112 年 國立成功大學戲劇碩士學士學程《戲劇史》

本題旨在考察考生對中西戲劇與劇場發展脈絡的宏觀認識，以及能否透過具體例子來闡述其演進。

解題思路：

1. 定義與範圍界定： 首先釐清「戲劇」與「劇場」的定義，以及「中西」的地理與文化範圍。西方通常指歐美，中國則指以漢文化為主的戲曲發展。
2. 西方戲劇與劇場史演進：
   • 古希臘戲劇： 起源於酒神祭儀，發展出悲劇與喜劇。代表人物如埃斯庫羅斯、索福克里斯、歐里庇得斯（悲劇），阿里斯托芬（喜劇）。劇場形式：露天劇場（如雅典狄奧尼索斯劇場），有歌隊席、舞台、觀眾席。
     • 舉例： 索福克里斯的《俄狄浦斯王》(Oedipus Rex)，探討命運、自由意志與神諭，結構嚴謹，情感強烈。
   • 古羅馬戲劇： 繼承希臘，但更趨向娛樂性與通俗性。代表人物如普勞圖斯、泰倫斯（喜劇），塞內卡（悲劇）。劇場形式：羅馬劇場（如羅馬競技場、馬爾提魯斯劇場），更為封閉，有幕後空間。
     • 舉例： 普勞圖斯的《百將記》(Miles Gloriosus)，塑造誇張的自大狂軍人形象，情節多為誤會與巧合。
   • 中世紀戲劇： 宗教色彩濃厚，如「宗教劇」(Mystery Plays, Miracle Plays, Morality Plays)。劇場形式：流動舞台車、教堂內部。
     • 舉例： 《逐出伊甸園》(The Digby Play of the Raising of Lazarus) 屬於宗教劇，強調聖經故事的傳達與教化。
   • 文藝復興戲劇： 戲劇復興，人文主義抬頭。英國莎士比亞是集大成者，法國拉辛、高乃依（古典主義悲劇）。劇場形式：封閉式劇場（如倫敦環球劇場），舞台結構複雜，有天幕、道具。
     • 舉例： 莎士比亞的《哈姆雷特》(Hamlet)，探討人性、權力、復仇，語言豐富，角色心理深刻。
   • 17-19世紀戲劇： 啟蒙運動、浪漫主義、現實主義、自然主義。莫里哀（法國喜劇）、易卜生（挪威現實主義）、契訶夫（俄羅斯心理寫實）。劇場形式：專業劇院興起，布景、燈光技術進步。
     • 舉例： 易卜生的《玩偶之家》(A Doll's House)，挑戰傳統婚姻觀念，引發社會討論。
   • 20世紀至今戲劇： 現代主義、後現代主義、荒謬劇、史詩劇場、鏡框舞台的突破。布萊希特（史詩劇場）、貝克特（荒謬劇）。劇場形式：實驗劇場、非傳統空間。
     • 舉例： 貝克特的《等待果陀》(Waiting for Godot)，透過重複、停頓、空洞的對話，展現存在的荒謬感。

本題旨在考察考生對臺灣現代戲劇發展，特別是解嚴前後的政治脈絡、小劇場運動的理念與實踐的理解，以及能否舉例說明。

解題思路：

1. 1987年臺灣現代戲劇與政治的關聯：

   • 解嚴前的背景（戒嚴時期）： 國民黨政府實施戒嚴，對文化藝術進行嚴格的政治審查與思想控制。現代戲劇發展受到極大限制，題材、表現手法都必須迴避敏感政治議題。然而，地下劇團、學術性社團（如大學戲劇社）仍試圖在夾縫中尋求發展，進行對社會的隱晦批判或實驗性探索。
   • 1987年解嚴的影響： 解嚴是臺灣社會劇烈變動的關鍵節點。
     • 言論與思想解放： 政治審查大幅鬆綁，劇作家、導演、演員的創作自由度提升。
     • 社會議題浮現： 長期被壓抑的社會問題（如美麗島事件、勞工權益、土地開發、兩岸關係、女性議題、本土意識等）開始被公開討論，也成為戲劇創作的重要題材。
     • 本土意識的覺醒： 臺灣人意識抬頭，尋求擺脫外來政權的文化認同，戲劇成為展現臺灣主體性、書寫臺灣歷史與經驗的重要場域。
     • 劇場形式的多元化： 擺脫政治束縛後，各種實驗性、前衛性的劇場形式得以發展，包括小劇場運動的蓬勃。
   • 關聯總結： 1987年解嚴，直接促使臺灣現代戲劇從地下走向地上，從壓抑走向解放。戲劇不再僅是藝術表現，更成為回應社會變遷、批判政治體制、建構本土認同的重要媒介。許多劇團的成立與作品的出現，都與當時的政治氛圍、社會運動緊密相關。

