110 年 國立臺灣大學戲劇系碩士班甲組《歐美戲劇及劇場概論》

此題為名詞解釋題，要求考生說明「proscenium stage」的定義。

Proscenium stage，又稱鏡框舞台，是西方劇場中一種非常普遍且歷史悠久的舞台形式。其最主要的特徵是舞台前方有一道「鏡框」（proscenium arch），將觀眾席與舞台空間分隔開來。觀眾透過這個鏡框觀看表演，舞台空間則被視為一個獨立的畫面，宛如一幅畫或一個電視螢幕。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「dramatic irony」的定義。

戲劇性諷刺（dramatic irony）是戲劇中一種常見的修辭手法，指的是在戲劇的敘事中，觀眾或讀者比劇中角色更了解情況，或者比劇中角色知道更多關於即將發生的事件的資訊。這種資訊的不對稱性，使得觀眾在觀看時產生一種特殊的心理感受，例如預期、緊張、悲憫，或是對角色無知的諷刺。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「comic relief」的定義。

笑料調劑（comic relief）是戲劇中一種常用的手法，指在嚴肅、悲劇或緊張的戲劇段落中，插入一段輕鬆、幽默或滑稽的場景、角色或對話，以緩和氣氛，減輕觀眾的沉重感，並為接下來的情節做鋪墊。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「miracle play」的定義。

奇蹟劇（miracle play）是中世紀歐洲流行的一種宗教戲劇形式，主要內容取材於聖經故事，特別是關於聖徒的生平事蹟，以及耶穌基督和聖母瑪利亞的神蹟。這類戲劇通常由教會或宗教團體組織演出，旨在宣揚教義、闡釋信仰，並激發信徒的虔誠。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「morality play」的定義。

道德劇（morality play）是中世紀晚期在歐洲流行的一種寓言式戲劇。與奇蹟劇（miracle play）或神秘劇（mystery play）不同，道德劇的內容不側重於聖經故事，而是以擬人化的方式，將抽象的道德觀念（如美德、惡習、死亡、救贖等）具體化為角色，透過這些角色的互動與衝突，來闡釋善惡的鬥爭以及

此題為名詞解釋題，要求考生說明「high comedy」的定義。

高雅喜劇（high comedy）是一種喜劇類型，其幽默感主要來自於智慧、機智的對話、社會諷刺、人物性格的描寫，以及對人類行為的細膩觀察。它通常不依賴誇張的肢體動作、低俗的笑料或滑稽的情境，而是透過精緻的語言和對社會現象的洞察來引發觀眾的笑聲。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「groundling」的定義。

Groundling 指的是在伊莉莎白時代的倫敦劇院（尤其是環球劇院）裡，站在舞台前方庭院（pit）區域、沒有座位、並且以站立方式觀看演出的觀眾。他們通常是社會經濟地位較低的民眾，以較低的票價入場。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「breeches role」的定義。

Breeches role（褲裝角色）是一種在戲劇表演中，由女性演員飾演男性角色的特定類型。在十七世紀末至十八世紀，當女性被允許登上舞台後，這種角色類型開始流行。飾演 breeches role 的女性演員通常會穿著當時男性所穿的寬鬆褲子（breeches），以展現角色的年輕、英勇或調皮的特質。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「Verfremdungseffekt」的定義。

Verfremdungseffekt，中文常譯為「陌生化效果」或「疏離效果」，是德國劇作家貝托爾特·布萊希特（Bertolt Brecht）在其史詩劇場（Epic Theatre）理論中提出的重要概念。其核心目的是打破觀眾與劇場之間的傳統沉浸式關係，讓觀眾保持清醒的批判性思維，而非被劇情完全牽引而產生情感共鳴。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「Robert Wilson」的定義。

Robert Wilson（羅伯特·威爾遜）是一位當代美國極具影響力的劇場導演、編劇、舞臺設計師和燈光設計師。他以其獨特、極簡、視覺化的劇場風格聞名於世，其作品常被形容為「夢境般的」、「繪畫般的」或「雕塑般的」。

威爾遜的劇場作品特色包括：緩慢的節奏、極度精煉的肢體動作、強烈的視覺意象（特別是運用燈光營造氛圍）、對聲音和音樂的獨特運用，以及對文本的非線性處理。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「Aeschylus」的定義。

Aeschylus（埃斯庫羅斯）是古希臘三大悲劇家之一，被譽為「悲劇之父」。他生活於約公元前 525 年至公元前 456 年，是古希臘戲劇發展的奠基人之一。

埃斯庫羅斯的悲劇作品以其宏偉的氣勢、深刻的思想和對神話的嚴肅處理而著稱。他被認為是將第二位演員引入戲劇表演的關鍵人物，從而使得對話和角色之間的互動成為戲劇的核心，極大地豐富了戲劇的可能性。

