112 年 國立臺灣大學戲劇系碩士班甲組《歐美戲劇及劇場概論》

此題為名詞解釋題，旨在測試考生對歐美戲劇史重要概念、人物、流派及作品的掌握程度。考生需針對每一項名詞，闡述其定義、背景、代表性人物或作品，以及在戲劇史上的意義。

1. Theatre of the Absurd (荒謬劇場)

   • 核心概念： 荒謬劇場是第二次世界大戰後，尤其是在 1950 年代興起於歐洲（特別是巴黎）的一種戲劇思潮與風格。它反映了戰後歐洲知識分子對於人類存在意義、溝通失靈、生命空虛的深刻焦慮與疏離感。
   • 背景： 受到存在主義哲學（如沙特、卡繆）的影響，認為生命本身缺乏內在意義，人類處於孤立無援的境地。
   • 戲劇特徵：
     • 情節缺乏邏輯： 傳統戲劇的因果關係、起承轉合被打破，情節常是重複、停滯或無意義的。
     • 對話失靈： 人物之間的溝通常常是徒勞的、無效的，語言失去傳達意義的功能，淪為一種聲音或噪音。
     • 人物扁平化： 人物往往缺乏複雜的心理層次，有時甚至沒有名字，代表著普遍的「人」。
     • 舞台呈現的象徵性： 舞台空間常被描繪成一種荒涼、封閉或孤立的環境，象徵人類的處境。
     • 主題： 探討生命的荒謬、死亡的必然、自由的沉重、孤獨與疏離。
   • 代表人物與作品： 薩繆爾·貝克特（Samuel Beckett，《等待果陀》Waiting for Godot）、尤內斯科（Eugène Ionesco，《禿頭歌女》The Bald Soprano）、尚·惹內（Jean Genet，《女僕》The Maids）、哈洛·品特（Harold Pinter，雖然風格略有不同，但常被歸類）。
   • 意義： 荒謬劇場徹底顛覆了傳統戲劇的結構與思維，深刻影響了後來的實驗劇場與後現代戲劇。

2. Tableau in melodrama (悲情劇中的定格畫面)

   • 定義： Tableau（法語，意為「畫面」或「圖畫」）在戲劇中，特別是 19 世紀流行的悲情劇（Melodrama）裡，指演員在舞台上擺出靜止不動的戲劇性姿勢，形成一幅具有強烈視覺衝擊力的「定格畫面」。
   • 功能與目的：
     • 強調戲劇高潮： 通常出現在劇情的關鍵時刻，如英雄被困、反派得逞、情感爆發的瞬間，以加強戲劇張力與觀眾的情感共鳴。
     • 視覺敘事： 在悲情劇中，強烈的視覺效果比複雜的心理描寫更為重要。Tableau 能夠快速傳達情境、人物關係和情感狀態。
     • 道德寓意： 常常用來呈現善惡對立、正義受難等道德主題，具有寓言或道德教化的意味。
     • 營造戲劇性： 透過誇張的肢體語言和表情，配合燈光、音樂，營造出強烈戲劇效果。
   • 常見形式： 例如，女主角被綁在鐵軌上，男主角危在旦夕；反派露出陰險的笑容，女主角絕望地伸出手。
   • 意義： Tableau 是悲情劇重要的美學手段，突顯了其強調情感、道德、視覺奇觀的特質，與注重現實主義的細膩描寫形成對比。

