和文化語境進行創作。
   • 在地特色成為全球吸引力： 獨特的在地文化與場域特色，透過環境劇場的實踐，反而成為其在全球舞台上吸引力的來源。