110 年 國立臺灣大學音樂學研究所《中西音樂史》

本題主要探討儒家思想中關於「樂」與「禮」的關係，以及音樂的社會功能與美學原則。

核心觀念： 儒家思想中，音樂（樂）與禮是構成社會秩序與和諧的兩大支柱。「樂」強調和諧、統一與情感的共鳴，而「禮」則強調規範、區分與秩序。

(一) 解釋「樂者為同,禮者為異...」

這段話出自《禮記．樂記》，是儒家闡述樂與禮功能的重要論述。

• 「樂者為同,禮者為異。同則相親,異則相敬」：

  • 樂者為同： 音樂的特質在於其共通性、感染力，能夠使人們產生情感上的共鳴，拉近彼此的距離，形成「同」。例如，共同聆聽一首激勵人心的樂曲，大家會感受到相同的熱情與凝聚力。
  • 禮者為異： 禮的本質在於區分、規範，使人與人之間、事與事之間有所區別，確立社會的等級與倫理，形成「異」。例如，朝見君王、父母的禮節不同，體現了尊卑有序。
  • 同則相親,異則相敬： 當人們在情感上產生「同」時，便會彼此親近、融合；當人們能夠尊重社會的「異」（區別與規範），便會懂得互相敬重，維持社會的和諧。

• 「樂者,天下之和也;禮者,天下之序也。和,故百物皆化;序,故群物皆別」：

  • 樂者,天下之和也： 音樂是使天下萬物能夠和諧統一的力量。透過音樂的薰陶，人們的情感得以疏導，社會矛盾得以緩解，達致普遍的和諧狀態。
  • 禮者,天下之序也： 禮是確立天下萬物秩序的準則。透過禮的約束，社會的等級、倫理、行為規範得以確立，使萬物各安其位，各司其職。
  • 和,故百物皆化： 由於音樂帶來了「和」，使得萬物能夠相互影響、轉化，呈現出欣欣向榮、生機勃勃的景象。例如，和諧的社會氛圍有助於經濟發展、文化繁榮。
  • 序,故群物皆別： 由於禮確立了「序」，使得各種事物、人群能夠清晰地區分開來，各守本分，不致混亂。例如，明確的法律和道德規範使得不同身份的人們有不同的行為準則。

總結： 儒家認為，音樂和禮是相輔相成的。音樂負責情感的融通與和諧，禮則負責社會的秩序與區分。兩者共同作用，才能建立一個既和諧又井然有序的理想社會。

(二) 解釋「和」為「異中求同」並舉例

• 「異中求同」的解釋： 「異中求同」是指在承認和尊重個體差異、事物屬性不同的前提下，尋求共同點、達成和諧與統一。這與音樂「和」的功能相契合，即在不同的音高、節奏、音色、聲部等元素並存時，能夠協調一致，形成整體的美感。

• 音樂舉例：

  1. 複調音樂 (Polyphony)： 在西方音樂史上，複調音樂是「異中求同」的最佳體現。例如，巴洛克時期的賦格 (Fugue)。賦格由一個或多個主題（旋律）發展而來，但各個聲部（聲部之間是「異」）獨立地演唱或演奏自己的旋律線，同時又要與其他聲部的旋律相互交織、呼應，最終匯聚成一個有機、和諧的整體（「同」）。每個聲部都有其獨特性，但它們又必須按照嚴格的對位規則（「異」中的「同」）來進行。
  2. 和聲音樂 (Harmony)： 即使是單音旋律，其背後的和聲進行也體現了「異中求同」。不同的和弦（「異」）按照一定的規則（「同」）連接起來，支撐著旋律的進行，並創造出豐富的情感色彩。例如，在主調音樂中，不同的旋律線（「異」）在伴奏聲部（「異」）的烘托下，共同構成一個和諧的音樂織體。

本題要求考生從臺灣音樂史的角度，說明日治時期（1895-1945）所發生的重大音樂變化，並舉出具體的例子。這段時期是臺灣音樂發展史上的關鍵轉折點，西方音樂與日本音樂的影響開始深入，傳統音樂也面臨挑戰與轉變。

核心觀念： 日治時期，臺灣音樂經歷了從傳統向現代、從本土向殖民地文化融合的劇烈變遷，主要體現在音樂教育的建立、西方音樂的傳入、日本音樂的影響，以及傳統音樂的式微或轉化。

舉例說明：

例一：音樂教育的制度化與西方音樂的引入

• 變化： 在日治時期之前，臺灣的音樂傳承主要以口傳、師徒制或家庭傳授為主，缺乏系統性的音樂教育。日治政府引入了西方現代音樂教育體系，在學校中設立音樂課程，並引進西方的樂理、視唱、聽寫、樂器演奏等教學方法。
• 具體說明：
  • 1930年代，總督府在各地設立了師範學校（如台北師範學校、台中師範學校），音樂被納入正規課程，培育了第一批接受西方音樂訓練的音樂教師。
  • 小學、中學也開始教授音樂，雖然內容以日本童謠、國歌及簡單的西方樂曲為主，但這打破了以往音樂學習的邊界，讓更多人有機會接觸正規的樂理知識和西方音樂的調性、和聲概念。
  • 同時，西樂器（如鋼琴、小提琴、銅管樂器）開始在臺灣普及，並出現了由日本人或少數臺灣人組成的西樂團體，如軍樂隊、學校管樂隊等。這些都標誌著西方音樂及其教育模式在臺灣的初步建立，改變了臺灣原有的音樂生態。
  • 字數檢核： 說明內容已超過50字。