3. The father(s) of realism in theatre (戲劇現實主義的奠基者)

   • 定義： 指在 19 世紀後半葉，開創並推動戲劇走向現實主義（Realism）的關鍵人物。現實主義戲劇追求在舞台上真實地再現日常生活，強調對社會現實、人物心理的細緻觀察與描寫。
   • 代表人物：
     • 亨利·易卜生 (Henrik Ibsen)： 被譽為「現代戲劇之父」，他的作品如《玩偶之家》(A Doll's House)、《群鬼》(Ghosts) 等，深刻探討了當時社會的虛偽、道德觀念的僵化，以及個人在社會壓力下的掙扎。他注重人物的心理深度、社會背景的真實呈現，以及結構嚴謹的劇本寫作。
     • 安東·契訶夫 (Anton Chekhov)： 俄國劇作家，他的作品如《櫻桃園》(The Cherry Orchard)、《三姊妹》(Three Sisters)、《萬尼亞舅舅》(Uncle Vanya) 等，以其獨特的「潛文本」(subtext) 技巧，描寫了俄羅斯社會轉型期中產階級的日常生活、情感的壓抑與失落，展現了細膩的人物心理和詩意的氛圍，被稱為「詩意現實主義」。
     • 奧古斯特·史特林堡 (August Strindberg)： 瑞典劇作家，雖然其早期作品如《父》(The Father) 充滿了自然主義的強烈衝突與心理描寫，後期則轉向表現主義，但他在現實主義及自然主義戲劇發展中的貢獻，特別是對心理衝突的深刻挖掘，不容忽視。
   • 其他相關人物： 雖然不是直接的劇作家，但法國的愛彌兒·左拉（Émile Zola）的自然主義（Naturalism，現實主義的一個更極端的分支）理論，以及俄國的康斯坦丁·史坦尼斯拉夫斯基（Konstantin Stanislavski）所發展出的「方法派」表演體系，對現實主義戲劇的實踐與傳播有著巨大的影響。
   • 意義： 這些劇作家和理論家共同將戲劇從過去的浪漫主義、歷史劇、宮廷劇中解放出來，使其成為反映社會、探討人性的有力工具。

4. Antonin Artaud (安東南·亞陶)

   • 身份： 法國劇作家、詩人、演員、導演，也是「殘酷劇場」（Théâtre de cruauté）的創始人。
   • 核心思想： 亞陶對當時的西方戲劇感到極度不滿，認為其過於依賴語言、文學性太強，無法觸及人類潛意識深處的原始衝動和精神體驗。他主張一種「精神上」的戲劇，一種能直接衝擊觀眾感官、潛意識和精神的戲劇。
   • 殘酷劇場 (Cruelty Theatre)：
     • 「殘酷」的定義： 亞陶所說的「殘酷」並非指血腥暴力，而是指一種「強烈」或「極端」的意志，一種不受拘束的、原始的、形而上的力量。它是一種對現實的殘酷直視，以及對觀眾精神的強烈衝擊。
     • 戲劇目標： 讓觀眾體驗到一種集體的、原始的、近乎宗教儀式的震撼，喚醒他們被壓抑的本能和潛意識。
     • 舞台呈現：
       • 放棄文學性對白： 強調聲音、肢體、燈光、布景、音樂等非語言元素，將其提升到主導地位。
       • 雙重舞台空間： 觀眾與演員共享一個被重新設計的空間，打破傳統的「鏡框式舞台」界限，讓表演充滿空間感和侵入性。
       • 強烈的視覺與聽覺衝擊： 利用極致的聲光效果，創造出令人不安、迷幻或狂喜的氛圍。
       • 儀式性： 追求一種原始宗教般的儀式感，讓觀眾進入一種集體的情感體驗。
   • 代表著作： 《劇場及其分身》(The Theatre and Its Double)。
   • 影響： 亞陶的思想對後來的實驗劇場、表演藝術、後現代戲劇（如後戲劇劇場）產生了深遠的影響，儘管他本人實際演出的作品極少。他的理論啟發了許多劇團和藝術家重新思考劇場的可能性。

5. Metadrama (後設戲劇)

   • 定義： 後設戲劇（或稱「戲中戲」、「元戲劇」）是一種戲劇結構或主題，其中戲劇本身成為作品的一部分，或者作品對戲劇的本質、創作過程、表演行為進行反思或評論。簡單來說，就是「戲劇在談論戲劇」。
   • 表現形式：
     • 戲中戲 (Play-within-a-play)： 劇中最明顯的後設戲劇形式，即劇中的角色在劇中演出另一齣戲。例如莎士比亞的《哈姆雷特》中的「岡薩羅的謀殺」。
     • 角色意識到自己是演員： 演員打破「第四面牆」，直接與觀眾對話，或評論劇本、表演。
     • 劇本與創作過程的展現： 劇情涉及劇作家寫作、導演排練、演員排演的過程。
     • 對戲劇虛構性的強調： 明顯地揭示戲劇的虛構本質，讓觀眾不斷提醒自己正在觀看的是一場演出，而非真實生活。
   • 目的：
     • 反思戲劇本質： 探討戲劇與現實的關係，虛構與真實的界限。
     • 挑戰觀眾的觀看習慣： 讓觀眾從被動的觀賞者轉變為主動的思考者。
     • 增加戲劇的複雜性與層次： 創造多重的敘事空間和意義層次。
     • 娛樂性與諷刺性： 有時也用於製造喜劇效果或進行社會諷刺。
   • 代表作品： 莎士比亞的《哈姆雷特》(Hamlet)、《仲夏夜之夢》(A Midsummer Night's Dream) 中的戲班演出；路易吉·皮蘭德婁（Luigi Pirandello）的《六個尋找劇作家的角色》(Six Characters in Search of an Author)；湯姆·史托帕德（Tom Stoppard）的《羅森克蘭茲與吉爾登斯吞已死》(Rosencrantz and Guildenstern Are Dead)。
   • 意義： 後設戲劇是戲劇自我反思的重要形式，在後現代戲劇中尤為常見，它模糊了虛構與現實的界線，引導觀眾深入思考藝術的本質。