2. 八零年代臺灣小劇場運動的理念與劇場實踐：

   • 時代背景： 延續解嚴前後的社會變遷，對主流劇場的商業化、形式化感到不滿，渴望更純粹、更具實驗性、更貼近社會現實的劇場。
   • 核心理念：
     • 實驗性與創新： 挑戰傳統劇場的結構、表演方式、敘事模式，追求形式上的突破。
     • 社會關懷與批判： 關注社會真實、弱勢群體、歷史記憶、本土文化，透過戲劇進行反思與批判。
     • 劇場空間的解放： 擺脫傳統鏡框舞台的限制，利用非傳統空間（倉庫、空屋、街道、校園等），拉近與觀眾的距離，創造更親密的互動。
     • 集體創作與去中心化： 強調團體合作，打破導演中心制，鼓勵演員參與創作，建立更平等的工作模式。
     • 本土意識的建構： 挖掘臺灣在地故事、歷史、語言、文化，用臺灣的語言和視角來書寫。
   • 劇場實踐（舉例）：
     • 劇場運動者（一人）： 賴聲川 (儘管他後來也走向商業，但他在八零年代創立的表演工作坊，以《那一夜，我們說相聲》、《暗戀桃花源》等作品，結合說唱、戲中戲等手法，重新定義了臺灣劇場的市場與可能性，並在題材上觸及歷史與情感，具有實驗精神與社會關懷。另一位關鍵人物是吳興國，他結合傳統戲曲與現代劇場，創立當代傳奇劇場，其對傳統的解構與創新，也是小劇場運動的體現。)
     • 劇團（一或多個）：
       • 屏風表演班 (已解散)：由李國修創立，以喜劇見長，但常在幽默中帶有對社會現象的觀察與反思。
       • 果陀劇場：由梁志民創立，同樣以商業化的戲劇模式，結合社會議題，達到普及與啟蒙的效果。

本題旨在考察考生對臺灣重要戲曲劇種的知識，包括其基本構成元素、獨特風格，以及從清領時期至今的發展演變。考生需選擇其中兩個劇種進行深入分析。

解題思路：
考生需要從京劇、歌仔戲、客家（採茶）戲中選擇兩個，然後對每個劇種進行以下三個面向的闡述：
A. 基本元素： 指的是構成該劇種演出的核心要素，通常包含唱、唸、做、打、臉譜、服飾、音樂（鑼鼓、管弦樂器）、表演程式、劇本（傳統戲、新編戲）等。
B. 特質： 指的是該劇種獨特的藝術風格、美學追求、表演特色、音樂調性、觀眾喜好等。
C. 發展歷程（自清領至今）： 追溯該劇種的起源、在臺灣的發展與演變，特別是清領時期、日治時期、戰後、以及當代的發展情況。

以下為各劇種的分析框架，考生需從中選擇兩個進行詳細闡述：

劇種一：京劇

• A. 基本元素：

  • 唱（唱腔）： 京劇唱腔豐富，有西皮、二黃兩大聲腔系統，分門別類極多，如老生、青衣、花旦、武生等各有其獨特的唱腔。
  • 唸（唸白）： 分為「字正腔圓」的「官話」與「道白」，強調語言的節奏感與韻味。
  • 做（表演程式）： 包含身段、表情、手勢、眼神等，高度程式化，如「圓場」、「亮相」、「開打」等。
  • 打（武打）： 指武打動作，包括「把子功」與「毯子功」，講求技巧與美感。
  • 臉譜： 用色彩與圖案象徵人物性格、身份、命運，如紅臉（忠義）、白臉（奸詐）、黑臉（剛正）。
  • 服飾： 華麗、色彩鮮豔，具有象徵意義，如蟒袍（官員）、褶子（文人）。
  • 音樂： 以京胡、京二胡、京笛、月琴、拍板、鼓板、大鑼、小鑼、鈸等樂器組成，用於伴奏與烘托氣氛。
  • 角色行當： 生、旦、淨、丑四大行當，下設諸多細分。