例二：臺灣歌謠的轉變與日本童謠的影響

• 變化： 在日治時期，臺灣的流行音樂（歌謠）發生了顯著的轉變。一方面，傳統的民謠、戲曲音樂受到衝擊；另一方面，日本流行音樂（演歌、童謠）透過媒體（如唱片、廣播）和學校教育，對臺灣歌謠的曲式、旋律、配器、主題內容產生了深刻的影響。

本題分為兩部分，第一部分探討歐洲音樂史上的作曲技法或理論，要求包含一種早於1600年的技法；第二部分則聚焦於「作曲家」概念的歷史演變。

核心觀念： 歐洲音樂史發展至今，作曲技法不斷革新，從早期的複音音樂到後來的調性音樂、十二音列，再到現代的電子音樂與實驗音樂，展現了作曲家對音樂構造的多元探索。同時，「作曲家」的角色也從中世紀的匿名工匠，演變成受人尊敬的藝術家，其社會地位與創作理念隨時代變遷。

(一) 三種不同的作曲技法或理論 (包含一種早於1600年)

1. 複音音樂 (Polyphony) - （早於1600年）

   • 定義與說明： 複音音樂是指由兩個或兩個以上獨立的旋律線條同時進行的音樂。在1600年之前，複音音樂是歐洲音樂發展的主流，尤其在中古時期晚期（約1300-1600年）達到了高度發展。
   • 發展階段與例子：
     • 奧爾加農 (Organum)： 中古時期最早期的一種複音形式，在一段固定旋律（Cantus Firmus）之上，加入一個或多個平行移動或對比的聲部。例如，諾特丹樂派（Notre Dame School, 約1160-1250）的黎歐南（Léonin）和裴羅坦（Pérotin）的作品。
     • 經文歌 (Motet)： 發展於13世紀，成為中古時期重要的複音音樂形式。經文歌可以有不同的文本內容在不同聲部同時演唱，展現了複雜的對位技巧。
     • 複音音樂的成熟： 文藝復興時期（約1400-1600年）是複音音樂的黃金時期，作曲家如帕萊斯特里納（Palestrina）、拉蘇斯（Lassus）、若斯金·德普雷（Josquin des Prez）等，發展出高度精緻的「模仿複音」（Imitative Polyphony），各聲部之間相互模仿，織體嚴密而優美。
   • 重要性： 複音音樂奠定了西方音樂發展的基礎，培養了對聲部獨立性與協調性的理解，為後來的調性音樂發展鋪平了道路。

2. 調性音樂 (Tonal Music) / 功能和聲 (Functional Harmony)

   • 定義與說明： 調性音樂是歐洲音樂自17世紀巴洛克時期（約1600年）開始，一直到20世紀初的主流音樂風格。其核心特徵是建立在一個明確的「調」（Key）之上，所有旋律和和聲都圍繞著主音（Tonic）展開，並遵循一套和聲功能規則。
   • 核心概念：
     • 調式（Mode）轉向調性（Tonality）： 從中古時期和文藝復興時期的教會調式（Modes）轉變為以大調（Major）和小調（Minor）為主的調性系統。
     • 功能和聲： 和弦之間具有明確的功能性，如主和弦（Tonic）、屬和弦（Dominant）、下屬和弦（Subdominant）等，它們之間存在著解決（Resolution）與導引（Tension）的關係，推動音樂向前發展。例如，屬和弦（V）強烈傾向於解決到主和弦（I）。
     • 三和弦與七和弦： 主要使用三和弦（Triad）和七和弦（Seventh Chord）作為和聲構成的基本單位。
   • 代表時期與作曲家： 巴洛克時期（巴赫、韓德爾）、古典時期（莫札特、海頓、貝多芬）、浪漫時期（蕭邦、布拉姆斯、華格納）等。
   • 重要性： 調性音樂系統提供了強大的組織音樂結構和表達情感的能力，是西方古典音樂的核心。

3. 十二音列技法 (Twelve-Tone Technique / Dodecaphony)

   • 定義與說明： 十二音列技法是一種20世紀初發展起來的無調性（Atonality）作曲技法，由奧地利作曲家阿諾德·荀貝格（Arnold Schoenberg）及其學生（阿爾班·貝爾格 Alban Berg、安東·韋伯恩 Anton Webern）所創。其目的是為了系統性地組織無調性音樂，避免傳統調性音樂的和聲傾向，並確保所有十二個半音的平等使用。
   • 核心概念：
     • 音列 (Tone Row / Series)： 作曲家首先預先設定一個包含十二個半音的序列，這就是「音列」。在這個音列中，每個音只能出現一次。
     • 基本音列 (Prime, P)： 音列的原始形式。
     • 逆行音列 (Retrograde, R)： 將基本音列反向排列。
     • 倒影音列 (Inversion, I)： 將基本音列中音程的走向反向（例如，上行大三度變成下行大三度）。
     • 逆行倒影音列 (Retrograde Inversion, RI)： 將倒影音列反向排列。
     • 音列的應用： 作曲家在創作中，必須嚴格按照預設的音列（及其各種變體）來組織旋律和和聲，確保所有音符的出現都遵循音列的順序。
   • 代表作曲家： 阿諾德·荀貝格、阿爾班·貝爾格、安東·韋伯恩。
   • 重要性： 十二音列技法是20世紀音樂發展史上的重要里程碑，它挑戰了傳統的調性體系，開創了無調性音樂的系統化創作道路，對後來的序列音樂（Serialism）等技法產生了深遠影響。

(二) 作曲家概念的形成與演變

• 作曲家概念形成的時代：
  • 最早的雛形： 在中古時期，音樂主要是為宗教服務，作曲家（或稱「樂師」）的角色往往是工匠式的，很多作品是匿名的，或是以「樂團」（choir）、「學校」（school）為名。雖然有像裴羅坦、馬肖（Machaut）這樣有名字的作曲家，但他們的社會地位和個人創作的獨立性與後世不可同日而語。