此題要求考生闡述德國劇作家與戲劇理論家貝托爾特·布萊希特（Bertolt Brecht）的核心戲劇觀點，並分析其對後世的影響。

布萊希特的戲劇與劇場論點：

布萊希特最為人知的貢獻是發展了「史詩劇場」（Epic Theatre）或稱「辯證劇場」（Dialectical Theatre），以此來對抗當時占主導地位的「亞里斯多德劇場」（Aristotelian Theatre），即強調觀眾情感投入、劇情發展與心理共鳴的傳統戲劇模式。

1. 史詩劇場（Epic Theatre）的目標：

   • 啟發批判性思考，而非情感沉溺： 布萊希特認為，傳統戲劇讓觀眾在情感上與角色「認同」並「融入」劇情，從而麻痺了他們的批判能力。史詩劇場則旨在讓觀眾保持距離，理性地分析戲劇所呈現的社會現象，並反思其背後的社會、政治、經濟原因。
   • 教育與改造社會： 布萊希特深受馬克思主義影響，相信戲劇應當成為一種社會教育工具，揭示社會的不公與矛盾，激發觀眾採取行動，推動社會變革。

2. 「疏離效果」（Verfremdungseffekt / Alienation Effect / V-effect）的運用：

   • 核心概念： 這是史詩劇場最關鍵的技巧。它旨在打破觀眾對戲劇的「習慣性」觀看，讓他們對熟悉的事物產生陌生感，從而引發思考。
   • 具體手法：
     • 打破第四面牆： 演員直接與觀眾對話、評論情節、解釋人物行為，甚至在舞台上展示幕後工作。
     • 敘事性： 運用說書人（旁白）、歌曲（常與劇情無直接情感聯繫，而是提供評論或背景）、場次標題、歷史資料、圖表等，將戲劇切割成獨立的片段。
     • 非寫實舞台設計： 舞台背景常是簡潔、象徵性的，或直接展示機械裝置，避免營造虛幻的真實感。
     • 表演風格： 演員不追求完全「融入」角色，而是以一種「展示」的姿態表演，時而扮演角色，時而跳出角色進行評論（「示範」而非「扮演」）。他們會模仿角色的行為，而不是成為角色。
     • 情節的非連續性： 劇情可能不遵循嚴謹的因果邏輯，而是通過並列、對比來呈現主題。
     • 音樂與歌曲的運用： 歌曲不旨在推動情節或抒發情感，而是作為一種評論、引導觀眾思考的元素。

3. 「辯證劇場」的理念：

   • 呈現衝突與矛盾： 布萊希特認為，社會是充滿衝突與矛盾的，戲劇應當如實地呈現這些辯證關係，而不是試圖和諧化或掩蓋。

此題要求考生闡述後戲劇劇場（Postdramatic Theatre）的定義、核心特性，並舉例說明。

後戲劇劇場的特性：

後戲劇劇場是 20 世紀末至今，在歐陸（特別是德國）劇場界興起的一種重要的戲劇思潮與實踐。它與傳統的「劇本中心」戲劇模式形成鮮明對比，更強調「演出」（performance）本身，以及其獨立於劇本的意義。

