109 年 國立臺灣大學音樂學研究所《中西音樂史》

本題主要考驗考生對唐代音樂舞蹈的理解，特別是透過白居易的詩歌來分析《霓裳羽衣舞》的音樂結構、表現手法以及舞蹈姿態。這需要考生具備一定的文學賞析能力，並能將詩句中的意象與音樂史的知識結合。

核心觀念：

1. 唐代音樂舞蹈的發展： 了解唐代音樂舞蹈的藝術成就及其代表作。
2. 文學作品中的音樂描寫： 學習如何從文學作品中提取音樂史的資訊。
3. 音樂結構與舞蹈動作的關聯： 理解音樂的發展如何與舞蹈的呈現相互配合。

解題步驟：

1. 樂曲的結構形式及其變化：
詩中明確提及了樂曲的幾個部分，並有白居易的註解，這提供了結構上的線索。

• 序初（或稱散序）： 「凡法曲之初，眾樂不齊，唯金石絲竹次第發聲。霓裳序初，亦復如此。」以及「散序六奏未動衣，陽臺宿雲慵不飛。（散序六遍無拍，故不舞也。）」這段描述了樂曲的開頭部分，樂器並非同時奏響，而是次第進入，且此階段是沒有拍子的（無拍），因此舞蹈尚未開始。
• 中序（或稱拍序）： 「中序擘紈初入拍，秋竹竿裂春冰拆。（中序始有拍，亦名拍序。）」此處明確指出「中序」是有拍子的（有拍），標誌著音樂進入有節奏的部分，舞蹈也隨之展開。
• 發展與變奏： 「飄然轉旋迴雪輕，嫣然縱送游龍驚。小垂手後柳無力，斜曳裾時雲欲生。（四句皆霓裳舞之初態。）」這四句描寫了舞蹈的初級階段，動作優美流暢。
• 高潮與變換： 「繁音急節十二遍，跳珠撼玉何鏗鏘。（霓裳破凡十二遍而終。）」這句是關鍵，指出樂曲有「十二遍」的結構，並且進入「繁音急節」的階段，音樂變得更加緊湊、華麗。這意味著樂曲的發展經歷了從緩慢到快速、從平靜到激昂的變化。
• 結尾： 「翔鸞舞了卻收翅，唳鶴曲終長引聲。（凡曲將畢，皆聲拍促速，唯霓裳之末，長引一聲也。）」這描述了樂曲的結尾部分，先是節奏加快，最後以一個悠長的聲音（長引）結束，這也是一種常見的音樂處理手法。

結構變化總結： 從無拍的序奏，進入有拍的中序，再到以「十二遍」為核心的發展與變奏，最後以「長引」結束。這種結構顯示了音樂從引入、發展到高潮再到收尾的清晰脈絡。

2. 音樂表現：
詩句中運用了大量生動的比喻和意象來描繪音樂的聽覺感受。

• 樂器組合： 「磬簫箏笛遞相攙」說明了樂器編制，包含了敲擊樂器（磬）、管樂器（簫）、彈撥樂器（箏、笛），這反映了當時宮廷音樂的豐富性。
• 音響效果：
  • 「秋竹竿裂春冰拆」：形容中序的音樂清脆、響亮、有穿透力，如同竹竿斷裂、春冰崩裂般，充滿生機與活力。

本題為名詞解釋題，要求考生解釋兩個在音樂史（或廣義藝術史）上可能出現的人物。這需要考生具備較廣泛的音樂史知識，特別是對於可能與特定時期或流派相關的人物。

核心觀念：

1. 音樂史上的重要人物： 認識不同時期、不同文化背景下的音樂家、理論家、學者或與音樂相關的重要人物。
2. 知識的廣度與深度： 了解音樂史之外，也可能觸及相關藝術領域的人物。

解題步驟：

1. 江文也 (10分)
「江文也」這個名字，在台灣音樂史或20世紀華人音樂家中，是一位相當重要且具代表性的人物。他是一位作曲家，也是一位音樂教育家。

• 背景與生平： 江文也（1910-1983），原名江文淵，出生於台灣苗栗。他早年赴日本東京音樂學校（現東京藝術大學）深造，師從著名作曲家清瀨保二（Yasuji Kiyose）。
• 音樂風格與成就： 他的音樂創作融合了東西方元素，尤其擅長將台灣的民間音樂素材融入現代作曲技法中。他的作品風格多樣，包括管弦樂、室內樂、聲樂等。代表作有：
  • 管弦樂：《台灣舞曲》（Taiwanese Dance）、《原住民組曲》（Suite for Native Peoples）。
  • 鋼琴曲：《幻想曲》等。
  • 他也是最早將台灣本土題材創作成管弦樂作品的作曲家之一。
• 音樂教育貢獻： 戰後，江文也回到台灣，積極投入音樂教育工作，曾任教於國立臺灣師範大學、中國文化大學等校，培養了眾多音樂人才。
• 學術地位： 被認為是台灣現代音樂發展的先驅之一，對確立台灣在地音樂特色，以及推動現代作曲技法在台灣的傳播，有著不可磨滅的貢獻。