此題為名詞解釋題，要求考生說明「deus ex machina」的定義。

Deus ex machina，拉丁文意為「來自機械的神」，是一種戲劇上的情節安排手法。它指的是在戲劇的末尾，當劇情陷入無法解決的困境時，突然出現一個意想不到的人物、事件或力量，以一種看似巧合的方式解決了所有問題，使劇情得以圓滿結束。

此題旨在探討法國新古典主義戲劇的特色，並要求舉例說明。

法國新古典主義（Classicism）是十七世紀法國戲劇發展的重要時期，其戲劇理論深受古希臘羅馬戲劇的影響，並受到當時學院派的推崇。其核心特色可以歸納為以下幾點：

1. 遵守三一律（The Three Unities）：

   • 時間統一（Unity of Time）： 劇情應在二十四小時內發生。
   • 地點統一（Unity of Place）： 劇情應發生在單一地點，或相鄰的幾個地點。
   • 情節統一（Unity of Action）： 劇情應圍繞單一主線展開，避免支線過多或過於複雜。
     這三一律的目的是為了追求戲劇的真實性與合理性，讓觀眾能夠相信劇中所呈現的世界。

2. 重視理性與秩序： 新古典主義戲劇強調理性的力量，反對過度的情感宣洩和混亂。角色行為應符合邏輯，劇情發展應合情合理。

3. 階級與道德觀念： 劇中人物的身份地位通常較為尊貴，如國王、貴族、將軍等。劇情常涉及政治、權力、榮譽、義務等主題，並強調社會秩序與個人道德的平衡。

4. 語言風格： 語言要求典雅、精煉、合乎格律，避免粗俗或口語化的表達。詩體（通常是亞歷山大詩體，即每行十二個音節）是常見的語言形式。

此題旨在探討義大利即興喜劇（Commedia dell'arte）的特色及其對後世戲劇的影響。

義大利即興喜劇的特色：

義大利即興喜劇大約興盛於十六世紀至十八世紀，是一種高度依賴演員即興創作、表演模式化、並具有固定角色的表演形式。其主要特色包括：

1. 即興表演（Improvisation）： 這是即興喜劇最核心的特徵。演員並非背誦固定劇本，而是依據一個事先擬定的劇情大綱（scenario），透過臨場的對話、動作來發展情節。這使得每一場演出都充滿新鮮感與不可預測性。

2. 固定角色與面具： 即興喜劇擁有一系列極具辨識度的固定角色，這些角色通常有特定的服裝、性格、口音、肢體語言，甚至使用面具。常見的角色類型包括：

   • 老者（Zanni）： 如阿爾勒昆（Arlecchino，小丑）、布里蓋拉（Brighella，狡猾的僕人）。
   • 戀人（Innamorati）： 年輕俊美的男女，通常沒有面具，代表愛與浪漫。
   • 滑稽老人（Vecchi）： 如潘塔隆（Pantalone，貪婪的老商人）、柯倫比納（Colombina，聰明的女僕，常為戀人或老者助手）。
   • 軍官（Capitano）： 如西班牙軍官，虛張聲勢但膽小。
     這些角色的類型化和模式化，為演員的即興創作提供了基礎。

3. 肢體喜劇與誇張： 即興喜劇非常重視肢體表演，動作誇張、滑稽，充滿活力。演員常運用翻滾、跳躍、摔跤等技巧來製造喜劇效果。

此題旨在探討史坦尼斯拉夫斯基表演體系中「潛台詞」（subtext）的重要性、定義，並要求舉例說明。

史坦尼斯拉夫斯基表演體系與潛台詞：

康斯坦丁·史坦尼斯拉夫斯基（Konstantin Stanislavski）是俄國一位極具影響力的戲劇導演、演員和表演理論家，他創立的表演體系（Stanislavski System）對現代戲劇表演產生了革命性的影響。在他的體系中，「潛台詞」扮演著至關重要的角色。

潛台詞的定義：

潛台詞（subtext）是指劇本中未明確寫出，但演員需要透過表演來傳達的角色的內在思想、情感、動機、慾望、潛意識或未說出口的意圖。它存在於對白（text）的字面意思之下，是角色真實的心理活動和情感狀態的表達。簡而言之，潛台詞就是「角色真正想說或真正感受到的，但沒有直接說出來的東西」。

為何強調潛台詞？

史坦尼斯拉夫斯基強調潛台詞的原因如下：

1. 追求真實性與深度： 演員的目標是創造一個真實、立體、有血有肉的角色。人類的溝通往往是複雜的，我們說出來的話（對白）不一定完全反映我們的真實想法或情感。潛台詞的存在，使得角色的表演更加真實、細膩，避免了表面化的演出。

2. 揭示角色的內在衝突： 潛台詞是揭示角色內在衝突、矛盾和動機的關鍵。一個角色表面上說著客套話，但內心可能充滿憤怒、嫉妒或恐懼。這種內在與外在的差異，是表演的張力所在。