1. 「後劇本」的特徵 (Post-dramatic)：

   • 劇本權威的消解： 後戲劇劇場不再將劇本視為演出的唯一藍圖或權威文本。劇本的文字內容可能只是演出的素材之一，甚至可以被解構、重組、顛覆。編劇的地位相對下降，導演、演員、舞台設計師等共同創作的權力提升。
   • 演出優先於劇本： 演出的現場性、身體性、空間感、視覺與聽覺的衝擊力，成為比劇本情節和對白更重要的元素。
   • 開放式敘事與意義： 故事線可能變得模糊、破碎、非線性，甚至完全省略。意義不再由劇本單向傳達，而是由演出在特定時間、空間中與觀眾互動而產生，因此具有高度的開放性和多義性。

2. 劇場實踐的多元化與跨界：

   • 表演的跨界： 演員的表演不再侷限於角色扮演，而是可能融入導演、編舞、舞台操作、技術執行、甚至藝術評論等多元角色。演員的身體、聲音、存在本身就成為重要的表現元素。
   • 空間的拓展： 演出空間不再限於傳統的鏡框式舞台，而是可能在劇場內外的各種非傳統空間進行，如倉庫、美術館、公共場所，甚至虛擬空間。
   • 媒介的混合： 結合了戲劇、舞蹈、音樂、影像、裝置藝術、行為藝術、紀錄片、網路媒體等多種藝術形式與媒介。

3. 與觀眾的關係重塑：

   • 打破第四面牆的常態化： 演員與觀眾之間的界線被模糊甚至打破，觀眾可能被邀請參與演出、影響劇情，或成為演出的一部分。
   • 強調觀看的經驗： 演出更關注觀眾的現場感知經驗，而非提供單一的、預設的意義。觀眾的解讀和感受成為演出意義生成的重要環節。

4. 主題的當代性與反思性：

   • 關注當代社會議題： 常常觸及當代社會的現實問題，如全球化、身份認同、政治、科技、環境等。
   • 對戲劇本身的質疑： 經常反思戲劇作為一種藝術形式的本質、功能與局限性，帶有後設劇場（Metatheatre）的特質。

代表作品或創作者舉例：

後戲劇劇場的代表人物和團體眾多，以下舉例說明：

1. 漢斯·蒂耶·克勞斯（Hans-Thies Lehmann）：
   • 貢獻： 他是提出「後戲劇劇場」概念並系統性闡述其理論的關鍵學者。他的著作《後戲劇劇場》（Postdramatic Theatre, 2006）定義並分析了這一劇場形式。
   • 影響： 他的理論為理解當代劇場的轉變提供了框架。

此題要求考生辨析古羅馬、中世紀、文藝復興三個時代的戲劇類型，並從中探討戲劇、人民與社會之間的關係。

古羅馬時期：

• 戲劇類型舉例： 喜劇（Comedy），特別是來自希臘新喜劇（New Comedy）影響的羅馬喜劇。例如普勞圖斯（Plautus）的《一癟》(Miles Gloriosus) 或泰倫提烏斯（Terence）的《自虐狂》(Self-Tormentor)。
• 劇場、人民與社會的關係：
  • 劇場： 古羅馬劇場的規模龐大，是公共的娛樂場所，通常由國家或富人贊助，免費或低價向公眾開放。其目的是提供娛樂、社會教化，有時也帶有政治宣傳的功能。
  • 人民： 廣大的市民階層是劇場的主要觀眾。喜劇貼近市民生活，描寫的也多是普通人的故事，如奴隸、商人、青年男女、老軍人等，容易引發觀眾的共鳴。
  • 社會： 羅馬喜劇常諷刺社會現象，如軍人的虛榮、商人的貪婪、年輕人的衝動、奴隸的機智等。雖然劇本常模仿希臘，但其語言和情境融入了羅馬的社會文化，反映了當時羅馬社會的價值觀、道德觀和生活習慣。透過喜劇，社會得以自我審視，並在歡笑中鞏固或修正其價值體系。例如，對賢妻良母、孝順子女的讚揚，對詐騙、懶惰的諷刺，都體現了羅馬社會所推崇的倫理道德。