• B. 特質：

  • 集大成性： 融合了徽劇、漢調等聲腔，並吸收了其他劇種的表演元素，被譽為「國劇」。
  • 高度程式化與寫意性： 表演、唱腔、臉譜等皆有嚴格規範，但又能在規範中展現藝術家的個人風格與想像力。
  • 宏大敘事與歷史感： 劇目多取材於歷史演義、小說傳奇，場面宏大，人物性格鮮明。
  • 規範嚴謹的音樂： 西皮、二黃的運用，以及豐富的鑼鼓點，營造出莊重、悲壯或歡快的氛圍。
  • 京劇的「四功五法」（四功：唱、唸、做、打；五法：眼、手、身、步、口）是其表演美學的核心。

• C. 發展歷程（自清領至今）：

  • 清領時期（約18世紀末至1911年）：
    • 發源與形成： 京劇前身是安徽的徽劇，於1790年（乾隆五十五年）「四大徽班」進京演出，逐漸融合北京及周邊地區的漢調等聲腔，在北京形成京劇。
    • 初期發展： 在京城得到發展，受到皇室貴族青睞，並與北京的語言、文化融合。
    • 臺灣的早期傳入： 隨著閩粵移民遷臺，徽班也可能隨之傳入，但當時在臺灣影響力不如地方戲曲。
  • 日治時期（1912-1945）：
    • 在臺灣的發展： 京劇在臺灣開始有較大規模的演出，主要由來自中國大陸的劇團或個人傳播。
    • 對本土戲曲的影響： 京劇的藝術成就與影響力，對當時臺灣地方戲曲（如歌仔戲）的發展產生了一定的示範作用，如歌仔戲開始學習京劇的武打、臉譜、身段等。
  • 戰後至今（1945至今）：
    • 國民黨政府推廣「國劇」： 國民政府遷臺後，將京劇視為「國劇」，大力推廣，成立國立國劇團（後為國立國劇團、現為國光劇團），設立戲劇學校（如中國戲曲專科學校、國立臺灣戲曲學院），培養人才。
    • 高峰與衰退： 曾有一段時期，京劇在臺灣非常流行。但隨著社會變遷、電視、電影等其他娛樂方式的興起，以及年輕一代對傳統戲曲的疏離，京劇觀眾群逐漸萎縮，面臨傳承危機。
    • 轉型與創新： 為了延續生命力，許多劇團開始嘗試新編劇目、改編經典、融合其他藝術形式，如國光劇團的《快雪時晴》、《樓蘭女王》等，試圖吸引新觀眾。
    • 兩岸交流： 隨著兩岸關係緩和，京劇的交流也日益頻繁，對臺灣京劇的發展也產生影響。

劇種二：歌仔戲

• A. 基本元素：

  • 唱（唸唱）： 以七字調、都馬調、平板調、流水調、慢滾、急滾等臺灣民間歌謠為基礎，並吸收了京劇、北管、南管等聲腔，形成獨特的唱腔。
  • 唸（唸白）： 採用臺灣閩南語，有文白兩種唸法，講求聲韻與節奏。
  • 做（身段與表演）： 早期較為質樸，後來吸收了京劇的武打、身段、程式，動作更為豐富。
  • 打（武打）： 早期較為簡單，後受京劇影響，武打場面更為精彩。
  • 音樂： 以嗩吶、殼仔弦、大廣弦、鑼、鼓、笛、月琴等樂器為主，輔以京劇的胡琴、京鼓等。
  • 角色行當： 早期較為簡單，後逐漸發展出與京劇類似的生、旦、淨、丑行當。
  • 服飾與頭飾： 早期較為樸實，後受京劇影響，日趨華麗。

• B. 特質：

  • 本土性與草根性： 源於臺灣民間，貼近庶民生活，語言、音樂、題材都充滿臺灣特色。
  • 融合性： 在發展過程中，不斷吸收了閩南、京劇、北管、南管等各種音樂與表演元素，展現了高度的融合力。
  • 通俗性與娛樂性： 早期以娛樂性質為主，劇目題材廣泛，語言生動，深受民眾喜愛。
  • 戲曲與戲劇的結合： 現代歌仔戲在保留傳統唱唸基礎上，更注重劇情的結構、人物的塑造，以及舞台的現代化呈現。
  • 女性擔綱： 早期以男性飾演旦角為主，但隨著發展，女性演員逐漸佔據主導地位，特別是當代歌仔戲，女性擔綱成為主流。

