111 年 國立成功大學戲劇碩士學士學程《戲劇史》

本題主要探討「環境劇場」（Environmental Theatre）的定義、流行原因，以及國內實際案例的優缺點分析。

核心觀念：
環境劇場是一種打破傳統鏡框舞台限制，將表演空間擴展至非傳統劇場場域，觀眾與演員互動關係也隨之改變的劇場形式。

詳解：

一、何謂環境劇場？

環境劇場是指一種將戲劇表演空間從傳統的鏡框式舞台（proscenium stage）解放出來，將觀眾帶入非傳統的、日常的或特製的空間中進行演出的劇場形式。其核心特徵包括：

• 空間的解構與重塑： 演出空間不再受限於單一的舞台區域，而是可以擴展到整個劇場建築，甚至延伸至建築之外的戶外空間（如公園、廢棄建築、市場、街道等）。演員與觀眾共享同一空間，甚至觀眾可能需要移動、穿梭於演出空間之中。
• 打破第四面牆： 傳統劇場中，觀眾透過鏡框舞台觀看演出，與演出者之間存在一道無形的「第四面牆」。環境劇場則常常打破這道牆，讓演員直接與觀眾互動，或讓觀眾感覺自己是演出的一部分。
• 觀眾角色的轉變： 觀眾不再是被動的觀看者，而是可能成為參與者、移動者，他們的觀看視角、參與程度都可能影響演出體驗。
• 演出與環境的融合： 演出內容常與其所處的特定環境產生連結，空間本身成為敘事的一部分，或對演出意涵產生加乘作用。

二、日益流行的原因有哪些？

環境劇場在當代日益流行，主要有以下幾個原因：

1. 對傳統劇場的反思與挑戰： 許多創作者認為傳統鏡框式舞台過於僵化，限制了戲劇的可能性，希望尋求更貼近生活、更具實驗性的表達方式。
2. 科技與社會的變遷： 現代人生活在多元的資訊環境中，對沉浸式、互動式的體驗需求增加。科技的進步也提供了更多元的舞台技術與空間運用可能性。
3. 對現實社會議題的關懷： 環境劇場常被用來探討社會議題、歷史事件，將戲劇帶入與議題相關的真實場域，能產生更強烈的共鳴與批判性。例如，在廢棄工廠演出探討工業發展的戲劇，或在歷史建築中重現過去的場景。
4. 觀眾體驗的追求： 觀眾渴望新奇、獨特的觀賞經驗，環境劇場提供的非日常化、多感官的體驗，能滿足這種需求，帶來更深刻的記憶。
5. 藝術市場的推動： 具有獨特性的沉浸式或環境劇場，因其稀缺性和話題性，容易吸引觀眾，並在藝術市場上獲得關注。

三、國內製作的例子及其優缺點

以下舉出兩個國內製作的環境劇場例子進行說明：

本題旨在考察考生對台灣戲曲發展歷程的掌握，要求考生能劃分時期、說明標準、闡述各時期特色，並舉例說明1945年後的發展。

核心觀念：
台灣戲曲發展歷程受到政治、經濟、社會文化變遷的影響，呈現出多元融合與在地化的特色。

詳解：

一、劃分時期之標準

劃分台灣戲曲自清領至今的發展歷程，可參照以下幾個主要標準：

1. 政治與社會變遷： 台灣歷史上的重大政治事件（如清領、日治、國民政府遷台、解嚴等）對戲曲的傳承、發展、創作及表演形式有顯著影響。
2. 外來劇種的傳入與在地化： 不同時期傳入的漢族戲曲劇種（如歌仔戲、布袋戲、京劇、崑曲等）在台灣的落地生根、融合與演變。
3. 文化政策與推廣： 政府的文化政策（如語言政策、戲曲扶植、教育推廣）以及民間團體的努力，對戲曲的存續與發展扮演關鍵角色。
4. 藝術形式的演變： 戲曲在表演技法、音樂唱腔、劇本內容、舞台製作等方面的創新與轉變。

二、各時期特色

以下將台灣戲曲自清領至今的發展歷程劃分為以下幾個時期：

(A) 清領時期（約1683年－1895年）

• 特色：
  • 劇種的引入與初步發展： 隨著閩粵移民來台，帶來了泉州腔、漳州腔的亂彈（如北管、南管）、四平戲、改良子弟戲等劇種。
  • 在地化萌芽： 早期戲曲多為移民的娛樂，並逐漸融入台灣民間信仰、節慶習俗，發展出具有台灣特色的唸歌、傀儡戲、布袋戲等。
  • 歌仔戲的雛形： 早期稱「採茶戲」、「改良戲」，在民間流傳，融合了閩南小調、歌謠，為後來的歌仔戲奠定基礎。
  • 無固定劇團，多為業餘班底： 戲曲表演多由地方士紳、商人或民眾自組班底，在廟會、節慶場合演出。