中世紀時期：

• 戲劇類型舉例： 宗教劇（Religious Drama），特別是 道德劇（Morality Play）。例如《Everyman》（人人都可）。
• 劇場、人民與社會的關係：
  • 劇場： 中世紀的劇場形式多樣，從教堂內部（早期）到城鎮廣場、教堂前廊，再到巡迴演出的移動舞台。其主要目的不是純粹娛樂，而是宗教教化與傳播。
  • 人民： 絕大多數人民是文盲，無法直接閱讀聖經，因此宗教劇成為傳達基督教教義、道德準則和救贖觀念的重要媒介。觀眾是廣大的信徒，他們透過戲劇體驗信仰的力量。
  • 社會： 當時的社會結構由教會和封建領主主導，基督教是社會的核心價值體系。道德劇的「劇場」就是人生的縮影，劇中的「Everyman」象徵著每一個有罪的靈魂，需要面對死亡的審判。劇中的「善行」（Good Deeds）、「知識」（Knowledge）、「悔恨」（Repentance）等抽象概念人格化，與「罪惡」（Sin）、「死亡」（Death）等對抗。這反映了中世紀社會對生死、罪罰、救贖的深刻關切，以及強調個人靈魂的得救是社會和個人存在的終極目標。戲劇在此起到了維護教會權威、鞏固社會道德秩序的作用。

文藝復興時期：

此題要求考生找出 17 世紀（含）以前的兩位女性劇作家，並分析其作品特色、時代背景及其評價。在這個時期，女性在公開的寫作和戲劇領域仍面臨極大的挑戰，因此要找到符合條件的作家需要較深入的知識。

十七世紀以前（含）的女性劇作家及其分析：

在 17 世紀以前，女性參與戲劇創作的機會非常有限，尤其是在歐洲。當時的戲劇舞台主要由男性主導，女性演員的地位也受到限制。儘管如此，仍有少數女性透過各種方式留下了戲劇作品或對戲劇產生影響。這裡我們選擇兩位較具代表性的作家：

1. 赫達·馮·海爾布隆（Hrotsvit of Gandersheim，約 935-1002 年）

• 時代背景： 赫達是中世紀早期（約 10 世紀）一位德國的女性教士（Canoness），生活在神聖羅馬帝國時期。當時歐洲正處於基督教文化主導的時代，女性的社會地位相對較低，但修道院為一些受過教育的女性提供了相對獨立的空間。
• 作品： 赫達以拉丁文寫作了六部戲劇，其中最著名的是 《加利斯提斯》(Gallus) 和 《德奧菲勒》(Dulcitius)。這些作品主要靈感來自於早期羅馬作家泰倫提烏斯（Terence）的喜劇。
• 作品特色：
  • 模仿泰倫提烏斯風格： 赫達的劇本結構、人物設置（如聰明的女僕、愚蠢的男性角色）和對話風格，都明顯受到泰倫提烏斯喜劇的影響。
  • 宗教主題與道德教化： 儘管模仿世俗喜劇的形式，但赫達的劇本核心是宗教性的。她借用喜劇的框架，來讚揚基督教殉道者的信仰、貞潔和勇氣，並譴責異教徒的愚蠢和淫慾。例如，《加利斯提斯》講述了聖勞倫斯（St. Lawrence）的殉道故事，而《德奧菲勒》則描寫了幾位年輕女性如何抵禦羅馬官員的誘惑和迫害，堅守貞潔。
  • 鮮明的女性視角： 赫達的劇本中，女性角色（尤其是聖女）往往展現出非凡的智慧、勇氣和堅定的意志，她們能夠抵禦男性的壓迫和誘惑，這在當時是相當獨特的。她似乎是透過這些角色，來表達對女性力量的肯定。
• 時代性： 她的作品反映了 10 世紀基督教文化對社會生活的絕對影響，以及當時女性在宗教領域尋求自我表達的可能。她的創作是一種在嚴格的宗教框架內，對世俗文學形式的挪用與改造。
• 評價： 赫達被認為是德國最早的劇作家之一，也是歐洲最早的女性劇作家之一。她的作品在當時的修道院中流傳，但直到 15 世紀才被重新發現並出版。她的重要性在於，她證明了即使在一個男性主導的時代，女性也能夠進行嚴肅的文學創作，並透過戲劇來傳遞她們的價值觀。儘管她的作品帶有明顯的時代局限性（如宗教說教意味濃厚），但其對女性角色的塑造和對文學形式的運用，仍具歷史意義。

2. 瑪格麗特·德·納瓦爾（Marguerite de Navarre，1492-1549 年）

• 時代背景： 瑪格麗特是法國國王弗朗索瓦一世的姐姐，一位重要的文藝復興時期作家、詩人、劇作家和王室成員。她生活在法國文藝復興的鼎盛時期，受人文主義思潮影響，同時也身處於法國宗教改革的動盪之中。