• C. 發展歷程（自清領至今）：

  • 清領時期（約19世紀中葉）：
    • 起源： 歌仔戲的起源眾說紛紜，一般認為約在19世紀中葉，由來自中國福建的宜蘭（或漳州、泉州）的民間藝人，以當地的歌謠（如七字調）為基礎，結合歌唱、唸白、簡單的動作，在田間、廟口演出，最初稱為「歌仔」（或稱「歌仔唸歌」）。
    • 早期演出： 主要在田間、廟口、夜市等場所，觀眾多為農民、勞工等庶民階層。
  • 日治時期（1912-1945）：
    • 劇團化與規範化： 出現了職業劇團，如「隆榮」、「錦雞」、「新興」等，開始有了較為固定的劇本、表演程式，並開始運用簡單的舞台裝置。
    • 吸收京劇元素： 臺灣的京劇團體開始增多，歌仔戲藝人開始向京劇學習武打、身段、臉譜、服飾等，提升了表演技巧與舞台效果。
  • 戰後至今（1945至今）：

本題旨在考察考生對臺灣公部門推動戲劇（含戲曲）發展的認識，特別是透過藝術節的舉辦，能否具體分析其對戲劇產業的影響。

解題思路：

1. 理解題意： 題目要求舉出一個由「公部門」舉辦的藝術節，並說明該藝術節如何「推動戲劇（含戲曲）發展」。公部門的定義包含中央政府、地方政府、國家級表演藝術機構（如國家表演藝術中心及其所屬場館）。「推動發展」的面向可以包括：節目策劃、新劇創作、人才培育、觀眾拓展、國際交流、產業鏈結、藝術普及等。

2. 選擇藝術節： 考生需要從臺灣眾多公部門舉辦的藝術節中，選擇一個最熟悉、最有代表性的。常見的選項包括：

   • 國家級：
     • 國家戲劇院、實驗劇場、台中國家歌劇院、衛武營國家藝術文化中心等場館所主辦的年度節目或系列活動（雖非典型「藝術節」，但其策劃與推廣功能類似，且常包含戲劇演出）。
     • 文化部主辦或協辦的相關藝文活動。
   • 地方級：
     • 臺北藝術節 (由臺北市政府文化局主辦)
     • 臺中藝術節 (由臺中市政府文化局主辦)
     • 高雄春天藝術節 (由高雄市政府文化局主辦)
     • 臺灣國際藝術節 (TIAF) (由文化部主辦，過去常由國家兩廳院承辦，現為文化部直轄)
     • 其他地方政府舉辦的藝文節慶，如：新北市的「新北市藝術節」、桃園的「桃園藝術巡演」等。

   建議考生選擇「臺灣國際藝術節 (TIAF)」或「臺北藝術節」，因為這兩者在戲劇（含戲曲）的節目策劃與影響力上，通常較為顯著。

3. 分析藝術節的作用： 選定藝術節後，考生需要從以下幾個角度，具體說明其對戲劇（含戲曲）發展的作用。

   • 節目策劃與引進：

     • 引進國際優秀劇目： TIAF 經常引進國外頂尖的戲劇、舞蹈、跨界表演，讓臺灣觀眾有機會接觸多元的國際視野與創新形式，刺激本地創作者思考。
     • 展演本地優秀作品： 許多藝術節會將臺灣在地優秀的戲劇、戲曲團體（包括公部門扶植的團隊，如國家級劇院駐館團隊、獲獎團隊）納入節目，提供大型演出平台，增加曝光機會。
     • 鼓勵跨界與實驗： 部分藝術節會特別策劃實驗性、跨領域的節目，鼓勵創作者進行新的嘗試。
     • 戲曲的納入： 優秀的戲曲團體（如當代傳奇劇場、唐美雲歌仔戲團、無獨有偶劇團等）常被納入藝術節的節目單，給予傳統戲曲現代化的展演機會。

   • 創作支持與委託製作：

     • 委託創作： 部分藝術節會投入資源，委託臺灣的劇作家、導演、劇團創作新的戲劇作品，支持新劇本、新觀念的誕生。例如，TIAF 過去曾有委託創作項目，支持在地團隊發展。
     • 「首演」平台： 藝術節常成為許多新劇目的首演平台，為新作品的誕生提供重要的發表機會。

   • 人才培育與交流：

     • 工作坊與講座： 藝術節期間常舉辦戲劇相關的工作坊、大師班、講座，邀請國內外藝術家參與，提供創作者、表演者、技術人員學習交流的機會。
     • 國際交流： 透過引進國外團隊，促進臺灣藝術家與國際藝術家的對話，有助於臺灣戲劇與國際接軌。

   • 產業鏈結與推廣：

     • 提升能見度： 藝術節的宣傳與推廣，能大幅提升參與劇目與團隊的能見度，吸引更多觀眾。
     • 帶動周邊產業： 藝術節的舉辦，能帶動周邊的餐飲、住宿、交通等產業發展，並促進戲劇產業的整體發展。