(B) 日治時期（1895年－1945年）

• 特色：
  • 劇種的整合與規範： 日治政府為了管理方便，對戲曲進行一定程度的規範，也促進了劇種的交流與整合。
  • 新劇的萌芽： 受西方戲劇影響，開始出現以白話文、寫實手法為主的「新劇」，但影響力尚小。
  • 歌仔戲的成熟與商業化： 歌仔戲在這個時期蓬勃發展，出現了職業劇團，並開始走向商業化演出，劇本題材也更加多元。
  • 布袋戲的興盛： 布袋戲（後來的霹靂布袋戲前身）也在此時期發展出屬於自己的表演風格與特色。
  • 京劇的傳入： 隨著國民政府的官員與軍隊來台，京劇也開始在台灣落地。

(C) 戰後初期至戒嚴時期（1945年－1987年）

• 特色：
  • 國劇（京劇）的官方推廣： 國民政府遷台後，大力推廣京劇，成立國劇學校，培養京劇人才，京劇成為顯學。
  • 歌仔戲的轉型與挑戰： 傳統歌仔戲面臨電視興起、西方文化衝擊等挑戰，為求生存，出現了「電視歌仔戲」，並進行劇本、唱腔、表演上的改良。
  • 布袋戲的發展： 布袋戲進入電視時代，以「雲州大儒俠」等為代表，風靡一時，但也面臨被禁演的危機。
  • 現代戲劇（話劇）的發展： 隨著大學戲劇社團的興起，話劇（現代劇）開始蓬勃發展，對傳統戲曲產生影響。
  • 傳統戲曲的斷層危機： 許多傳統戲曲劇種面臨人才凋零、觀眾流失的困境。

(D) 解嚴後至今（1987年－現在）

• 特色：
  • 傳統戲曲的復興與創新： 隨著解嚴，文化多元化興起，傳統戲曲獲得更多關注與發展空間。

本題旨在比較分析中國戲劇與西方戲劇在表演藝術上的獨特風格與特質。

核心觀念：
中國戲劇與西方戲劇在表演上，由於文化背景、哲學思想、美學追求的差異，形成了截然不同的表現方式與藝術特徵。

詳解：

一、中國戲劇的表演藝術特色

中國戲劇（泛指傳統戲曲，如京劇、崑曲、越劇、歌仔戲等）的表演藝術，強調高度的「程式化」、「象徵化」與「綜合性」，其核心特色包括：

1. 程式化（Stylization/Formality）：

   • 定義： 中國戲劇的表演，無論是身段、唱腔、唸白、臉譜、服飾，都有一套約定俗成的、高度規範化的程式。演員必須透過嚴格的訓練，將這些程式內化，並在演出中熟練運用。
   • 體現：
     • 身段： 演員的每一個動作（如開門、上馬、坐下、行走）都有特定的程式，例如「趟馬」表示騎馬，「開門」有特定的手勢。
     • 唱腔與唸白： 不同的劇種、行當有其獨特的唱腔與唸白方式，如京劇的「西皮」、「二黃」，越劇的「尹派」、「傅派」。
     • 臉譜： 臉譜（面部化妝）直接象徵角色的性格、身份與命運，如紅色代表忠誠，白色代表奸詐。
     • 服飾： 戲服（如蟒袍、箭衣）也具有象徵意義，並非完全寫實，而是經過藝術提煉。
   • 目的： 程式化是為了高度凝練情感、塑造典型人物、傳達複雜意涵，並在有限的舞台空間與時間內，創造出豐富的藝術想像。

2. 象徵性（Symbolism）：

   • 定義： 中國戲劇表演大量運用象徵手法，將具體事物或抽象概念進行符號化處理。
   • 體現：
     • 道具： 一根馬鞭代表騎馬；一張桌子、兩張椅子可以組合出各種空間（如房間、山洞）；一把傘可以代表船。
     • 色彩： 臉譜、服飾的顏色都帶有象徵意義。
     • 動作： 演員的動作本身就承載了象徵意義，例如「背劍」象徵武將。
     • 虛擬性： 空間、時間、情節的轉換常是虛擬的，觀眾需要憑藉想像力去填補。
   • 目的： 象徵性讓戲劇擺脫了對現實的模仿，進入一個高度提煉、意境化的藝術空間，強調「意」的表達。

3. 綜合性（Synthesis/All-in-one）：

   • 定義： 中國戲劇是一種高度綜合的藝術形式，將文學（劇本）、音樂（唱腔、鑼鼓）、表演（唸白、身段）、舞蹈（武打、程式動作）、美術（臉譜、服飾、佈景）等元素完美融合。
   • 體現： 演員不僅是演員，更是集歌唱、唸白、舞蹈、武術於一身的「全才」。
   • 目的： 透過多種藝術形式的協同作用，達到更豐富、更立體的藝術效果。