本題主要探討歐洲音樂史中「古典」(classic, classical)與「傳統」(tradition, traditional)兩個重要概念的定義、應用及其在音樂史寫作中的意義。這需要考生對歐洲音樂史的分期、風格特徵有深入的理解，並能進行概念的辨析與比較。

核心觀念：

1. 音樂史分期與風格： 掌握各音樂時期（如巴洛克、古典、浪漫）的主要特徵。
2. 「古典」概念的多重性： 理解「古典」不僅指特定風格，也可能指具有典範意義的作品或時期。
3. 「傳統」與「古典」的比較： 辨析這兩個詞彙在語義、應用上的異同。

解題步驟：

a) 「古典風格」(classical style)的定義及其在歐洲音樂史寫作的意義 (20分)

「古典風格」所指為何：
「古典風格」（classical style）通常專指歐洲音樂史上約莫從1750年至1820年間（或更精確地說，從海頓、莫札特活躍時期到貝多芬早期）所發展出的音樂風格。這個風格的關鍵特徵包括：

• 清晰的結構與形式： 強調樂句的對稱性、規整性。奏鳴曲式（Sonata form）、迴旋曲式（Rondo form）、變奏曲式（Theme and variations）等形式得到確立與廣泛應用，結構清晰、邏輯性強。
• 旋律的優美與歌唱性： 旋律線條清晰、流暢、易於記憶，常帶有歌唱性。樂句結構工整，多為對稱的樂句。
• 和聲的簡潔與功能性： 和聲語言相對簡潔，以功能和聲為主，注重清晰的和聲進行。
• 音樂的平衡與理性： 追求音樂的均衡、明晰、客觀與理性，避免過度的情感宣洩，強調形式的完美。
• 配器的精緻化： 交響樂團的編制趨於穩定，配器更加精緻、平衡。
• 代表人物： 海頓（Joseph Haydn）、莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart）是此風格的集大成者，貝多芬（Ludwig van Beethoven）早期作品也屬於此風格，並為其向浪漫風格過渡。

這個概念在歐洲音樂史寫作的意義：
「古典風格」這個概念在歐洲音樂史寫作中具有極為重要的意義，主要體現在：

1. 劃時代的標誌： 它標誌著西方音樂從巴洛克時期的複雜、對位式的複音音樂，轉向更注重旋律、清晰結構與情感表達的時期，是西方音樂發展史上的重要轉折點。
2. 典範的確立： 「古典風格」確立了許多至今仍被視為音樂創作基本原則的形式與結構（如奏鳴曲式），成為後世作曲家學習與借鑒的典範。
3. 美學標準的形成： 它代表了一種崇尚理性、清晰、平衡、和諧的美學理想，影響了後來的音樂美學觀念。
4. 歷史分期的依據： 「古典時期」作為一個獨立的音樂史分期，其確立有助於系統性地梳理和理解音樂史的發展脈絡，方便研究者進行分析與比較。
5. 與「古典」的區別： 雖然「古典風格」是「古典」概念的一種具體體現，但音樂史寫作中區分「古典風格」（特指1750-1820年間的風格）與廣義的「古典」（指具有典範性、歷久彌新之意）是非常必要的，這有助於精確地討論歷史現象。

b) 另外舉出二個不同時期的「古典」(classic, classical)一詞的使用例子 (20分)

這裡需要舉出一個早於1750年，一個晚於1830年的例子，且不能僅以單一作曲家為例。

例子一：早於1750年——巴洛克晚期與「古樂」(Musica antiqua) 的概念

• 時期： 17世紀末至18世紀初（巴洛克時期晚期），特別是當「古典」一詞開始被用於回顧與評價過去的音樂時。
• 說明： 在巴洛克時期，特別是18世紀上半葉，當音樂家和評論家開始回顧或評價17世紀的音樂時，他們有時會使用「antiqua」（古老的，古昔的）或類似的詞彙來指稱那些被認為是結構嚴謹、技巧高超、具有永恆價值的作品。例如，在17世紀，人們可能會用「classico」（古典的）來形容如帕勒斯特里那（Palestrina）這樣的文藝復興時期作曲家，因為他們的音樂被認為是純淨、嚴謹、典範的。到了巴洛克晚期，雖然「古典風格」尚未形成，但「古典」的概念已經開始被用來指稱那些在過去被認為是傑出、具有典範意義、超越時代的音樂。例如，在談論複音音樂的發展時，會提及早期作曲家作品的「古典」品質。這並非指某一個特定的「古典時期」，而是指一種對過去音樂的評價標準。
• 為何不是單一作曲家： 這裡討論的是一種歷史評價的趨勢，涉及對「過去」音樂（如文藝復興時期的複音音樂）的整體看法，而非僅針對某一位作曲家。

例子二：晚於1830年——浪漫主義對「古典」的態度與「新古典主義」(Neoclassicism)

• 時期： 19世紀中葉至20世紀初（浪漫主義晚期至現代音樂早期）。
• 說明： 到了浪漫主義時期，音樂家們更加強調個人情感的表達、戲劇性與標題音樂。然而，即使在浪漫主義盛行的時代，依然存在著對「古典」的尊崇，例如對巴赫（J.S. Bach）、莫札特、貝多芬等「古典」大師的景仰。