3. 建立角色的「相信」與「體驗」： 史坦尼斯拉夫斯基的體系強調演員的「相信」（belief）和「體驗」（experience）。演員需要深入挖掘角色的內心世界，理解其潛台詞，才能真正「成為」角色，並讓觀眾相信角色的真實性。

好的，我們來解析這題關於「殘酷劇場」與「荒謬劇場」的問答題。

這題主要考驗考生對於二十世紀現代戲劇中兩個重要劇場思潮的理解，包含它們的核心理論、美學追求、劇場實踐上的差異與共通之處，以及能否透過具體劇作或導演實踐來佐證。

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4. 請描述殘酷劇場與荒謬劇場的差異與相似,並舉例說明。

解題過程：

本題要求我們分析「殘酷劇場」（Theatre of Cruelty）與「荒謬劇場」（Theatre of the Absurd）這兩種二十世紀重要的現代戲劇思潮，從差異與相似兩方面進行探討，並輔以具體劇作或導演實踐進行說明。

(a) 殘酷劇場 (Theatre of Cruelty)

• 核心概念與目標： 殘酷劇場由法國劇作家安東南·亞陶（Antonin Artaud）在其著作《劇場及其分身》（The Theatre and Its Double）中提出。亞陶認為當時的劇場已經僵化，過度依賴語言和寫實主義，無法觸及觀眾的潛意識和原始情感。他主張劇場應該是一種「儀式」，能夠強烈衝擊觀眾的感官，喚醒他們內心深處的恐懼、欲望和暴力，進而達到一種精神上的淨化與轉化。亞陶所說的「殘酷」（cruelty）並非指血腥暴力，而是指劇場對觀眾進行的一種「無法逃避的、直接的、充滿能量的」精神衝擊，如同宗教儀式或巫術般，直接作用於觀眾的感知。
• 劇場實踐： 亞陶強調「劇場的語言」是超越文字的，包含聲音、光線、肢體動作、空間運用、音樂、服裝、面具等，這些元素應以極度強烈、誇張、甚至令人不安的方式呈現。他希望創造一種「無戲劇性的戲劇」（non-theatrical drama），將劇場從劇本的奴役中解放出來，回歸其神聖、儀式性的本質。
• 舉例說明： 雖然亞陶的理論影響深遠，但直接以其理論完全實踐的劇團並不多。後來的彼得·布魯克（Peter Brook）在《亞陶的幽靈》（The Empty Space）一書中，對亞陶的理論進行了詮釋和實踐，例如他在1960年代的皇家莎士比亞劇團（RSC）時期，曾嘗試透過非傳統的表演方式、空間佈置，以及對經典文本的解構，來達到亞陶所追求的觀眾的感官與精神衝擊。例如，他對莎士比亞《仲夏夜之夢》（A Midsummer Night's Dream）的詮釋，就打破了傳統的舞台界限，運用更具原始和儀式感的元素，試圖觸動觀眾更深層的意識。

(b) 荒謬劇場 (Theatre of the Absurd)

• 核心概念與目標： 荒謬劇場主要活躍於二次世界大戰後，代表性劇作家包括沙繆·貝克特（Samuel Beckett）、尤涅斯科（Eugène Ionesco）、哈洛·品特（Harold Pinter）等人。其核心觀念來自於存在主義哲學，認為人類生存的處境是荒謬的，生命本身缺乏終極意義，人與人之間的溝通常常是徒勞無功的。荒謬劇場的戲劇旨在呈現這種存在的困境，透過非邏輯、非線性的敘事、破碎的對話、單純的或重複的動作，以及缺乏明確情節和人物發展的舞台呈現，來表達人類在宇宙中的孤獨、迷失與無助感。
• 劇場實踐： 荒謬劇場的劇作通常打破傳統戲劇的結構：
  • 情節： 缺乏傳統意義上的開端、發展、高潮和結局，常呈現重複、循環或停滯的狀態。
  • 角色： 人物往往缺乏清晰的背景、動機和個性發展，有時甚至難以區分。
  • 對話： 語言失效，對話充滿空洞、重複、斷裂、誤解，或根本無法傳達任何實質意義。
  • 舞台呈現： 畫面常呈現空寂、靜止、或充滿奇異、不合邏輯的景象。
• 舉例說明：
  • 沙繆·貝克特的《等待果陀》（Waiting for Godot）： 這是荒謬劇場最經典的作品之一。兩位主角弗拉迪米爾（Vladimir）和愛斯特拉岡（Estragon）日復一日地在路邊等待一位名為「果陀」的人物，但果陀從未出現。他們不斷重複著無意義的對話和動作，試圖打發時間。劇中的等待本身就象徵著人類對意義的徒勞追尋，而果陀的缺席則突顯了生命的虛無。