4. 強調「神似」而非「形似」：

   • 中國戲劇追求的是抓住事物的精神實質，而非對現實的精確模仿。演員通過高度程式化的表演，來傳達角色的內心世界與精神風貌。

5. 「做」的藝術：

   • 強調演員的「做功」，即通過外在的動作、表情、聲音來傳達內在的情感與思想。

二、西方戲劇的表演藝術特色

西方戲劇（從古希臘、莎士比亞時期至今）的表演藝術，則更傾向於「寫實性」、「個性化」與「心理真實」，其核心特色包括：

1. 寫實性（Realism）：
   • 定義： 自19世紀以來，西方戲劇（特別是現代戲劇）強調再現現實生活，力求表演貼近生活，讓觀眾產生「這就是真實生活」的錯覺。
   • 體現：
     • 自然化的語言： 演員的對話模仿日常口語，避免過於詩化或程式化的唸白。
     • 生活化的動作： 演員的動作、表情、肢體語言都力求自然、真實，符合人物的身份和情境。
     • 心理真實： 強調演員對角色的心理狀態進行深入挖掘與理解，通過細膩的表演來展現角色的內心活動。

本題旨在比較分析古希臘戲劇與臺灣儀式劇場這兩種看似遙遠，實則在功能與形式上可能存在關聯的戲劇形式的特色。

核心觀念：
古希臘戲劇與臺灣儀式劇場，雖然產生於不同的時空背景，但都承載了重要的社會、文化、宗教功能，並在表演形式上展現出獨特的魅力。

詳解：

一、古希臘戲劇的特色

古希臘戲劇被譽為西方戲劇的濫觴，其特色深刻影響了後世的戲劇發展。主要特色包括：

1. 宗教與祭祀的起源：

   • 起源於對酒神狄奧尼索斯（Dionysus）的宗教祭祀儀式，特別是「酒神頌歌」（Dithyramb）。
   • 演出具有強烈的宗教色彩，是城邦重要的公共祭祀活動。

2. 城邦的公共性與教育功能：

   • 古希臘戲劇演出是城邦（Polis）的重要公共事件，在節慶期間（如狄奧尼索斯節）舉行，所有公民（包括男女老少）都有權參與。
   • 具有強烈的教育、道德教化、政治宣導功能，旨在引導公民思考倫理、法律、政治、命運等議題。

3. 結構的規範性：

   • 面具（Masks）： 演員（通常只有兩到三位）佩戴面具，面具不僅用於角色辨識、表情誇張，也具有宗教象徵意義。
   • 合唱隊（Chorus）： 合唱隊是古希臘戲劇不可或缺的組成部分，他們代表了觀眾的聲音、集體的情感，並負責敘事、評論、引導情節。
   • 結構： 通常包括序幕（Prologue）、進場歌（Parodos）、場次（Episodes）、合唱歌（Stasimon）、退場歌（Exodos）。
   • 三一律（Three Unities）： 雖然在古希臘時期並非嚴格的「律」，但後世（如文藝復興時期）將其理論化，強調時間（一日）、地點（一地）、情節（一線）的統一，追求結構的嚴謹。

4. 主題與內容：

   • 多取材於希臘神話、史詩、英雄傳說，探討人與神、人與命運、個人與城邦、理性與情感之間的衝突。
   • 悲劇（Tragedy）與喜劇（Comedy）並存，悲劇常探討嚴肅的倫理與命運問題，喜劇則諷刺社會現象與政治人物。

5. 美學追求：

   • 強調「淨化」（Catharsis）的藝術效果，觀眾通過對悲劇的同情與恐懼，得到情感的宣洩與昇華。
   • 追求崇高、嚴肅的美學風格（尤其在悲劇中）。

二、臺灣儀式劇場的特色

臺灣儀式劇場（Ritual Theatre），廣義上是指融合了臺灣民間信仰、宗教儀式、民俗活動等元素所發展出的劇場形式。它與傳統的戲曲、現代劇場有所區別，更強調儀式性、在地性與社群參與。其特色包括：

1. 宗教儀式與表演的結合：

   • 起源： 深植於臺灣民間的宗教信仰與祭祀活動，如廟會、喪葬、祭典、布袋戲（演神明故事）、歌仔戲（常演歷史演義與神怪故事）等。
   • 目的： 不僅是娛樂，更重要的目的是溝通神明、祈福消災、安撫亡靈、凝聚社群。表演本身就是一種「儀式」的發生。

2. 在地性與社群性：

   • 在地文化： 內容常取材於本地的歷史傳說、地方神祇、民俗故事，使用在地語言（如台語）或方言。
   • 社群參與： 演出常是社區性的活動，演員與觀眾之間關係密切，有時觀眾也可能參與其中，形成一種共時性的體驗。

3. 表演形式的多元與自由：

   • 跨界融合： 可能融合布袋戲、歌仔戲、陣頭、唸歌、民俗表演、現代劇場等元素。
   • 空間的彈性： 演出場域不限於劇場，常在廟埕、街頭、廣場、甚至是墓地等真實的儀式空間進行。